Jimmy Page and The black crowes, live at the greek

Este álbum lanzado en el 2000 contiene material de un concierto realizado por los Black crowes, en el teatro Greek, ubicado en los Ángeles acompañados por Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppelín, el repertorio del CD consta de covers hechos por Black crowes a temas de Zeppelín, cabe resaltar que los conciertos (que fueron 2) incluyeron en su repertorio temas propios de los black crowes, canciones como “remedy” o “hard to handle”, sin embargo un problema con la compañía disquerales evitó colocarlas en este CD

Yo considero a este doble CD como una joya en lo que respecta a conciertos pues, la pasión y fuerza que denotan tanto Page (se mete unos riffs improvisados excelentes) como los Crowes además de la sublime voz de Chris Robinson … sin palabras, totalmente recomendado.

CD 1 (descargar)

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Karlheinz Stockhausen 1928 - 2007

Recuerdo que hace unos meses conversaba con mis compañeros de este blog y les comentaba la posibilidad de escribir acerca del compositor Karlheinz Stockhausen. El motivo por el cual no me animaba a publicar un artículo sobre él era la complejidad de su trabajo, y por eso decidí postergar el pequeño proyecto. Sin embargo, hace unos días, Stockhausen dejó este mundo y amerita un humilde homenaje de nuestra parte.

Considerado uno de los más influyentes músicos del pasado siglo, además de innovador, revolucionario, provocador y visionario, nació en Alemania en 1928 y sentó bases importantísimas para lo que sería la música electrónica.

Desde niño se dejó influenciar por la vena musical de su familia, en especial de su madre, tocando el piano y el violín. Tras la muerte de ésta, aparentemente a manos de los nazis, comenzó a estudiar intensamente pedagogía musical de piano, musicología, filosofía, y lengua germánica..

Su catálogo de obras es extenso y variado, por lo cual es difícil clasificarlo. No obstante, destacó por el uso de las matemáticas a la hora de componer, renovó el sonido y su habitual armonía, utilizó uno de los primeros tipos de sintetizadores y experimentó con la aleatoria o casualidad controlada, dentro de su famosa música serial. Además fue director de orquesta.

Polémico hasta más no poder, Stockhausen fue bastante caprichoso en su composición y en su vida diaria. Quizá su mayor desliz fue afirmar que los ataques a las Torres Gemelas del 11 de septiembre fueron ‘la mayor obra de arte que se haya hecho jamás’, comparando su minuciosa preparación y coordinación con la labor de un músico. Desde luego, fue un comentario por el cual muchos los criticaron e incluso lo obligaron a pedir disculpas públicas.

Pero dejando de lado acontecimientos aislados, su obra ha dejado un legado impresionante en el arte. Influyó en músicos como los Beatles (aparece en la portada del Sgt. Pepper’s), Pink Floyd, Miles Davis, David Bowie, Frank Zappa, Björk y notoriamente en Kraftwerk, el grupo electrónico más popular de la historia, entre tantos otros. Además, muchas otras disciplinas se han visto plagadas de su estilo, como es el caso de la pintura de Paul Klee, la literatura de Julio Cortázar, el cine de Godard, e innumerables expresiones que recibieron el poder de su música.

Un autor incomprendido en demasía, que negaba ser futurista al decir que lo moderno de hoy, sería lo tradicional de mañana. Ahora ha muerto y su herencia debe permanecer imperecedera como la de tantos otros genios. Pionero de la vanguardia y referente a los nuevos músicos, Stockhausen debe ser tomado en cuenta en mucha mayor medida de la que se ha hecho hasta el momento.

Los dejo con algo de su trabajo de la década del 50 y con un video interesante de un grupo de músicos tocando una de sus piezas desde unos helicópteros. Realmente desquiciado pero genial. Disfrútenlo.

Elektronische Musik (Parte 1)

Elektronische Musik (Parte 2)

Bande à part

Cuando se le pidió a Jean Luc Godard describir su película la definió como una mezcolanza entre “Alicia en el país de las maravillas” y la obra de “Franz Kafka” lo cual, por mas irónico que suene, tiene mucha coherencia. Banda Aparte o Bande à part (1964) ha sido clasificada como una de las películas mas accesibles en la filmografía de Godard por su supuesto fácil entendimiento, mas esto no es del todo cierto, en lo que se va desenvolviendo la trama se puede ir viendo lo complejo de los personajes y su relación entre ellos mismos con el mundo solo que se facilita la “comprensión” con explicaciones diversas a cargo de un narrador tácito y omnisciente.

Son 3 los personajes principales Odile (Anna Karina), Arthur (Claude Brasseur) y Franz (Sami Frey), Franz y Arthur conocen a Odile en una clase de Ingles y la convencen para que les ayude en un robo, sin embargo la película se centra en como se va desarrollando la relación entre estos tres personajes ante el conocimiento de un suceso cercano que les puede cambiar sus vidas (el robo en si), las reacciones viajan desde la indiferencia hasta la misma inocencia, la presencia de un triangulo amoroso es clara y cada uno de ellos reacción antes este a su propia forma, no pienso ahondar mas en la trama pues podría arruinar la experiencia de aquellos que desean verla y ganarme el odio de un 80% de los mismos, en resumen esta película me pareció excelente no solo por los personajes en si, sino por las ocurrencias y genialidades del director (como olvidar la escena del Louvre o la coreografía en el salón) que le dan a la película un aire hilarante.

Mis discos favoritos del 2007

No soy un crítico de música ni mucho menos, pero sí soy un fanático empedernido y casi dependiente de este arte, uno de los más bellos de la humanidad. Es matemáticamente imposible escuchar todas las producciones que se hacen en un año, o al menos una gran parte de ésta. Aún así, decidí escoger los cinco mejores discos que llegaron a mis manos (o directamente a mi disco duro) en estos últimos doce meses. Es una lista personal, alejada de cualquier intento de análisis profundo o crítica constructiva o destructiva. Simplemente lo que más me agrado y sonó en mi cuarto y en mi mp3.

The National – Boxer

Siguiendo los pasos de Arcade Fire y Arctic Monkeys, la banda de Brooklyn se ha convertido en la engreída de las revistas, los blogs y las radios. Pero no por eso dejan de ser una de las agrupaciones más interesantes y prometedoras del momento. Boxer es mi disco favorito del 2007 por muchas razones: por su estilo oscuro y romántico (no emo, por favor), por sus destacadas letras, por la voz de barítono del líder Berninger, por la incesante batería a lo largo del álbum y por una serie de canciones que me marcaron definitivamente. Imprescindible.
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Radiohead – In Rainbows

Una de las pocas bandas que mantienen una regularidad en toda su producción desde sus inicios; y esto, a pesar de las constantes experimentaciones de sus miembros. Sin embargo, In rainbows, a mi parecer, está por encima de sus dos anteriores discos y demuestra cierta madurez en el grupo. Además, un plus al trabajo es la decisión y el atrevimiento de haber ofrecido el disco completo en su página web, permitiendo a los fanáticos establecer el precio que deseaban pagar. Un duro golpe a las disqueras y un paso más en la llamada revolución musical.
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Arcade Fire – Neon Bible

No consiguieron la difícil tarea de superar el maravilloso Funeral del 2004 (uno de los mejores discos de la década), pero solo queda decirles “gracias”. Estos canadienses quieren apuntarse una seguidilla de discos de culto y vaya que van por buen camino. Un álbum con melodías bellísimas y letras alegóricas de crítica social, que confluyen sin ningún problema, sin estorbarse entre ellas. Grandes como Bowie confirmaron su admiración por esta súper banda y esperamos con ansias un nuevo trabajo que nos encandile y sorprenda como lo han hecho hasta el momento.
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A Place To Bury Strangers – A Place To Bury Strangers

Prometedor debut de esta banda con álbum del mismo nombre. Básicamente shoegazing, pero con mucha influencia del post punk, gótico, EBM, industrial y tantas otras etiquetas que alimentan a los críticos, pero que ayudan muchas veces con la descripción. Un disco excelente con nueve canciones plagadas de ruidos, zumbidos y distorsiones en un cuarto oscuro que asemeja el espacio infinito. No es exageración, es el efecto que produce esta impresionante agrupación que esperemos no se convierta en un one hit wonder como muchas otras.
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Ulrich Schnauss – Goodbye

El trabajo más experimental de los cinco mencionados. Shoegazing electrónico procedente de Alemania en manos de este innovador genio de la música contemporánea. Poco conocido en el medio comercial , pero muy aclamado por los conocedores, Schnauss nos entrega esta joya que se convierte en su tercer disco de estudio luego de muchos trabajos acreditados con otros seudónimos. Y lo mejor de todo es que esta semana recibiremos su visita en un concierto para no perderse. Un álbum para abrir los oídos a algo nuevo y de mucha calidad.
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Otros discos que no entraron entre mis cinco predilectos pero que debo mencionar son:

The Shins – Wincing The Night Away

A Sunny Day In Glasgow – Scribble Mural Comic Journal

Interpol – Our Love To Admire

Spoon – Ga Ga Ga Ga Ga

LCD Soundsystem – Sound Of Silver

Clap Your Hands Say Yeah - Some Loud Thunder

Obviamente, esta lista podrá variar conforme vaya descubriendo nuevos discos en un futuro muy cercano. Por el momento, espero que sirva como una recomendación para quienes deseen escuchar la nueva música que se está haciendo en el mundo. Dejo enlaces de descarga para los álbumes comentados y espero los disfruten tanto como lo hice yo.

Diane Arbus, bizarra realidad

Me he dado cuenta de que cuando notamos en ciertos seres aspectos molestos, apreciamos en ellos lo asqueroso, lo repugnante, lo malo y feo; nos compadecemos de ellos, pobres sin suerte. Con complejo de dioses alzamos nuestra voz para alimentar nuestras ansias de ayudar y actuamos con amabilidad ante los extraños que osan invadir nuestro mundo estable y puro, ellos reflejan lo odioso de nuestras persona y por eso nunca los miramos a la cara, pues si lo hacemos, son nuestros propios demonios los que vemos, es tal vez el concepto básico del cual se baso Diane Arbus para retratar a todo el mundo bajo la imagen de los extraños.

Diane Nemerov, fotógrafa estadounidense criada en una acomodada familia, nace en 1923, a los 18 años se casa con Allan Arbus, este matrimonio marcaría etapas claves en la carrera de esta fotógrafa ya que una vez iniciado el matrimonio empieza a dedicarse a la fotografía de moda, pero una vez divorciados, renueva su estilo y crea uno propio.

El estilo de Arbus es el de retratar personajes peculiares, diferentes, nada usuales e incluso repudiados como por ejemplo, gemelos, trillizos, enanos, familias de clase obrera, prostitutas, el personaje a retratar siempre es enfocado al centro de la imagen, en su rostro se puede ver la sonrisa esbozada producto de una pose ya elaborada, pues no hay naturalidad en sus obras, lo maravilloso de su arte es lo expresivo de la realidad de estos seres, una tierna sonrisa dibujada en el rostro de un enano, una expresión de humanidad, así como una critica a todo aquel que enfoca en ellos, los marginados, el odio. Podemos ver el rostro directo, los retratados tiene la conciencia de su estado de retratados, de que varias personas apreciaran sus fotos, y que con ellas podrá reflexionar o espantarse, de diversos matices psicológicos puede uno analizar la intención de la fotógrafa, pero acertarla? … no sabría decir, eso queda en manos de la artista misma, sin mas preámbulo dejo ante ustedes diversas fotos que encontré en el Internet para que puedan enfrentarse contra sus mismos demonios, además de colocar una muestra de la faceta de “fotógrafa de celebridades” de Diane Arbus, ejemplificado por una magnifica foto al maestro Jorge Luis Borges.

Gustav Klimt

Durante sesudas cavilaciones me percaté de mi afición por el arte etéreo, difuminado; también noté el gusto que tengo por las diversas representaciones de la figura femenina en la pintura y los niveles de experimentación que puede alcanzar el artista, siendo radicalmente innovador o manteniendo un clasicismo que no caiga en la pérdida de autenticidad.

Y es así como me di cuenta que uno de mis pintores favoritos (y que, por supuesto, reúne las condiciones ya mencionadas) es el austríaco Gustav Klimt. Miembro sumamente destacado del Art Noveau y fundador de la Secesión de Viena, se desenvolvió magistralmente en su trabajo, primordialmente a fines del siglo XIX.

Aunque el movimiento denominado Secesión de Viena no poseía un estilo propio que uniera a sus representantes, se caracterizaba por su autonomía en cuanto estética en relación a otros grupos. Su audacia era de destacar y quien mejor que Klimt para convertirse en iniciador y primer presidente de dicha organización. Viajó por Europa para tomar influencias quizá inconscientemente de artes como el bizantino, en lo que fue una experiencia ecléctica fabulosa. Estas experiencias le sirvieron en demasía para lo que fue su etapa dorada, donde usó el oro como material de sus trabajos, otorgándoles una belleza inusitada.

En sus inicios, pintó muchos paisajes impresionistas, casi abstractos, pero con el pasar del tiempo su obra desembocaría en una temática más personal. La mujer sería el tema principal; retrataría a féminas pertenecientes a la burguesía vienesa, e incluso a prostitutas y amantes ocasionales, pero que en todos sus trabajos dejarían una gran huella.

Antes de alcanzar la fama y el elogio, Klimt se encontraría con numerosos problemas provenientes de las acusaciones que se le hacían de pornográfico o pervertido. Ataques insulsos y propios de una sociedad que no comprende al artista. La mujer en sus pinturas expresan una belleza, como ya dije, etérea, pero a la vez decidida, repleta de fortaleza. Las miradas y los gestos son de gran importancia por su significado y por la estrecha aproximación que logra con el espectador. Su decoración es hermosa y deja entrever mucho de la personalidad del autor.

Pero, aunque suene redundante, es el erotismo el punto más alto en sus obras. Las posturas y las formas distorsionadas pero a la vez sugerentes, nos sitúan en una posición de hombre que se deleita, pero que a la vez es dominado por la maliciosa belleza de la mujer. Esta sensualidad está muy presente en las pinturas y también en sus dibujos, como aquel llamado Mujer sentada.

Sin duda, su obra El Beso es la más apreciada hasta nuestros días y la que más lo representa, pero muchos de sus trabajos fueron destruidos durante la II Guerra Mundial. No obstante, un sinnúmero de sus joyas pictóricas sobreviven para suerte nuestra y algunas de las más interesantes pueden ser apreciadas en el siguiente video o siguiendo el vínculo para descargar una carpeta con lo mejor de su producción. Espero sea de su agrado.

Más obras de Gustav Klimt

Cuando llegue mi hombre (Wenn der Richtige kommt)

“Cuando llegue mi hombre” es una película alemana del año 2003 dirigida por Oliver Paulus y Stefan Hillebrand. Se trata de una comedia dramática, un melodrama bastante atractivo para quienes buscan cintas alejadas de los habituales estereotipos.

Cuenta la historia de Paula, una mujer que trabaja como conserje de un edificio. Un día conoce a Mustafa, el hombre encargado de la seguridad del referido establecimiento, y pronto comenzaría un curioso romance entre ambos. Sin embargo, el padre de Mustafa llega a Alemania y le ordena que regrese a su país, pues debe casarse en cumplimiento de la tradición establecida. Es así como éste regresa a Turquía, dejando a una Paula desesperada quien no dudará en empezar una travesía en busca de su amado.

La cinta además cuenta con pequeñas pero estupendas actuaciones secundarias, como la de la vecina Ada, la amiga de Paula o el traductor que la apoya en su búsqueda. Todos ellos conforman eficientemente un reparto que pule y perfecciona el filme dentro de los parámetros propuestos por sus realizadores.

Pero son dos los puntos que me gustaría resaltar. El primero de ellos es el hecho de que el filme busca la estética de los documentales. Mediante miradas a la cámara por parte de los protagonistas, testimonios improvisados y acercamientos de cámara muy vívidos podemos sentirnos en un recuento biográfico de las aventuras (y desventuras) de Paula. Y es este lenguaje semi-documentalista el que nos presenta unos personajes muy humanos. Hombres y mujeres felices, ridículos, patéticos o desgraciados, pero personas al fin y al cabo, que actúan de una manera bastante honesta (como las secuencias de baile o la tierna escena del plátano) y plasman una ficción abrumada de realismo.

El segundo detalle a destacar es la presentación de un choque de culturas bastante trágico. Se nos trae a la superficie un mundo en donde confluyen razas, credos, lenguas y que sin embargo aún permanece separado por una barrera enorme de prejuicios, circunstancias sociales y recelos. Esta situación es en gran parte la que une a los personajes, pero también es la misma que los mantiene distanciados y la que se encarga de romper cualquier atisbo de afinidad más íntima.

En suma, se trata de una cinta sobre el amor, sobre diferencias sociales y culturales y sobre la extraordinaria transparencia que puede alcanzar una persona al dar rienda suelta a sus emociones y sentimientos más puros. A tomar en cuenta.

Albertine Sarrazin

Supuestamente, lo escritores a lo largo de su vida deben haber cometido excesos, divagado por caminos difusos que conllevan a aparatosas caídas dentro de la habitación de un hotel, o haber despertado al día siguiente con la sensación de que un ser extraño le respira en su espalda; los escritores son los que viven sus obras y las cuentan a los “puros” que no osamos andar por esa senda, y aún así en este grupo de selectos siempre existirán los llamados “niños malos”, los perdidos de la generación americana, Capote, Hemingway, los franceses del siglo XVIII, Rimbaud, Mallarmé y el excelso Baudelaire; sin embargo, dedico estas líneas a expresar mi completa admiración por una de las “niñas malas” de la literatura, una mujer que, incluso, es poco reconocida salvo por ciertos círculos intelectuales, su nombre Albertine Sarrazin, su vocación, la rebeldía.

Francesa, nacida el 17 de septiembre de 1937, la hija bastarda de un general, quien en búsqueda de perdón espiritual la adopta posteriormente sin revelar su vínculo con la niña. A los 10 años fue violada, en aquel shock emocional y psicológico tal vez esta la razón de su conducta rebelde, pero no soy nadie para justificar su actuar, su carácter orgulloso y desobediente logro que la recluyeran en un internado, también logro que, posteriormente, la encerraran en la cárcel y fue el sustento principal y razón ultima de su fuga de la misma (cárcel-escuela Doullens) el 19 de abril del 57, "anécdota básica": al saltar por encima de un muro se rompió el astrágalo (un hueso en el pie) con el impacto de la caída, lesión la cual la limita toda su vida, fue también este incidente el punto de encuentro entre ella y Julien Sarrazin, un transeúnte que la ayudo al ver que no podía caminar, Albertin y Julián se casaron en 1959.

El Astrágalo es tal vez su obra mas famosa, en este libro cuenta su experiencia en la cárcel, junto con “La fuga” fueron éxitos comerciales de su época, sin embargo el éxito es pasajero y muchas veces no es suficiente, A los dos años, en 1967, Albertine Sarrazin, víctima de sus propios excesos moría en una sala de operaciones, tanto el alcohol que corría por su cuerpo producto de su bohemia como la incompetencia de diversos médicos marcaron el final de esta mujer quien vivió a límite, haya sido por elección propia o no.

Japancakes - Loveless

Como algunos de ustedes sabrán, la mega banda shoegazer My Bloody Valentine se reunirá el próximo año para una serie de presentaciones en el Reino Unido. Solo unas pocas fechas han sido confirmadas, pero ya hay rumores de una gira mayor y posiblemente de un nuevo álbum. Por esta razón, el redactor de este artículo derrama algunas lágrimas de emoción.

Sin embargo, el motivo de este post es presentarles otra curiosidad musical. Se trata del grupo Japancakes, unos estadounidenses con humilde trayectoria que este año se han propuesto un plan de grandes proporciones. Al parecer, estos fanáticos de My Bloody Valentine, no se conformaron con hacer un cover de los irlandeses, sino que decidieron reinterpretar el aclamado disco Loveless en su totalidad.

Así es, aunque no lo crean e incluso lo odien los fanáticos más puritanos, esta banda se ha atrevido a meterse en caminos peligrosos. Por mi parte, reconozco ser un admirador recalcitrante de MBV, y debido a esto, veo este disco como una forma de homenaje y no como un intento de emularlos. La grabación del Loveless original es un misterio aún, por los sónicos efectos conseguidos, y por eso este trabajo no llega a ser una burda imitación, sino se convierte en un resultado interesante.

En fin, para que saquen sus propias conclusiones, les dejo este curioso álbum y de paso, por si a alguien le falta, el original y maravilloso Loveless de My Bloody Valentine, un disco imprescindible. Disfrútenlos.

Descargar: Japancakes - Loveless


Descargar: My Bloody Valentine - Loveless

A grunge Supergroup - Temple of the dog

Temple of the Dog, primer y único disco homonimo de una súper banda, formada de los vestigios de Mother Love Bone, miembros de lo que sería Pearl Jam y miembros de Soundgarden.

Este proyecto fue desencadenado por un trágico suceso, a muy poco tiempo de que el primer CD de Mother Love Bone, “Apple” saliera al mercado, su vocalista, Andrew Wood, murió de una sobredosis de heroína, Chriss Cornell, (en ese tiempo vocalista de soundgarden), era amigo de Wood (eran compañeros de cuarto), a la muerte de Wood Cornell escribe dos canciones en su memoria, “say hello to heaven” y “reach down”, y planteo a Stone Gossard y Jeff Ament, miembros de Mother Love Bone, grabarlos como singles; la alineación fue completada con el baterista Matt Cameron de Soundgarden, y Eddie Vedder.

Lo que empezó como un proyecto de dos canciones terminó en un álbum entero, donde se entremezclan el típico sonido grunge, pesado y rasposo y melodías lentas, melancólicas, amargas, excelentes, y que decir de la dupla Cornell-Vedder, dos de las mejores voces del género alternándose junto a guitarras en su optimo estado de distorsión, definitivamente un disco infaltable.

Sin mas preámbulo le doy paso a “Temple of the dog” (Agradecimiento especial a Juan Carlos subir el disco al blog para obtener puntos en su cuenta de rapidshare, que Kurt te bendiga Juan Carlos) click en la portada para descargar.

Alineación:

- Eddie Vedder: voz de apoyo en los tracks "Pushin Forward Back", “Your Saviour" y “Four Walled World", voz principal en “Hunger strike”

- Chris Cornell: voz principal, voz de apoyo en “Hunger strike”, guitarra, banjo en “Wooden jesús”, harmonica en “Times of trouble”

- Jeff Ament: Bajo

- Stone Gossard: guitarra

- Mike McCready: primera guitarra

- Matt Cameron: Bateria

- Rick Parashar: teclado (All night thing) y piano ("Call Me a Dog", "Times of Trouble", "All Night Thing")

Pieter Brueghel, El viejo

Pieter Brueghel apodado el Viejo, nació en Holanda en 1525 empezó su adiestramiento como pintor bajo la tutela de Pieter Coecke van Aelst, quien fue un celebre artista, traductor, y editor flamenco, destacado por sus testimonios sobre la cultura turca-otomana (debido a sus viaje a Constantinopla) y sus traducciones. Brueghel compartió su educación artística con otros pintores de la talla de Michiel Coxcie, Hans Vedreman de Vries y Gillis van Coninxloo.

Al poco tiempo viajo a Italia para terminar de pintar diversos cuadros de paisajes incompletos, regreso a los Países Bajos en 1553 y se instalo en la ciudad de Amberes, sin embargo, 10 años después, decidiría trasladarse a Bruselas, en ese mismo año se caso con la hija de su maestro Pieter Coecke, Mayke Coecke.

Brueghel fue uno de los máximos representantes de la escuela flamenca, poseía una técnica increíble lo cual fue elemental en plasmar lo exacto de los paisajes a los cuales se dedicaba, durante toda su carrera mostró una preferencia por pintar paisajes y escenas de la vida cotidiana, lo cual hace de muchas de sus pinturas un manifiesto histórico en lo que respecta a costumbres de la plebe en los Países Bajos en el Siglo XVI

En lo que respecta a paisajes, sus viajes a Italia le sirvieron de notable inspiración para perfeccionar su obra y especializarse en plasmar las condiciones atmosféricas así como en impregnar a la obra de un aura acorde a la escena pintada, aparte de su característico perfeccionismo. Muchos consideran a Brueghel como un paisajista por excelencia que se dedicaba a transcribir la realidad a sus cuadros, pero es importante notar que sus obras poseen mucho mas que simple realidad sino un estado superior a la misma que les brinda una hermosura de ensueño

Es importante distinguir la influencia del Bosco en su obra (el uso de la técnica alla prima) Brueghel trabajó para el taller del Bosco y en muchas de sus obras se puede apreciar la influencia en lo que respecta a los personajes retratados además del estilo perfeccionista y detallado en el resultado final, y el alternamiento de una gran cantidad de seres y situaciones que dan a ver un cuadro exquisitamente realizado y profundo.

“El triunfo de la muerte” considerada por muchos una de las mejores obras de Brueghel, pintada desde la perspectiva caballera (vista de pájaro) en ella se presenta un escena apocalíptica donde la muerte ha surgido desde el mismo infierno y ahora se regocija destruyendo todo vestigio de raza humana, bajo la forma de miles de esqueletos asesina y tortura a todos los hombres y mujeres, los cuales huyen despavoridos hacia una entrada, en el fondo se pueden ver navíos siendo destruidos así como ejércitos siendo diezmados, en esta obra se puede apreciar diversos simbolismos, por ejemplo al rey muerto, lo que expresa a la muerte como enteramente justa porque no distingue entre ricos, poderosos, o pobres y desvalidos; a la pareja de jóvenes amantes que representan la despreocupación con la cual se vive una vez que se esta enamorado; la fútil resistencia que hace un soldado al desenvainar su espada que representa la terquedad con la cual los humanos vivimos; además introduce el concepto de la rueda como instrumento de tortura (La tortura con rueda consistía en romperle las articulaciones a la víctima excepto las piernas, luego, una vez dislocadas las piernas cruzarlas encima de la cabeza, para lo cual primero debían romper las costillas, y amarrarlo en esa posición a una rueda, la cual era encajada en un poste de madera a muchos metros de altura, esta forma de tortura mataba a la victima por dolor así como por asfixia, ya que las costillas rotas dificultaban la respiración)

Brueghel fue uno de los máximos representantes de esta escuela, y sus obras que hasta hoy son admiradas y estudiadas son de básico conocimiento en lo que respecta a perspectiva además de su maestría en plasmar paisajes con el óleo y de, en cuadros complejos, dar a entender sutilmente su forma de ver el mundo, la visión que aquella época en su contexto le inspiraba y que ahora nosotros podemos sentir bajo nuestro libre albedrío.

Quentin Metsys en la Escuela Flamenca

Quentin Metsys

Una de las características principales de la escuela flamenca, ala que pertenecio tan distinguido pintor que me es grato presentar, fue la falta de relatos sobre la vida propia de los autores; siendo desconocido en cierta perspectiva, la vida misma de este intachable pintor.
Se le considera como el verdadero fundador de la escuela pictórica de Amberes, aunque nació en Lovaina en 1466, gran parte de su vida se desenvolvió como maestro en Amberes en 1491 en donde murió en 1530.
Recogió la herencia de las tradiciones artísticas del S.XV e introdujo en su pintura, con discreción las novedades importadas desde Italia, especialmente las debidas a Leonardo y a Rafael. Al igual que su amigo Erasmo de Rótterdam, Matsys, no dudó en romper con su propia forma de pintar, en revolucionar.
Sus primeras crucifixiones y Madonas son todavía góticas. En sus grandes trípticos, el del linaje de Santa Ana (1510, museo de Bruselas) y el del entierro de Cristo (1509-1511, museo de Amberes), la plasticidad de las figuras, los tipos femeninos de bellos y regulares rasgos, las arquitecturas de carácter clásico, las azuladas lejanías, la fluidez del colorido, son testimonio del rejuvenecimiento de su pintura, del que ofrece buena prueba su Magdalena (museo de Amberes).
El elevado nivel cultural del medio en el que se desnvolvió se refleja en sus retratos: Erasmo (palacio Barberini, Roma), Pierre Gilles (Longford castle), el Canonigo de la galería Liechtestein (Viena). En El banquero y su esposa (Louvre) el autor parece recordar una obra perdida de Van Eyck, e inicia el desarrollo de un gran género, que alcanzará gran boga en la siguiente centuria.

Su estilo particular se reduce exorbitantemente en un arte refinado y espiritual, especialmente en sus obras religiosas y en sus retratos. Este tuvo grandes repercusiones sobre los artistas de tendencia italianizante de los Países Bajos, que buscaban una mayor suavidad e idealización en sus pinturas. La otra cara de la moneda de esta pintura sensible la constituyen sus dibujos caricaturescos, o los personajes que rodean e imprecan a sus Ecce Homo, como en el que podemos contemplar en el Museo de prada.

Estilísticamente, se le puede relacionar con autores como Van Eyck, Petrus Christus, Joachim Patinir o Marinus van Reymerswaele.

Entre sus obras mas destacadas tenemos:

Covers

Desde hace varios años ya, la palabra cover se ha convertido en una de las más usadas entre las personas que gustan de la música en general. Debo decir que soy un defensor del uso del castellano puro; sin embargo, reconozco también que no he podido resistir a la tentación y a la fuerza de la costumbre, y he caído en el empleo del vocablo en referencia en infinidad de ocasiones. Y lo haré una vez más.

El cover es una nueva interpretación de una canción grabada anteriormente por otro artista. Y aunque las reglas digan que no hay mejor que el original, es bastante atractivo escuchar versiones de viejas canciones, ser interpretadas por distintos artistas. Muchas de estas variaciones son terriblemente malas y provocan consecuencias adversas al oyente; otros son copias fieles e insulsas que no valen un centavo; pero algunas valen la pena por la calidad del ejecutor y por el posible giro que este pueda darle, aumentando, mejorando y cambiando en general el tema original.

Es por eso que he preparado una recopilación con cobres que son de mi agrado y que podrían interesarle a los amantes de la buena música. Al existir una infinidad, he decidido excluir a los ya conocidos (como por ejemplo, las canciones de la banda Nouvelle Vague) y he seleccionado los que son de mi mayor agrado, incluyendo temas no oficiales.

Empiezo con una buena versión de This charming man, interpretada por Death cab for cutie; luego, Placebo tocando 2 buenos covers de Pixies y Depeche Mode, Bauhaus ejecutando la famosa Ziggy Stardust de David Bowie y Dinosaur Jr. con su clásico estilo ruidoso tocando Just like heaven de The Cure. También incluyo a mi banda favorita, Nirvana, versionando a tres grandes como son Led Zeppelin, The Who y The Doors, y luego a Sonic Youth interpretando la explícita Moist vagina, propiedad de Cobain y compañía. Dejo una extraña versión, típica de Bowie, tocando Alabama song y una doble interpretación de Across the universe de The Beatles, a cargo del bien ponderado Rufus Wainwright y de los geniales Smiths. Y para finalizar, otra hermosa canción del grupo de Morrissey, There is a Light that never goes out en dos versiones: la primera por parte de los estadounidenses The Ocean Blue, y la segunda, una versión adaptada al castellano y cantada por Mikel Erentxun.

Esperando que les guste, dejo un enlace de descarga y un video de uno de mis covers favoritos: Bauhaus interpretando Transmission, un clásico de la banda inglesa Joy Division. Disfrútenlo.

Descargar covers

Naomi Kawase ... buscando recordar

Naomi Kawase es una directora japonesa con una carrera cinematográfica prolífica, fue premiada con la camara de oro en Cannes por su primer film Moe no Suzaku siendo la mas directora mas joven en obtenerla y recientemente con el Grand prix en el mismo festival por su película Mogari no Mori.
Hace poco asistí a una un función especial donde transmitieron dos de sus cortos, por muchos considerados como dos de sus mas personales, me refiero a Embracing (1992) y Cielo, viento, fuego, agua, tierra (2007) en ambos toma como temática principal a ella y a su padre.
En Embracing Kawase toca el tema de la búsqueda de su padre, al cual solo conoce por fotos, trata de una forma muy personal los diversos aspectos emotivos que presenta la búsqueda de su padre así como su relación con sus abuelos, cual álbum de fotos repleto de recuerdos comparte con el espectador aquella vulnerabilidad de niña presente aun hasta hoy, a mi parecer el momento de clímax fue la ultima escena cuando, por fin, logra hablar con su padre por teléfono, enfocando tan solo sus manos uno puede sentir en el tono de voz ese alivio, se puede compartir aquella pasajera felicidad que por unos instantes parece llenar en su totalidad el vació existente en ella.

El segundo documental, Cielo, viento, fuego, agua, tierra lanzado 13 años después trata el tema de la muerte de su padre y como ella asimila el hecho, además denota como las experiencias basadas en su infancia y vida son plasmadas en su obra, mostrando escenas y fotos de su vida como directora (como su premiación en Cannes) , el documental comienza con un grupo de jóvenes (entre las cuales se encuentra Kawase) viendo “embracing”, así como el primer documental la escena de clímax sería el final, cuando en honor al recuerdo de su padre se tatúa toda la espalda y corre desnuda en el campo, es como expresar la libertad que ahora posee su alma tras haber superado aquella búsqueda, tras por fin haber dejado seguir al espíritu del recuerdo que la inspiraba y marcar el fin de algo y comienzo de otra vida con completo conocimiento de su realidad.

Completamente impresionado por la honestidad de esta directora recomiendo totalmente a cualquier lector el ahondar mas en la obra de Kawase, no como crítico sino como espectador, pues al final todos buscamos algo ya sea el recuerdo o alguna memoria perdida, mas plasmarlo al punto de crear reflexión es don de pocos y satisfacción de tantos.

El viento que agita la cebada

Compro mi entrada con media hora de anticipación y me siento a esperar. Me dispongo a leer la interesante programación del Festival de Cine Europeo que permanecerá hasta el 11 de noviembre en Lima. Cinco minutos después veo que la cola para ingresar ya se alarga hasta la calle. Inmediatamente me uno y veo la gran acogida que tendrá la película. Sentimientos encontrados: tendré que conformarme con el mejor asiento que pueda encontrar después de que aproximadamente 30 personas entren antes que yo; pero saber que tanta gente asiste a ver cine de calidad también me entusiasma.

En fin, un crítico de cine que he visto un par de veces en la televisión empieza a recomendarme películas. Pongo cara de interés y abren las puertas de la sala. Huyo del curioso personaje y encuentro un sitio cómodo. La cinta que veré es El viento que agita la cebada del británico Ken Loach.

La película aborda el tema de la Guerra de Independencia desatada en 1919 entre el Reino Unido y el ejército de la República de Irlanda (IRA, por sus siglas en inglés). La acción es vista desde el punto de vista irlandés, siguiendo las peripecias de dos hermanos pertenecientes a IRA. El mayor es el líder de la incipiente organización y el menor es un médico que piensa ir a Londres a trabajar como maestro, pero que finalmente decide luchar junto a sus compatriotas.

El filme se enfoca en la cruenta lucha entre los dos bandos y las ansias de los irlandeses por alcanzar la independencia. El ritmo de la película es intenso y plasma, por momentos crudamente, las atrocidades vividas durante el conflicto. Sin embargo, la película da un giro cuando cesa la guerra y se firma el tratado de paz que otorga mediana independencia a los irlandeses. Este hecho será tomado de diferente manera por algunos grupos, lo cual desatará una tan o más terrible guerra civil.

Loach refleja extraordinariamente las circunstancias sociales de un pueblo oprimido por otro. Es inevitable colocarse del lado de la población irlandesa al presenciar los abusos cometidos por el escuadrón inglés. La acción es permanente y el director la sabe llevar con buena mano, sin llegar a ridículas escenas patrioteras ni sentimentalismos pornográficamente conmovedores.

Pero el cambio que implica el paso de la guerra entre naciones a un enfrentamiento civil es el mayor punto a favor de la película. Percibimos el revés moral en los personajes, la confrontación entre ideales nacionalistas o ideológicos y las relaciones familiares o amicales. Allí reside la magistral mano del realizador, que con algunos diálogos o expresiones nos permite entender las desgracias sociales que acarrea toda disputa.

Sería impertinente seguir narrando la historia, pero es realmente destacable la ambiciosa producción que tan bien representa a la Gran Bretaña de aquellos tiempos. Esto, en conjunto con una estupenda fotografía, y actuaciones notables completan un trabajo que le valió la Palma de Oro del Festival de Cannes, y que tenemos la oportunidad de disfrutar en nuestra capital por unos cuantos días. Para no perdérsela.

Dogma 95

Pasan los años y todo cambia, para bien o para mal, algunos cambios son mejores que otros, algunos se mantienen y otros se descartan y pasan al olvido; algunos los admiran y otros los odian. Pero es así, el mundo es un proceso, la existencia misma es una constante variación. Y como todo, el cine también innova.

Lo hizo Griffith, Chaplin, los vanguardistas, los rebeldes jóvenes de la Nouvelle Vague, la generación perdida, el gran maestro Lynch y muchos más. Es por eso que quisiera tocar el tema de una nueva propuesta que nació a mediados de la década pasada en Europa: Dogme 95.

Su origen está en Dinamarca, en el año 1995, y en la mente de Lars Von Trier y Thomas Vinterberg. Como diversos movimientos en el mundo, y aunque muchas veces lo nieguen, es indudable que surge como un golpe al idiotizante cine comercial hollywoodense. Estos autores plantean una serie de normas con las cuales se busca hacer un cine independiente, de bajo costo de producción y con una tendencia muy personal. ¡Adiós la post producción! El director es el artista y todo su estro debe surgir en el mismo instante de inspiración, en este caso, durante la filmación.

Dogme 95 posee mucho del espíritu radical de la nouvelle vague, ésto en cuanto al deseo de cambio. Sin embargo, un aspecto en el cual ambas corrientes difieren abismalmente es el hecho de seguir reglas. Si bien el movimiento francés se liberó de todas las ataduras de la época y propuso una casi total libertad para los realizadores, lso miembros del Dogme 95 tienen muy claro una serie de pautas a seguir, irrenunciables, para las cuales existe incluso un juramento o voto de castidad, que consiste principalmente en las siguientes 10 premisas:

1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).
2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
3. La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.
4. La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).
5. Los trucajes y filtros están prohibidos.
6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).
8. Las películas de género no son válidas.
9. El formato de la película debe ser en 35 mm.
10. El director no debe aparecer en los créditos.

Con el correr del tiempo, algunas de estos cánones se han hecho un poco más flexibles, pero mantienen la esencia que los distingue de cualquier otra producción. Poseen una página de Internet en la cual se pueden inscribir aquellas películas cuyo director considere siguen las indicaciones de este movimiento.

A pesar de su reglas tan rígidas (por las cuales el propio Lars Von Trier ha tenido que alejarse para realizar películas como Dogville o Dancer in the dark), el proyecto es bastante innovador, y consigue una fusión más que interesante entre el cine de ficción y la estética documental. Algunas cintas que representan fielmente al Dogme 95 serían La Celebración o Los Idiotas, de Vinterberg y Von Trier respectivamente. La lista completa de películas puede ser encontrada en la página oficial.

Más allá de si sea del agrado de los fanáticos del séptimo arte, soy de la opinión que proyectos como éste ayudan al óptimo avance del cine y pueden servir de cimiento para estilos venideros que podrían fácilmente marcar un hito en la historia cinematográfica mundial. No queda más que ahondar más en el Dogme 95 y sacar nuestras propias conclusiones.

Frases Célebres de Homero Simpson

Yo no soy una persona que se impresiona facilmente… !mira, un coche azul!”
“vivir cada día como si fuera el ultimo… buaaa voy a morir”
“tendrá todo el dinero del mundo… pero hay algo que jamás podrá comprar…. Un dinosaurio”.
“qué quiere de cenar, una o dos chuletas? Ambas cosas”.
“tengo dos preguntas, uno, dónde está la flauta, y dos, démela”.
(rezando) “se que nunca me acuerdo de ti, pero si estás ahí arriba, ¡¡¡ salvame superman!!!”
”hijo, sin la presencia de un hombre en la casa, puedes volverte afeminado en un segndo… ¡ay, esta grasa no se quita!”
”una mujer es como una cerveza… suave… burbujeante… ¡y puedes matar a tu madre por una”
”no dejes que la muerte de krusty te hunda muchacho. La gente siempre acaba muriéndose. Es así de simple. Es mas, mañana tu podrías amanecer muerto. Bueno… buenas noches.”
”en mi familia somos cinco personas: marge, bart, la niña bart, la que nunca habla y ese tipo gordo… como lo odio !!!”
”ohh marge, mi gran reina.. Y lisa.. Mi amada princesa… y como olvidarme del niño rata…”

-bart: estamos organizando excursiones para padres e hijos
-homero: je je…tú no tienes hijos!

-agente del fbi (scully): esto es un detector de mentiras, si usted dice una mentira, la máquina lo notará y nos avisará…. ¿comprende?
-homero: ¡si! (y la maquina explota)

-marge: homero!,homero!.
-homero: aalo
-marge: homero, hay un hombre que puede ayudarte
-homero: batman!?
-marge: no, es un cientifico
-homero: batman es un cientifico
-marge: que no es batman!!!

Homero: ya llegamos a la india?Apu: no!Homero: ya llegamos a la india?Apu: no!Homero: ya llegamos a la india?Apu: no!… aveeeer. Ya!

Homero: oiga, uno de estos dias nosotros los ciudadanos vamos a enfrentarnos a ustedes policias corruptos..- jefe gorgori: ¿en serio?…. ¡¡oh no!!…..¿ya fijaron la fecha?
Dra:” esta operacion le puede aumentar su capacidad mental o lo puede matar ”” mmmmmm…. Aumentar mi capacidad para matar, trato hecho! “
Quien es usted?(no le digas, di un nombre falso)homero simpsond’ou!Ah… simpson…
Borrate flanders!

Marge: homero tienes una familia de sarigueyas aqui
Homero: a la grande le puse cuca

Jefe gorgory: vamos a ponerlo asi…… mi amigo se llama billetin !!!! Ha visto algun billetin por aquiiiiiii ?????
Homero: noooooooo el es bart

Jefe gorgory: hmmmmmmmm…………ponga mucha atencion y vea como guiño el ojo al hablar …..de acuerdo?
Homero: si señor !!!!
Jefe gorgory: el hombre que busco en realidad ……….guiño………es Donsoborno …….guiño …guiño….
Homero: hay que lanzar los aaaaros
Jefe gorgory: bueno se acabo !!!!! Este juego se cierra

Homero: vaya…..jamas bebere una cerveza
Venderor ambulante: cervezaaaaaaaa !!!!!!!!!!
Homero: deme dieeeeeeez!!!!!!!!!

Lisa: no debes hacer lo que burns te diga solo por dinerohomero: señor burns, no seguiré haciendo lo que me diceburns: y si le doy … estohomero: mmmmlisa: como puedes vender tu dignidad asíhomero: shh lisa, los adultos están hablando.

Examen para que homero se gradue de la secundaria: homero para sus adentros: cerebro yo no te agrado ni tu a mi , asique hagamos esto y seguire matandote con cerveza.Conciencia:hecho!
Homero: muchacho, como le rompiste los dientes a tu abuelo, ahora él te va a romper los tuyos!!
Marge le pide a homero q deje de tomar cerveza…..
Homero: hecho, desde mañana ni una cereza mas.
“hola vengo a recoger un paquete, me llamo señor burns”y digame señor burns cual es su primer apellidoah se me olvido
Marge: tenemos 4 hijoshomer: marge, el perro no cuenta.Marge: homero!!! Maggie…
Bart y lisa : que nos traeras de cenarhomero : si se portaron bien pizza , si se portaron mal emm….veneno !
- “ya tengo suficientes cosas que recordar.” Se mira la mano y tiene escrito lenny = blanco carl = negro
“niños les voy a contar de otro hombre malo… tenia el cabello largo e ideas extrañas y el no sabia porque la gente decia que era extraño, ese hombre se llamaba.. Ah.. Eh… se me olvido, pero el caso es que… se me olvido tambien… marge tu sabes a que me refiero, el que tenia un auto azul…”
Marge, sabes cuántos recuerdos tengo? Tres: formarme para ver una película, hacer la copia de una llave y estar aquí hablando. En 38 años solo eso he logrado- tienes 39- ahhhhhhhh
Homero: estúpidas películas. Quién inventó estas cosas tan ridículas? Fuiste tu bart?Lisa: fue thomas edison papábart: él inventó la bombilla?Lisa: eso también. Él inventó el fonógrafo, el micrófono y el auto eléctrico.Homero: ningún hombre puede hacer todo eso. Eres una embustera, asquerosa y tramposa.
Robar? Cómo pudiste? No has aprendido nada del que nos da los sermones en la iglesia, ese capitán no se qué? Vivimos en una sociedad de leyes. Por qué crees que alquilo las películos de academia de policias? Por diversión? Pues no, yo no oí reir a nadie. Y tu? Solo con ese de los ruidos. Bbbrbrbrbr iiiirrhh ,brbababrba jajajaj, arrrhhhghghg. En que estaba? Ah, sí, no te robes mi cerveza.
Homero: hay dos maneras de hacer la cosas marge .. La incorrecta y al estilo max power ..Bart: esa no es la incorrecta ?Homero: si pero es mas rapida.
El abuelo sentado en la mesa con lisa despues de q lisa dice lo q va a hacer (”lisa contra la baby malibu”)abuelo: voy a salir de mi retiro, conseguir trabajo y la malibu, y la baby maaaa….señora….invento…..yo….joven…..auxilio
Bart preparandose para la cita con la hija del reverendo alegria, homero y marge mirandolo:marge: es incrible que nuestro chiquitin ya tenga una cita:homero: amanecer, ocaso, amaneceeer ocaaaso… los pastorcitos de belen corren presurosos, llevan de tanto correr sus zapatos rotos…marge (consolandolo): ya esta bien homerohomero: no entiendes marge,, tienen los zapatos rotos,,, pobres pastorcitos!!!!
Estaban los simpson en el helicoptero de tomy y daly y el piloto dice:bienvenidos a la tierra de tomy y daly, donde nada puede malir sal. Digo, salir mal. Es lo primero que sale mal.
Homero:soy “don barredora” y le vengo a limpiarla puerta de su casa pa’que pueda trabajartengo un camión que mueve toneladasyo soy un campeón para las heladas.-lisa: papá, prométeme que nunca lo volverás a hacer.-homero: bueeno.
Homero había pasado toda la noche comiendo queso
Marge (a la mañana siguiente) - homero! Estuviste toda la noche aquí comiendo queso amarillo?Homero - creo que estoy ciego…ou….
Hmmmmmmmmmmmm crimen organizado“bart seria juez de la suprema corte, podria recorrer el mundo, londres, las filipinas…hamburgo…….hmmmmm,*babeo* hamburguesas”
El detective le pregunta a flanders:-es usted el varon de la cerveza?-de la cervecirijilla de raiz culpabilillo pillo amigocho ocho.-llevenselo, esta ebrio.
Homero cominedo mani en el sillon, de repente se le cae uno, revisa debajo y encuentra 20 dolares.
Ayyyy yo quería mani. El dinero puede comprar mucho maní, explica cómo? El dinero se cambia por productos y servicios. Ahhh. Pero yo quería manii
…yo se como te sientes bart a tu edad quería un futbolito eléctronico con todas las ganas, mis padres me los compraron y fue el mejor día de toda mi vida
- reverendo alegria: ‘te gustaria ser misionero’ llevarás la palabra de jesús. Subiendolo al avionhomero: ‘misionero!?! Pero si yo ni siquiera creo en jebús!’
Reberendo alegría: ves una luz homero?Homero: sireberendo alegría: ve hacia la luz hijo miohomero: auuuuuuuuu!!!
Para iniciar presione una tecla cualquiera¿cual es cualquiera?Veo la esc, ctrl, imprpantno tiene tecla cualquiera!!!Ay, tanta computacion me dio sedcreo que aqui hay cerveza tab
Lisa: recuerden, es mejor estar callado y ser tomado por tonto que abrir la boca y despejar las dudashomero: ¿que dijo?Cerebro de homero: ¡di algo o van a creer que eres un idiota!Homero: a lo hecho, pecho.Cerebro de homero: muy bien
Cuando va con apu a la india a buscar al rey de los supermercados….Despues de que homero preguntó mil veces si ya habian llegado a la india.. Por fin llegan… y:
Rey: por haber venido hasta acá les concederé 3 preguntas.Apu: que bueno porque solo necesitamos una.Homero: es usted el rey de los supermercados?Rey:sihomero: de veras?Rey: sihomero: usted?Rey: asi es. Espero haberlos iluminado….hasta luego vuelvan pronto…homero: no le veo lo grandioso, en serio es el jefe de los minisuper?
Cuando acusan a homero de comunista:abuelo: mi homero no es comunista !!Podrá ser ladrón, homosexual,comunista, pero nunca unaestrella porno
Cuando homero se choca viendo esquiar a flanders en pantalones ajustados¡¡¡¡¡estupido y sensual flanders!!!!!!

Homero: bien hijo en tu primer dia de escuela te voy a pasar el gran consejo que mi padre me dio(homero se imgaina a su padre y el de niño)abe simpson: homero eres tonto como una piedra y feo como una blasfemia, si un extraño ofrece llevarte….te subes!!!Homero: malditos traumas de la niñez!!!!!
Homero: primero se lo hicieron a jesus y ahora a mimarge: te atreves a compararte con el señor?Homero: en como juego a los bolos si.
En el capitulo que homero va al pasado
Homero: voy a seguir los consejos que me dio mi padre el dia que me case.Abraham en recuero: si llegas a viajar al pasado no toques nada!!
No es erudito hijo, “eructito hijo, se dice eructito.”
Cuando homero conoce a los smashing pumpkins:
Hola “soy homero simpson, de los simpsonitos.”
Homer: ay! Como me gustan los sábadosmarge: ¡es miércoles!Homer: ahhhh ( y sale corriendo)homer: ay! Como me gustan los sábados…no como ese miércoles-sábado en el que casi me echan de la central
Homer: ay! Como me gustan los sábadosmarge: ¡es miércoles!Homer: ahhhh ( y sale corriendo)homer: ay! Como me gustan los sábados…no como ese miércoles-sábado en el que casi me echan de la central

Aquí un video, podria poner cientos...pero lamentablemente la Twentieth Century Fox, ha decidido reclamar el copyright y hacer retirar la mayoria de videos de los Simpson en youtube. Más aquí va un recopilatorio del buen Homero:

Michael Hedges

I’m not trying to play the guitar. I’m trying to play music.

Michael
Hedges

Cuando uno toca guitarra uno enfoca su mente a la creación de música en base a acordes y riffs, consumando su talento en los diversos aspectos que brinda este instrumento, ya sea en el rasgueo o en el palm muting, incluyendo el tapping, pero siempre con el espíritu de un guitarrista, sin embargo, a veces, como elegido distinguido del tiempo, viene a dar con la música cierto individuo que no crea melodías para la guitarra, sino bellas canciones instrumentales y al ejecutarlas en esta, cambia todo para todos, este era el caso de Michael Hedges, quien no era un guitarrista sino un compositor enamorado del instrumento.
La técnica de Hedges es impresionante pues se basaba en el tapping y el slap para crear melodías experimentales en la guitarra acústica, muchas veces innovaba tocando en la “harp-guitar” que es una guitarra con 6 cuerdas en el primer mango y un segundo inmediatamente arriba del primero (con 4, 5 o 6 cuerdas a la manera de bajo), esto le daba una capacidad mayor de marcar un ritmo palpable y a la vez jugar con la melodía, también es muy destacable su uso de las notas armónicas usándolas incluso como parte primordial en canciones.
En el año 1997 Michael Hedges murió a los 40 años en un accidente de transito, su automóvil cayo a un barranco tras resbalarse por la intensa lluvia que había dejado a la pista completamente mojada.
Multifacético, poli musical, un total talento; Michael Hedges se definía a si mismo y a su estilo como ”, “heavy mental”, violent acoustic “acoustic thrash”, “new edge”, “edgy pastoral”, “savage myth”, “deep-tissue gladiator guitar”, “wacka-wacka”, sin embargo su técnica influencio a muchos guitarristas de Folk y de rock, para conocer mas sobre el pueden entrar a http://www.nomadland.com/, sin mas preámbulo les presento a Michael hedges tocando aerial boundaries, “silent anticipation”, “cello suite Nro 1 en sol mayor” de Bach, y “because It´s there”

Historia de la Espadas más Famosas

Las espadas siempre han estado en la mente de todo niño o niña que alguna vez haya imaginado las leyendas de los caballeros, reyes, samuráis, etc. Su majestuosidad de gran belleza y su uso letal han llamado la atención del hombre, desde que el mismo concibió aquel bello y terrible instrumento. A Continuación una breve reseña de las espadas más famosas y un pequeño intento taxonómico de estas tan solo a grandes rasgos.

Florete Francés – Mosqueteros

El cuerpo especial de los mosqueteros fue creado en 1622 por Luís XIII, exclusivamente para el servicio y protección del rey. Más tarde Alejandro Dumas se inspiraría en esta guardia real, para escribir “Los tres Mosqueteros”, la historia de los entrañables Athos, Portos, Aramis y…D`Artagnan.


Mandoble español – El Cid

“Tizona" y "Colada", son un ejemplo de típica espada española o mandoble que pertenecieron al "EL CID CAMPEADOR" el Caballero castellano Rodrigo Díaz de Vivar durante el Siglo XI. Al servicio del rey Alfonso VI se convirtió en Prototipo del caballero justo y leal.

Claymore – Britania y Alemania

Esta sea probablemente el tipo de espada más famoso, conocido por todos en la figura de Excalibur, la legendaria espada del Rey Arturo. La claymore era larga y pesada, y requería una gran fuerza. Fue usada por los bárbaros celtas y posteriormente durante la edad media en Europa central y Britania.

Espada Vikinga – Bárbaros y Nórdicos

Se trata de una espada diseñada para infringir el terror absoluto, su brutal tamaño de ancho y longitud, solo podía ser soportado por un guerrero con las mismas cualidades. Su maniobrabilidad no era fácil, más su peso la hacia ideal para un solo y certero golpe.

Cimitarra – Espada Árabe

La cimitarra o alfanje, fue la espada más usada por los árabes, poseía buena maniobrabilidad y un corte limpio, la afilada hoja era liviana, pero certera. Más su característica principal sin duda era su pronunciada curvatura y ensanchamiento hacia la punta, propiedad que la hacía un arma de temer.

Gladius – Espada Romana

El gladius fue el arma romana por excelencia, su poco tamaño era ideal para el combate cuerpo a cuerpo y el complemento perfecto para las falanges. El escudo completaba la utilidad de la gladius, una espada ancha y puntiaguda, diseñada para el estique directo, causando grandes daños.

Espada Templaria

Su diseño era básicamente igual al de las Claymore, siendo algo más anchas, eran precisas para el corte y estoque. Durante las cruzadas el oficio de armero ganó gran fama y prestigio, de esta época datan algunas de las espadas mas finamente acabadas, con bellos arabescos.












Katana – La espada del Samurai

La Katana es la espada por excelencia, posee el corte perfecto, siendo capaz de cortar con presición mecánica a un ser humano desde el cuello hasta la ingle un solo y limpio trazo. Su elaboración de aleación de acero y carbón la hacen flexible y le confiere una propiedad casi irrompible. Las katanas fueron el arma principal del ejército y guardia real japonesa, durante siglos, de un carácter sagrado, la espada aun se sigue usando en ceremonias de importancia.