Entre Tlön y Sona Nyl

DE LA ABNEGACIÓN A LA FELICIDAD

2008-06-12T22:00:00.001-05:00

Hace un año, siendo yo un joven estudiante universitario, cursando mi primer ciclo en la universidad San Martín de Porres, mientras vivia en Lima, me encontraba realizando labores de voluntariado en un barrio de Lima, fue ahí donde conocí a un maestro de escuela jubilado, victima de un mal incurable. El vivía con una familia obrera en una casa de vecindad. Algo en este pobre viejito me impresionaba; quizás el buen animo y la conformidad que parecía irradiar de su pequeña y esmirriada figura y de sus brillantes ojos castaños. Yo lo visitaba con una frecuencia mayor que la necesaria.

Al llegar el verano obtuve 200 nuevos soles de una sociedad de beneficencia con ayuda de algunos amigos, a fin de ponerle en condiciones de escapar de la ciudad sofocante y pasar un par de semanas en alguna playa de la capital. Sabía que adoraba el mar.

Diez días después lo encontré pálido y con aspecto de cansancio en aquella callejuela. Asombrado, le pregunte como no se había ido de la ciudad. La respuesta tardo un poco en llegar: antes que tomarse el mismo unas vacaciones, había decidido enviar de viaje a los dos niños de su casera. Oyó en silencio mis reproches, y finalmente me dijo con una sonrisa singular: -Alvarito, a veces hace bien… privarse de las cosas-

Un oscuro monje alemán del siglo XV, Tomas de Kempis, en su celda conventual llego al fondo del asunto cuando escribió: “Amenos que te niegues a ti mismo no alcanzaras la libertad perfecta”.

Esta capacidad de autodisciplina es, en realidad, la raíz de todas las virtudes, la fuente de toda la libertad. Para ser moralmente libre, el hombre debe dominar sus instintos; debe en las palabras de las Escrituras: “Gobernar su propio espíritu”.

¡Cuando llegaremos a entender que sin autodisciplina no es posible fortalecer el carácter, ni realizar cosa alguna de valor!... El gran pianista Paderewski resumía una vida de esfuerzo ininterrumpido en esta observación: “Antes de ser maestro fui esclavo”.

En el dominio de si mismo se revelan las virtudes del alma. El hombre disciplinado adquiere esa fuerza proveniente del dominio interior. El ha elegido entre las dos libertades: la falsa, donde uno puede obrar a su antojo, y la verdadera, donde se tiene la libertad de hacer lo debido.

¿Cómo podríamos emprender la tarea de conquistar esta libertad verdadera? Nicolas Telsa, el físico, solía referir como, siendo muchacho, había abordado el problema del dominio de si mismo. “Si tenia algo que me gustaba especialmente, un pastel o un caramelo, lo regalaba aun cuando me doliera hacerlo. Si se me presentaba alguna tarea o un deber que no me agradaba, lo hacia sin tener en cuenta mi inclinación. Con el transcurso de los años, el conflicto ceso. Mi deseo y mi voluntad se identificaron”

El filosofo William James escribió: “No existe persona mas miserable que aquella para quien nada es habitual salvo la indecisión, y para la cual encender cada cigarro, el beber la copa, la hora de levantarse, la hora de acostarse y el comienzo de cada trabajo, son objeto de una deliberación”.

Todos padecemos de alguna debilidad consuetudinaria; tal vez fumamos demasiado, tomamos una o dos copas de más, o malgastamos horas valiosas ante el televisor o la computadora. Comencemos, entonces, por suprimir ese cigarrillo extra, ese segundo o tercer cóctel. Si tenemos alguna manía con el televisor o con el Internet debemos postergar la sesión próxima hasta haber realizado previamente algo que realmente valga la pena. Si acostumbramos comer con exceso, una abstinencia saludable debiera ser nuestra regla. Pronto, al no maltratar nuestro cuerpo con el abuso de halagos, recibiremos la primera recompensa de nuestro sacrificio en una sensación de mayor bienestar físico.

Una vez emprendida la marcha, deberemos profundizar y extender nuestro propósito moral. Deberíamos tomar la resolución, por ejemplo, de cumplir con nuestros deberes con una conciencia más escrupulosa, de nunca dañar a los demás por mucho que ellos nos dañen a nosotros, de mantenernos serenos ante cualquier provocación por grande que sea. Superando las cosas pequeñas lograremos llegar a vencer las grandes dificultades. De tal manera descubriremos un día que, imperceptiblemente, hemos llegado a ser fuertes y a librarnos de hábitos que nos hacían aparecer despreciables ante nuestros propios ojos. Epicteto dijo: “Viva la vida buena y la costumbre la hará agradable”

Nada puede describir la sensación de poder y de satisfacción fruto de una victoria tan duramente ganada. Solamente por la autodisciplina podemos llegar a conocer la felicidad perfecta.

La falacia suprema del género humano es la creencia de que mientras mas tengamos más felices hemos de ser, y de que el mayor enriquecimiento de nuestras vidas solamente puede surgir de la abundancia de bienes.

En esta época en que muchas cosas se resuelven oprimiendo un botón y en que se vive fácilmente, el negarse a si mismo se ha convertido en algo carente de sentido. Ablandados por las ventajas brindadas por la ciencia moderna, hemos traicionado el espíritu de nuestros antepasados, que cruzaron continentes, no sentados en el mullido asiento de un avión Boing 757 sino a pie y a caballo sufriendo penurias increíbles. Estamos perdiendo el poder de prescindir de las cosas. Y, lo que es peor, reclamamos como un derecho inalienable el no tener privarnos nunca de nada.

No obstante, desde los primeros tiempos quienes buscaron el mayor bien de la vida profesaron una filosofía totalmente opuesta. El poeta Horacio, observando la fastuosidad y las locuras de Roma, previendo ante tan egoístas disipaciones la caída de aquel gran imperio, escribió: “A menos que practique la abstinencia, el hombre no podrá gozar del favor de los dioses”.

Quienes están dominados por deseos materiales, viviendo bajo la obsesión del placer, encontraran al final del camino solo el polvo y las cenizas de la saciedad. Sin embargo hoy, para millones de personas, la idea prevaleciente es “¿Cómo puedo divertirme?”. El trabajo se realiza por obligación y la diversión se ha transformado en el verdadero objeto de la vida.

La salvación de este tan perturbado planeta no radica ni en el lujo, ni en la diversión, ni en esas comodidades corporales que quitan vitalidad al cuerpo y enervan el alma. Se encuentra en el corazón y en la voluntad de cada uno de nosotros. El hombre, teniendo en su mano el poder de tejer su propio destino para bien o para mal, ha enjaezado los elementos, ha conquistado el mar y el aire y ha amansado las bestias de la selva; pero jamás conocerá la verdadera libertad y la verdadera felicidad hasta no haber logrado domar su propio carácter.

Puntos de vista...

2008-06-05T10:40:00.001-05:00

Lo campesinos de la edad media, que por lo general vivían a la orilla de los bosques, cocinaban con carbón vegetal porque era el combustible que tenían más a mano. Hoy en día, después de tantos años de progreso, los restaurantes “mas fichos”, los que te cobran 80 soles el solo hecho de sentarte y pedir un tenedor y cuchillo, si… esos que te cobran solo por la excelencia de su comida, emplean también carbón vegetal. Así nosotros tenemos por lujo lo que para nuestros antepasados mas pobres fue lo mas corriente.

La mujer primitiva se vestía con las pieles de los animales que su compañero mataba para comer. Hoy día los maridos complacientes se desviven y se esclavizan por adquirir lo que sus antepasados daban con indiferencia a sus mujeres.

Y… ¿Qué hace el hombre moderno cuando tiene un rato de ocio? Se va de pesca o de caza, a veces haciendo un enorme gasto, después de haber viajado quizás muchos kilómetros. El hombre primitivo, por su parte, lo hacia porque si y, después de tener bien surtida la cueva, se tendía a descansar. Según todo esto… ¿Se estarán riendo de nosotros nuestros antepasados?

En una ocasión asistí a una exposición de pintura china y oí a una de las visitantes decirle al pintor que ella deseaba comprar uno de los cuadros: un parajito posado sobre una rama desnuda. Le explicaba, sin embargo, que consideraba muy vacía la pintura y le insinuaba que agregara otras ramas y algunas hojas.
-Si hiciera eso- repuso el pintor –el pájaro no tendría campo para volar.

No son solo los pájaros los que necesitan espacio para volar. El espacio nos proporciona un sentimiento de libertad y tranquilidad, en tanto que una habitación atestada de muebles y adornos no se presta ni para el trabajo ni para el descanso. La importancia del espacio vació se aplica no solamente a nuestros alrededores. Sobre todo, para proyectar nuestras actividades es indispensable que evitemos llenar cada momento. En el tiempo también necesitamos espacio para movernos.

Cuando nos encontramos con alguna persona que de verdad se ha distinguido en la vida social, rara vez le oímos decir: “Jamás dispongo de un rato libre”. Los que han tenido éxito en la vida saben muy bien que se lo deben a las muchas horas que, distraídas de los quehaceres cotidianos, destinaron al cabal desarrollo de la personalidad y al servicio y consuelo de sus semejantes.

Hay una escuela de psiquiatría según la cual “estallar en cólera” es como abrir una válvula de escape para algo novicio. Este punto de vista lo sustentan principalmente los psiquiatras propensos a tales estallidos. No hay nada de cierto en ello. La demostración de ira no conduce a nada bueno; con ella solo se logra inculcar más firmemente el hábito para el próximo estallido. Los niños montan en cólera a menudo. El adulto que se siente impelido a hacerlo, es infantil.

Toda época tiene su epidemia de pánico. Solo que, para poder impresionar a la humanidad cada epidemia debe ser mayor que la precedente. Hoy cunde enorme pánico debido a las grandes bombas esparcidas por el mundo. En otros tiempos la gente se alborotaba lo mismo por la pólvora.

Quizás dormiríamos mejor si leyéramos más de los pensamientos eternos de los grandes pensadores y filósofos de antaño. El poeta James Russell Lowell escribió una vez: “Dios es mi gran consuelo. Creo que a veces lo hacemos reír mucho, pero que con todo nos ama, y que El no nos dejaría jugar con la caja de fósforos con el descuido con que lo permite si no supiera que su universo esta a prueba de incendios”

Viridiana

2008-01-27T16:34:00.000-05:00

Un hombre seduce a una mujer desgraciada. Ésta refleja en su rostro su terrible situación, su postura sumisa; el otro, con una sonrisa maliciosa, ambigua, la invita a sentarse un momento. En el mismo desván donde se encuentran, un gato se abalanza sobre un ratón; el cazador atrapó a su presa y todo terminó como debe acabar: con los cánones mundanos ante los cuales no queremos resignarnos. Y de eso nos habla un Buñuel en su máxima forma, un genio entregándonos una obra cinematográfica en su esplendor.

Viridiana, cinta del año 1961, significó el regreso de Buñuel a su natal España. País sumergido en plena dictadura del sanguinario Francisco Franco. Lo que comenzó como un acto de traición a sus principios por parte del director, se convirtió luego en un golpe certero al mencionado régimen que, junto al poderío de la escandalizada Iglesia Católica, consiguió censurar la película por muchos años. Nada de eso importó; Viridiana se alzó con la Palma de Oro del Festival de Cannes, se volvió una obra de culto, una pieza apreciada hasta nuestros días y precursora en muchos sentidos de lo que se gestaría en adelante.

La novicia que da el nombre a la cinta es la protagonista principal de esta historia. Obligada a visitar a su tío antes de tomar los hábitos, Viridiana se verá envuelta en sus juegos sucios; su tío es la imagen del fetichismo, la lujuria, la mentira, y tantos otros tormentos antagónicos a los que cultiva nuestra ‘heroína’. De esta forma vemos como la actuación de Silvia Pinal derrocha sensualidad e inocencia a la par, y de alguna manera nos hace cuestionarnos esta suerte de tabúes que aún hoy perduran y que en aquella época levantaron mucho polvo, sobre todo por su tono anticlerical. El fetiche y la obsesión que invaden a don Jaime se acentúan con una serie de planos centrados en los pies de los personajes, en donde Buñuel destaca con un manejo exquisito de la cámara, con paneos y desplazamientos milimétricos que resaltan la vorágine de sentimientos y deseos reprimidos.

Una desgracia es la que produce que Viridiana renuncie al convento y a partir de ese momento su voluntad apunta a la ayuda a los más necesitados. Qué mejor forma de plasmar los hondos contrastes entre generaciones (la hija de Ramona y el anciano Moncho), las distintas clases sociales (los herederos de don Jaime y los indigentes), diferencias morales (las intenciones de Viridiana, de Jorge y de los propios mendigos), entre otras discrepancias que con el correr del filme se develan en cada uno de los personajes.

La miseria en su paroxismo es puesta al descubierto sin ningún temor. No se trata de un reflejo conmovedor ni compasivo, sino una fiel muestra de las taras existentes en los estratos más bajos de la sociedad. La ignorancia, la procacidad, e incluso la discriminación, están presentes entre estos menesterosos. Memorable sin duda la secuencia en que este grupo se desbanda en excesos, y la recordada parodia de la Última cena en donde Cristo es reemplazado por un ciego que parece no querer advertir la degradación que lo rodea. Este debe haber sido uno de los momentos que más irritó al Vaticano, que publicó en su diario oficial una diatriba que sirvió como detonante para su exclusión de tierras ibéricas.

Pero en el fondo y más allá de tantas lecciones políticas o religiosas, la película busca una reflexión que nos incumbe a todos. Dentro de sus muchos simbolismos, recuerdo con claridad la escena donde Jorge observa un perro atado a un carruaje, obligado a correr para no morir estrangulado. Su piedad lo lleva a comprar al animal para evitar su sufrimiento, pero al retirarse, otro carruaje cruza sin que él lo note, arrastrando a otro can en las mismas penosas condiciones. Entonces cabe preguntarse: ¿esa búsqueda de hacer el bien (la misma que Viridiana lleva a cabo con los mendigos) servirá para menguar de alguna forma el dolor y la calamidad? ¿O es acaso un inútil intento de cambiar una realidad sin esperanza alguna? La respuesta descansa en cada uno de nosotros y muy probablemente yacerá ahí en el interior, inmutable.

El final es contundente e inmejorable: la música, las cartas y el trío inmiscuido en sus secretos a voces nos dejan la sensación de paz y tranquilidad hipócritas, falsas, acomodadas y que intentan ocultar una situación mucho más seria y subrepticia, que no conviene ser mostrada. De esta manera, Buñuel nos hace cómplices y nos deja una joya estética, técnica y, más allá de las connotaciones religiosas tan voceadas, una gran carga de reflexión social aún válida en nuestros días. Definitivamente imperdible.

There Will Be Blood soundtrack

2008-01-10T15:26:00.000-05:00

El 2007 fue un año auspicioso para la industria del cine norteamericano, en cuanto algunos de sus mejores directores han hecho entrega de sus nuevos trabajos. Y estas cintas llegan a nuestra cartelera en este verano, oportunidad casi única para disfrutar de un número aceptable de filmes de calidad y satisfacer en parte las hambrientas fauces de cinéfilos exigentes.

Uno de los estrenos más esperados y aclamados alrededor del mundo ha sido “There will be blood”, lo nuevo de Paul Thomas Anderson. Esta película que cuenta con la actuación del siempre eficiente Daniel Day Lewis, aborda la historia de un buscador de petróleo a inicios del siglo pasado. El filme ya ha obtenido premios y nominaciones en diversos rincones del orbe.

Pero el punto que me gustaría resaltar es la banda sonora de la misma, compuesta nada más y nada menos que por Jonny Greenwood, guitarrista de la influyente agrupación británica Radiohead. Piezas musicales bastante intensas que remontan a los antiguos dramas épicos de grandes proporciones del cine de antaño, pero sin perder el toque de innovación y experimentación que caracterizan a su creador.

Sin duda, los fanáticos del cine y de la música esperamos esta prometedora alianza. Mientras tanto, les ofrezco el soundtrack en mención. Más que recomendable, tratándose de Greenwood, y una excelente forma de esperar la llegada de esta película, que luego de varios años nos trae de vuelta a Anderson, uno de los nuevos genios de la cinematografía estadounidense y, por qué no, mundial. Disfrútenlo.

Descargar banda sonora de There Will Be Blood

Ludwig Wittgenstein

2008-01-08T23:04:00.000-05:00

Los que hayan oído hablar de Ludwig Wittgenstein deben saber que se trata de una de las figuras intelectuales mas prominentes de los últimos tiempos; los que no lo conozcan, deberían ahondar más en la obra de este eximio pensador, filósofo y lingüista, considerado por muchos, como el más brillante desde Kant o Nietzsche. Como muchos otros, fue poco conocido en su tiempo, y aún en la actualidad su trabajo permanece bajo un velo que poco a poco se va corriendo y que en un futuro cercano lo revelará entre los más grandes del pensamiento universal.

Precisar detalles de su vida sería un gesto baladí de mi parte, pues mucha información puede ser encontrada en la web. El motivo de este post es comentar brevemente el libro Aforismos, del autor en mención, obra que recoge muchos de los pensamientos que Wittgenstein dejó desperdigados en cuadernos, anotaciones y borradores de otras obras, y que a pesar de ser bastante concisos, dan una idea general de su manera de pensar en campos tan variados como la filosofía, religión, política, literatura, música, pintura, cine y una gran variedad de disciplinas.

En contraste con su fama de filósofo oscuro y sufrido, estos Aforismos gozan de una vitalidad, acidez, ironía y frescura que hacen muy amena y comprensible su lectura, sin que esto implique que caigan en el facilismo o la simpleza gratuita. Esta característica es la que se ve marcada a lo largo de la obra y la que, a mi parecer, puede ser un buen inicio en el estudio más profundo de su extensa y completa producción.

Podemos observar en muchos pasajes, que Wittgenstein usa el método de imaginar el transcurso de la historia como si fuese diferente. Esto es, tratar de cavilar acerca de las consecuencias o efectos de cierto acto, dependiendo de los supuestos cambios que se pudieron originar en el tiempo.

Wittgenstein también vivió una época de graves tensiones. Al ser judío, sufrió en carne propia las persecuciones nazis y la discriminación que tanto asoló la Europa de aquellos años. Sin embargo, se percibe en su obra una cercanía a nuestra era contemporánea (no apreciada en autores más antiguos por obvias razones) que le otorga una mayor lucidez y ajuste a la realidad como la vivimos hoy en día. Sus palabras resuenan nuevas, recientes, y más acordes a nuestro contexto y coyuntura.

Un hombre enigmático, sorprendente muchas veces, que insistía en que pensamientos o aforismo débiles o inconcisos podían o pueden albergar futuras grandes ideas. Un hombre que por ciertos caprichos propios de un genio, casi nunca terminaba lo que comenzaba a leer. Vale la pena profundizar más en su increíble trabajo y apreciar el talento y la extraordinaria sabiduría que tan perfectamente plasmó en sus escritos. A continuación, algunos aforismos cortos o extractos muy interesantes que creo serán de su agrado.

[32] (…) Lo que pueda alcanzar con una escalera, no me interesa.

[45] El límite del lenguaje se revela en la imposibilidad de describir el hecho que corresponde a una frase (que es su traducción), sin repetir justo esta frase. (…)

[77] Kleist escribió alguna vez que el poeta preferiría transmitir los pensamientos sin utilizar palabras. (Qué extraña confesión).

[121] En mi pensar, como en el de cualquier hombre, cuelgan los restos marchitos de mis pensamientos anteriores (ya muertos).

[162] Seamos humanos.

[171] Esta muerto y podrido. (sobre Jesús)

[176] Nada es tan difícil como no engañarse.

[191] Estoy sentado sobre la vida como el mal jinete sobre el caballo. Debo agradecer a la bondad del animal el no ser derribado ahora mismo.

[260] Revolucionario será aquel que pueda revolucionarse a sí mismo.

[373] Para quien sabe mucho resulta difícil no mentir.

[405] La fe religiosa y la superstición son muy diferentes. Una surge del temor y es una especie de falsa ciencia. La otra es un confiar.

[487] Una época entiende mal a la otra, y una época mezquina entiende mal a todas las demás en su propia y fea manera.

[500] Cuando llegué a casa esperaba una sorpresa y no había sorpresa alguna para mí; por lo cual, sin duda, quedé sorprendido.

Jimmy Page and The black crowes, live at the greek

2007-12-15T19:33:00.000-05:00

Este álbum lanzado en el 2000 contiene material de un concierto realizado por los Black crowes, en el teatro Greek, ubicado en los Ángeles acompañados por Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppelín, el repertorio del CD consta de covers hechos por Black crowes a temas de Zeppelín, cabe resaltar que los conciertos (que fueron 2) incluyeron en su repertorio temas propios de los black crowes, canciones como “remedy” o “hard to handle”, sin embargo un problema con la compañía disquerales evitó colocarlas en este CD

Yo considero a este doble CD como una joya en lo que respecta a conciertos pues, la pasión y fuerza que denotan tanto Page (se mete unos riffs improvisados excelentes) como los Crowes además de la sublime voz de Chris Robinson … sin palabras, totalmente recomendado.

CD 1 (descargar)

CD 2 (descargar)

Karlheinz Stockhausen 1928 - 2007

2007-12-09T23:45:00.000-05:00

Recuerdo que hace unos meses conversaba con mis compañeros de este blog y les comentaba la posibilidad de escribir acerca del compositor Karlheinz Stockhausen. El motivo por el cual no me animaba a publicar un artículo sobre él era la complejidad de su trabajo, y por eso decidí postergar el pequeño proyecto. Sin embargo, hace unos días, Stockhausen dejó este mundo y amerita un humilde homenaje de nuestra parte.

Considerado uno de los más influyentes músicos del pasado siglo, además de innovador, revolucionario, provocador y visionario, nació en Alemania en 1928 y sentó bases importantísimas para lo que sería la música electrónica.

Desde niño se dejó influenciar por la vena musical de su familia, en especial de su madre, tocando el piano y el violín. Tras la muerte de ésta, aparentemente a manos de los nazis, comenzó a estudiar intensamente pedagogía musical de piano, musicología, filosofía, y lengua germánica..

Su catálogo de obras es extenso y variado, por lo cual es difícil clasificarlo. No obstante, destacó por el uso de las matemáticas a la hora de componer, renovó el sonido y su habitual armonía, utilizó uno de los primeros tipos de sintetizadores y experimentó con la aleatoria o casualidad controlada, dentro de su famosa música serial. Además fue director de orquesta.

Polémico hasta más no poder, Stockhausen fue bastante caprichoso en su composición y en su vida diaria. Quizá su mayor desliz fue afirmar que los ataques a las Torres Gemelas del 11 de septiembre fueron ‘la mayor obra de arte que se haya hecho jamás’, comparando su minuciosa preparación y coordinación con la labor de un músico. Desde luego, fue un comentario por el cual muchos los criticaron e incluso lo obligaron a pedir disculpas públicas.

Pero dejando de lado acontecimientos aislados, su obra ha dejado un legado impresionante en el arte. Influyó en músicos como los Beatles (aparece en la portada del Sgt. Pepper’s), Pink Floyd, Miles Davis, David Bowie, Frank Zappa, Björk y notoriamente en Kraftwerk, el grupo electrónico más popular de la historia, entre tantos otros. Además, muchas otras disciplinas se han visto plagadas de su estilo, como es el caso de la pintura de Paul Klee, la literatura de Julio Cortázar, el cine de Godard, e innumerables expresiones que recibieron el poder de su música.

Un autor incomprendido en demasía, que negaba ser futurista al decir que lo moderno de hoy, sería lo tradicional de mañana. Ahora ha muerto y su herencia debe permanecer imperecedera como la de tantos otros genios. Pionero de la vanguardia y referente a los nuevos músicos, Stockhausen debe ser tomado en cuenta en mucha mayor medida de la que se ha hecho hasta el momento.

Los dejo con algo de su trabajo de la década del 50 y con un video interesante de un grupo de músicos tocando una de sus piezas desde unos helicópteros. Realmente desquiciado pero genial. Disfrútenlo.

Elektronische Musik (Parte 1)

Elektronische Musik (Parte 2)

Bande à part

2007-12-08T12:38:00.000-05:00

Cuando se le pidió a Jean Luc Godard describir su película la definió como una mezcolanza entre “Alicia en el país de las maravillas” y la obra de “Franz Kafka” lo cual, por mas irónico que suene, tiene mucha coherencia. Banda Aparte o Bande à part (1964) ha sido clasificada como una de las películas mas accesibles en la filmografía de Godard por su supuesto fácil entendimiento, mas esto no es del todo cierto, en lo que se va desenvolviendo la trama se puede ir viendo lo complejo de los personajes y su relación entre ellos mismos con el mundo solo que se facilita la “comprensión” con explicaciones diversas a cargo de un narrador tácito y omnisciente.

Son 3 los personajes principales Odile (Anna Karina), Arthur (Claude Brasseur) y Franz (Sami Frey), Franz y Arthur conocen a Odile en una clase de Ingles y la convencen para que les ayude en un robo, sin embargo la película se centra en como se va desarrollando la relación entre estos tres personajes ante el conocimiento de un suceso cercano que les puede cambiar sus vidas (el robo en si), las reacciones viajan desde la indiferencia hasta la misma inocencia, la presencia de un triangulo amoroso es clara y cada uno de ellos reacción antes este a su propia forma, no pienso ahondar mas en la trama pues podría arruinar la experiencia de aquellos que desean verla y ganarme el odio de un 80% de los mismos, en resumen esta película me pareció excelente no solo por los personajes en si, sino por las ocurrencias y genialidades del director (como olvidar la escena del Louvre o la coreografía en el salón) que le dan a la película un aire hilarante.

Mis discos favoritos del 2007

2007-12-05T00:18:00.001-05:00

No soy un crítico de música ni mucho menos, pero sí soy un fanático empedernido y casi dependiente de este arte, uno de los más bellos de la humanidad. Es matemáticamente imposible escuchar todas las producciones que se hacen en un año, o al menos una gran parte de ésta. Aún así, decidí escoger los cinco mejores discos que llegaron a mis manos (o directamente a mi disco duro) en estos últimos doce meses. Es una lista personal, alejada de cualquier intento de análisis profundo o crítica constructiva o destructiva. Simplemente lo que más me agrado y sonó en mi cuarto y en mi mp3.

The National – Boxer

Siguiendo los pasos de Arcade Fire y Arctic Monkeys, la banda de Brooklyn se ha convertido en la engreída de las revistas, los blogs y las radios. Pero no por eso dejan de ser una de las agrupaciones más interesantes y prometedoras del momento. Boxer es mi disco favorito del 2007 por muchas razones: por su estilo oscuro y romántico (no emo, por favor), por sus destacadas letras, por la voz de barítono del líder Berninger, por la incesante batería a lo largo del álbum y por una serie de canciones que me marcaron definitivamente. Imprescindible.
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Radiohead – In Rainbows

Una de las pocas bandas que mantienen una regularidad en toda su producción desde sus inicios; y esto, a pesar de las constantes experimentaciones de sus miembros. Sin embargo, In rainbows, a mi parecer, está por encima de sus dos anteriores discos y demuestra cierta madurez en el grupo. Además, un plus al trabajo es la decisión y el atrevimiento de haber ofrecido el disco completo en su página web, permitiendo a los fanáticos establecer el precio que deseaban pagar. Un duro golpe a las disqueras y un paso más en la llamada revolución musical.
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Arcade Fire – Neon Bible

No consiguieron la difícil tarea de superar el maravilloso Funeral del 2004 (uno de los mejores discos de la década), pero solo queda decirles “gracias”. Estos canadienses quieren apuntarse una seguidilla de discos de culto y vaya que van por buen camino. Un álbum con melodías bellísimas y letras alegóricas de crítica social, que confluyen sin ningún problema, sin estorbarse entre ellas. Grandes como Bowie confirmaron su admiración por esta súper banda y esperamos con ansias un nuevo trabajo que nos encandile y sorprenda como lo han hecho hasta el momento.
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A Place To Bury Strangers – A Place To Bury Strangers

Prometedor debut de esta banda con álbum del mismo nombre. Básicamente shoegazing, pero con mucha influencia del post punk, gótico, EBM, industrial y tantas otras etiquetas que alimentan a los críticos, pero que ayudan muchas veces con la descripción. Un disco excelente con nueve canciones plagadas de ruidos, zumbidos y distorsiones en un cuarto oscuro que asemeja el espacio infinito. No es exageración, es el efecto que produce esta impresionante agrupación que esperemos no se convierta en un one hit wonder como muchas otras.
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Ulrich Schnauss – Goodbye

El trabajo más experimental de los cinco mencionados. Shoegazing electrónico procedente de Alemania en manos de este innovador genio de la música contemporánea. Poco conocido en el medio comercial , pero muy aclamado por los conocedores, Schnauss nos entrega esta joya que se convierte en su tercer disco de estudio luego de muchos trabajos acreditados con otros seudónimos. Y lo mejor de todo es que esta semana recibiremos su visita en un concierto para no perderse. Un álbum para abrir los oídos a algo nuevo y de mucha calidad.
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Otros discos que no entraron entre mis cinco predilectos pero que debo mencionar son:

The Shins – Wincing The Night Away

A Sunny Day In Glasgow – Scribble Mural Comic Journal

Interpol – Our Love To Admire

Spoon – Ga Ga Ga Ga Ga

LCD Soundsystem – Sound Of Silver

Clap Your Hands Say Yeah - Some Loud Thunder

Obviamente, esta lista podrá variar conforme vaya descubriendo nuevos discos en un futuro muy cercano. Por el momento, espero que sirva como una recomendación para quienes deseen escuchar la nueva música que se está haciendo en el mundo. Dejo enlaces de descarga para los álbumes comentados y espero los disfruten tanto como lo hice yo.

Diane Arbus, bizarra realidad

2007-12-03T23:15:00.000-05:00

Me he dado cuenta de que cuando notamos en ciertos seres aspectos molestos, apreciamos en ellos lo asqueroso, lo repugnante, lo malo y feo; nos compadecemos de ellos, pobres sin suerte. Con complejo de dioses alzamos nuestra voz para alimentar nuestras ansias de ayudar y actuamos con amabilidad ante los extraños que osan invadir nuestro mundo estable y puro, ellos reflejan lo odioso de nuestras persona y por eso nunca los miramos a la cara, pues si lo hacemos, son nuestros propios demonios los que vemos, es tal vez el concepto básico del cual se baso Diane Arbus para retratar a todo el mundo bajo la imagen de los extraños.

Diane Nemerov, fotógrafa estadounidense criada en una acomodada familia, nace en 1923, a los 18 años se casa con Allan Arbus, este matrimonio marcaría etapas claves en la carrera de esta fotógrafa ya que una vez iniciado el matrimonio empieza a dedicarse a la fotografía de moda, pero una vez divorciados, renueva su estilo y crea uno propio.

El estilo de Arbus es el de retratar personajes peculiares, diferentes, nada usuales e incluso repudiados como por ejemplo, gemelos, trillizos, enanos, familias de clase obrera, prostitutas, el personaje a retratar siempre es enfocado al centro de la imagen, en su rostro se puede ver la sonrisa esbozada producto de una pose ya elaborada, pues no hay naturalidad en sus obras, lo maravilloso de su arte es lo expresivo de la realidad de estos seres, una tierna sonrisa dibujada en el rostro de un enano, una expresión de humanidad, así como una critica a todo aquel que enfoca en ellos, los marginados, el odio. Podemos ver el rostro directo, los retratados tiene la conciencia de su estado de retratados, de que varias personas apreciaran sus fotos, y que con ellas podrá reflexionar o espantarse, de diversos matices psicológicos puede uno analizar la intención de la fotógrafa, pero acertarla? … no sabría decir, eso queda en manos de la artista misma, sin mas preámbulo dejo ante ustedes diversas fotos que encontré en el Internet para que puedan enfrentarse contra sus mismos demonios, además de colocar una muestra de la faceta de “fotógrafa de celebridades” de Diane Arbus, ejemplificado por una magnifica foto al maestro Jorge Luis Borges.

Gustav Klimt

2007-12-03T21:45:00.000-05:00

Durante sesudas cavilaciones me percaté de mi afición por el arte etéreo, difuminado; también noté el gusto que tengo por las diversas representaciones de la figura femenina en la pintura y los niveles de experimentación que puede alcanzar el artista, siendo radicalmente innovador o manteniendo un clasicismo que no caiga en la pérdida de autenticidad.

Y es así como me di cuenta que uno de mis pintores favoritos (y que, por supuesto, reúne las condiciones ya mencionadas) es el austríaco Gustav Klimt. Miembro sumamente destacado del Art Noveau y fundador de la Secesión de Viena, se desenvolvió magistralmente en su trabajo, primordialmente a fines del siglo XIX.

Aunque el movimiento denominado Secesión de Viena no poseía un estilo propio que uniera a sus representantes, se caracterizaba por su autonomía en cuanto estética en relación a otros grupos. Su audacia era de destacar y quien mejor que Klimt para convertirse en iniciador y primer presidente de dicha organización. Viajó por Europa para tomar influencias quizá inconscientemente de artes como el bizantino, en lo que fue una experiencia ecléctica fabulosa. Estas experiencias le sirvieron en demasía para lo que fue su etapa dorada, donde usó el oro como material de sus trabajos, otorgándoles una belleza inusitada.

En sus inicios, pintó muchos paisajes impresionistas, casi abstractos, pero con el pasar del tiempo su obra desembocaría en una temática más personal. La mujer sería el tema principal; retrataría a féminas pertenecientes a la burguesía vienesa, e incluso a prostitutas y amantes ocasionales, pero que en todos sus trabajos dejarían una gran huella.

Antes de alcanzar la fama y el elogio, Klimt se encontraría con numerosos problemas provenientes de las acusaciones que se le hacían de pornográfico o pervertido. Ataques insulsos y propios de una sociedad que no comprende al artista. La mujer en sus pinturas expresan una belleza, como ya dije, etérea, pero a la vez decidida, repleta de fortaleza. Las miradas y los gestos son de gran importancia por su significado y por la estrecha aproximación que logra con el espectador. Su decoración es hermosa y deja entrever mucho de la personalidad del autor.

Pero, aunque suene redundante, es el erotismo el punto más alto en sus obras. Las posturas y las formas distorsionadas pero a la vez sugerentes, nos sitúan en una posición de hombre que se deleita, pero que a la vez es dominado por la maliciosa belleza de la mujer. Esta sensualidad está muy presente en las pinturas y también en sus dibujos, como aquel llamado Mujer sentada.

Sin duda, su obra El Beso es la más apreciada hasta nuestros días y la que más lo representa, pero muchos de sus trabajos fueron destruidos durante la II Guerra Mundial. No obstante, un sinnúmero de sus joyas pictóricas sobreviven para suerte nuestra y algunas de las más interesantes pueden ser apreciadas en el siguiente video o siguiendo el vínculo para descargar una carpeta con lo mejor de su producción. Espero sea de su agrado.

Más obras de Gustav Klimt

Cuando llegue mi hombre (Wenn der Richtige kommt)

2007-11-30T23:32:00.000-05:00

“Cuando llegue mi hombre” es una película alemana del año 2003 dirigida por Oliver Paulus y Stefan Hillebrand. Se trata de una comedia dramática, un melodrama bastante atractivo para quienes buscan cintas alejadas de los habituales estereotipos.

Cuenta la historia de Paula, una mujer que trabaja como conserje de un edificio. Un día conoce a Mustafa, el hombre encargado de la seguridad del referido establecimiento, y pronto comenzaría un curioso romance entre ambos. Sin embargo, el padre de Mustafa llega a Alemania y le ordena que regrese a su país, pues debe casarse en cumplimiento de la tradición establecida. Es así como éste regresa a Turquía, dejando a una Paula desesperada quien no dudará en empezar una travesía en busca de su amado.

La cinta además cuenta con pequeñas pero estupendas actuaciones secundarias, como la de la vecina Ada, la amiga de Paula o el traductor que la apoya en su búsqueda. Todos ellos conforman eficientemente un reparto que pule y perfecciona el filme dentro de los parámetros propuestos por sus realizadores.

Pero son dos los puntos que me gustaría resaltar. El primero de ellos es el hecho de que el filme busca la estética de los documentales. Mediante miradas a la cámara por parte de los protagonistas, testimonios improvisados y acercamientos de cámara muy vívidos podemos sentirnos en un recuento biográfico de las aventuras (y desventuras) de Paula. Y es este lenguaje semi-documentalista el que nos presenta unos personajes muy humanos. Hombres y mujeres felices, ridículos, patéticos o desgraciados, pero personas al fin y al cabo, que actúan de una manera bastante honesta (como las secuencias de baile o la tierna escena del plátano) y plasman una ficción abrumada de realismo.

El segundo detalle a destacar es la presentación de un choque de culturas bastante trágico. Se nos trae a la superficie un mundo en donde confluyen razas, credos, lenguas y que sin embargo aún permanece separado por una barrera enorme de prejuicios, circunstancias sociales y recelos. Esta situación es en gran parte la que une a los personajes, pero también es la misma que los mantiene distanciados y la que se encarga de romper cualquier atisbo de afinidad más íntima.

En suma, se trata de una cinta sobre el amor, sobre diferencias sociales y culturales y sobre la extraordinaria transparencia que puede alcanzar una persona al dar rienda suelta a sus emociones y sentimientos más puros. A tomar en cuenta.

Albertine Sarrazin

2007-11-29T12:42:00.001-05:00

Supuestamente, lo escritores a lo largo de su vida deben haber cometido excesos, divagado por caminos difusos que conllevan a aparatosas caídas dentro de la habitación de un hotel, o haber despertado al día siguiente con la sensación de que un ser extraño le respira en su espalda; los escritores son los que viven sus obras y las cuentan a los “puros” que no osamos andar por esa senda, y aún así en este grupo de selectos siempre existirán los llamados “niños malos”, los perdidos de la generación americana, Capote, Hemingway, los franceses del siglo XVIII, Rimbaud, Mallarmé y el excelso Baudelaire; sin embargo, dedico estas líneas a expresar mi completa admiración por una de las “niñas malas” de la literatura, una mujer que, incluso, es poco reconocida salvo por ciertos círculos intelectuales, su nombre Albertine Sarrazin, su vocación, la rebeldía.

Francesa, nacida el 17 de septiembre de 1937, la hija bastarda de un general, quien en búsqueda de perdón espiritual la adopta posteriormente sin revelar su vínculo con la niña. A los 10 años fue violada, en aquel shock emocional y psicológico tal vez esta la razón de su conducta rebelde, pero no soy nadie para justificar su actuar, su carácter orgulloso y desobediente logro que la recluyeran en un internado, también logro que, posteriormente, la encerraran en la cárcel y fue el sustento principal y razón ultima de su fuga de la misma (cárcel-escuela Doullens) el 19 de abril del 57, "anécdota básica": al saltar por encima de un muro se rompió el astrágalo (un hueso en el pie) con el impacto de la caída, lesión la cual la limita toda su vida, fue también este incidente el punto de encuentro entre ella y Julien Sarrazin, un transeúnte que la ayudo al ver que no podía caminar, Albertin y Julián se casaron en 1959.

El Astrágalo es tal vez su obra mas famosa, en este libro cuenta su experiencia en la cárcel, junto con “La fuga” fueron éxitos comerciales de su época, sin embargo el éxito es pasajero y muchas veces no es suficiente, A los dos años, en 1967, Albertine Sarrazin, víctima de sus propios excesos moría en una sala de operaciones, tanto el alcohol que corría por su cuerpo producto de su bohemia como la incompetencia de diversos médicos marcaron el final de esta mujer quien vivió a límite, haya sido por elección propia o no.

Japancakes - Loveless

2007-11-18T18:07:00.000-05:00

Como algunos de ustedes sabrán, la mega banda shoegazer My Bloody Valentine se reunirá el próximo año para una serie de presentaciones en el Reino Unido. Solo unas pocas fechas han sido confirmadas, pero ya hay rumores de una gira mayor y posiblemente de un nuevo álbum. Por esta razón, el redactor de este artículo derrama algunas lágrimas de emoción.

Sin embargo, el motivo de este post es presentarles otra curiosidad musical. Se trata del grupo Japancakes, unos estadounidenses con humilde trayectoria que este año se han propuesto un plan de grandes proporciones. Al parecer, estos fanáticos de My Bloody Valentine, no se conformaron con hacer un cover de los irlandeses, sino que decidieron reinterpretar el aclamado disco Loveless en su totalidad.

Así es, aunque no lo crean e incluso lo odien los fanáticos más puritanos, esta banda se ha atrevido a meterse en caminos peligrosos. Por mi parte, reconozco ser un admirador recalcitrante de MBV, y debido a esto, veo este disco como una forma de homenaje y no como un intento de emularlos. La grabación del Loveless original es un misterio aún, por los sónicos efectos conseguidos, y por eso este trabajo no llega a ser una burda imitación, sino se convierte en un resultado interesante.

En fin, para que saquen sus propias conclusiones, les dejo este curioso álbum y de paso, por si a alguien le falta, el original y maravilloso Loveless de My Bloody Valentine, un disco imprescindible. Disfrútenlos.

Descargar: Japancakes - Loveless

Descargar: My Bloody Valentine - Loveless

A grunge Supergroup - Temple of the dog

2007-11-17T22:42:00.000-05:00

Temple of the Dog, primer y único disco homonimo de una súper banda, formada de los vestigios de Mother Love Bone, miembros de lo que sería Pearl Jam y miembros de Soundgarden.

Este proyecto fue desencadenado por un trágico suceso, a muy poco tiempo de que el primer CD de Mother Love Bone, “Apple” saliera al mercado, su vocalista, Andrew Wood, murió de una sobredosis de heroína, Chriss Cornell, (en ese tiempo vocalista de soundgarden), era amigo de Wood (eran compañeros de cuarto), a la muerte de Wood Cornell escribe dos canciones en su memoria, “say hello to heaven” y “reach down”, y planteo a Stone Gossard y Jeff Ament, miembros de Mother Love Bone, grabarlos como singles; la alineación fue completada con el baterista Matt Cameron de Soundgarden, y Eddie Vedder.

Lo que empezó como un proyecto de dos canciones terminó en un álbum entero, donde se entremezclan el típico sonido grunge, pesado y rasposo y melodías lentas, melancólicas, amargas, excelentes, y que decir de la dupla Cornell-Vedder, dos de las mejores voces del género alternándose junto a guitarras en su optimo estado de distorsión, definitivamente un disco infaltable.

Sin mas preámbulo le doy paso a “Temple of the dog” (Agradecimiento especial a Juan Carlos subir el disco al blog para obtener puntos en su cuenta de rapidshare, que Kurt te bendiga Juan Carlos) click en la portada para descargar.

Alineación:

- Eddie Vedder: voz de apoyo en los tracks "Pushin Forward Back", “Your Saviour" y “Four Walled World", voz principal en “Hunger strike”

- Chris Cornell: voz principal, voz de apoyo en “Hunger strike”, guitarra, banjo en “Wooden jesús”, harmonica en “Times of trouble”

- Jeff Ament: Bajo

- Stone Gossard: guitarra

- Mike McCready: primera guitarra

- Matt Cameron: Bateria

- Rick Parashar: teclado (All night thing) y piano ("Call Me a Dog", "Times of Trouble", "All Night Thing")

Pieter Brueghel, El viejo

2007-11-15T21:32:00.000-05:00

Pieter Brueghel apodado el Viejo, nació en Holanda en 1525 empezó su adiestramiento como pintor bajo la tutela de Pieter Coecke van Aelst, quien fue un celebre artista, traductor, y editor flamenco, destacado por sus testimonios sobre la cultura turca-otomana (debido a sus viaje a Constantinopla) y sus traducciones. Brueghel compartió su educación artística con otros pintores de la talla de Michiel Coxcie, Hans Vedreman de Vries y Gillis van Coninxloo.

Al poco tiempo viajo a Italia para terminar de pintar diversos cuadros de paisajes incompletos, regreso a los Países Bajos en 1553 y se instalo en la ciudad de Amberes, sin embargo, 10 años después, decidiría trasladarse a Bruselas, en ese mismo año se caso con la hija de su maestro Pieter Coecke, Mayke Coecke.

Brueghel fue uno de los máximos representantes de la escuela flamenca, poseía una técnica increíble lo cual fue elemental en plasmar lo exacto de los paisajes a los cuales se dedicaba, durante toda su carrera mostró una preferencia por pintar paisajes y escenas de la vida cotidiana, lo cual hace de muchas de sus pinturas un manifiesto histórico en lo que respecta a costumbres de la plebe en los Países Bajos en el Siglo XVI

En lo que respecta a paisajes, sus viajes a Italia le sirvieron de notable inspiración para perfeccionar su obra y especializarse en plasmar las condiciones atmosféricas así como en impregnar a la obra de un aura acorde a la escena pintada, aparte de su característico perfeccionismo. Muchos consideran a Brueghel como un paisajista por excelencia que se dedicaba a transcribir la realidad a sus cuadros, pero es importante notar que sus obras poseen mucho mas que simple realidad sino un estado superior a la misma que les brinda una hermosura de ensueño

Es importante distinguir la influencia del Bosco en su obra (el uso de la técnica alla prima) Brueghel trabajó para el taller del Bosco y en muchas de sus obras se puede apreciar la influencia en lo que respecta a los personajes retratados además del estilo perfeccionista y detallado en el resultado final, y el alternamiento de una gran cantidad de seres y situaciones que dan a ver un cuadro exquisitamente realizado y profundo.

“El triunfo de la muerte” considerada por muchos una de las mejores obras de Brueghel, pintada desde la perspectiva caballera (vista de pájaro) en ella se presenta un escena apocalíptica donde la muerte ha surgido desde el mismo infierno y ahora se regocija destruyendo todo vestigio de raza humana, bajo la forma de miles de esqueletos asesina y tortura a todos los hombres y mujeres, los cuales huyen despavoridos hacia una entrada, en el fondo se pueden ver navíos siendo destruidos así como ejércitos siendo diezmados, en esta obra se puede apreciar diversos simbolismos, por ejemplo al rey muerto, lo que expresa a la muerte como enteramente justa porque no distingue entre ricos, poderosos, o pobres y desvalidos; a la pareja de jóvenes amantes que representan la despreocupación con la cual se vive una vez que se esta enamorado; la fútil resistencia que hace un soldado al desenvainar su espada que representa la terquedad con la cual los humanos vivimos; además introduce el concepto de la rueda como instrumento de tortura (La tortura con rueda consistía en romperle las articulaciones a la víctima excepto las piernas, luego, una vez dislocadas las piernas cruzarlas encima de la cabeza, para lo cual primero debían romper las costillas, y amarrarlo en esa posición a una rueda, la cual era encajada en un poste de madera a muchos metros de altura, esta forma de tortura mataba a la victima por dolor así como por asfixia, ya que las costillas rotas dificultaban la respiración)

Brueghel fue uno de los máximos representantes de esta escuela, y sus obras que hasta hoy son admiradas y estudiadas son de básico conocimiento en lo que respecta a perspectiva además de su maestría en plasmar paisajes con el óleo y de, en cuadros complejos, dar a entender sutilmente su forma de ver el mundo, la visión que aquella época en su contexto le inspiraba y que ahora nosotros podemos sentir bajo nuestro libre albedrío.

Quentin Metsys en la Escuela Flamenca

2007-11-15T21:24:00.000-05:00

Quentin Metsys

Una de las características principales de la escuela flamenca, ala que pertenecio tan distinguido pintor que me es grato presentar, fue la falta de relatos sobre la vida propia de los autores; siendo desconocido en cierta perspectiva, la vida misma de este intachable pintor.
Se le considera como el verdadero fundador de la escuela pictórica de Amberes, aunque nació en Lovaina en 1466, gran parte de su vida se desenvolvió como maestro en Amberes en 1491 en donde murió en 1530.
Recogió la herencia de las tradiciones artísticas del S.XV e introdujo en su pintura, con discreción las novedades importadas desde Italia, especialmente las debidas a Leonardo y a Rafael. Al igual que su amigo Erasmo de Rótterdam, Matsys, no dudó en romper con su propia forma de pintar, en revolucionar.
Sus primeras crucifixiones y Madonas son todavía góticas. En sus grandes trípticos, el del linaje de Santa Ana (1510, museo de Bruselas) y el del entierro de Cristo (1509-1511, museo de Amberes), la plasticidad de las figuras, los tipos femeninos de bellos y regulares rasgos, las arquitecturas de carácter clásico, las azuladas lejanías, la fluidez del colorido, son testimonio del rejuvenecimiento de su pintura, del que ofrece buena prueba su Magdalena (museo de Amberes).
El elevado nivel cultural del medio en el que se desnvolvió se refleja en sus retratos: Erasmo (palacio Barberini, Roma), Pierre Gilles (Longford castle), el Canonigo de la galería Liechtestein (Viena). En El banquero y su esposa (Louvre) el autor parece recordar una obra perdida de Van Eyck, e inicia el desarrollo de un gran género, que alcanzará gran boga en la siguiente centuria.

Su estilo particular se reduce exorbitantemente en un arte refinado y espiritual, especialmente en sus obras religiosas y en sus retratos. Este tuvo grandes repercusiones sobre los artistas de tendencia italianizante de los Países Bajos, que buscaban una mayor suavidad e idealización en sus pinturas. La otra cara de la moneda de esta pintura sensible la constituyen sus dibujos caricaturescos, o los personajes que rodean e imprecan a sus Ecce Homo, como en el que podemos contemplar en el Museo de prada.

Estilísticamente, se le puede relacionar con autores como Van Eyck, Petrus Christus, Joachim Patinir o Marinus van Reymerswaele.

Entre sus obras mas destacadas tenemos:

Covers

2007-11-08T11:29:00.000-05:00

Desde hace varios años ya, la palabra cover se ha convertido en una de las más usadas entre las personas que gustan de la música en general. Debo decir que soy un defensor del uso del castellano puro; sin embargo, reconozco también que no he podido resistir a la tentación y a la fuerza de la costumbre, y he caído en el empleo del vocablo en referencia en infinidad de ocasiones. Y lo haré una vez más.

El cover es una nueva interpretación de una canción grabada anteriormente por otro artista. Y aunque las reglas digan que no hay mejor que el original, es bastante atractivo escuchar versiones de viejas canciones, ser interpretadas por distintos artistas. Muchas de estas variaciones son terriblemente malas y provocan consecuencias adversas al oyente; otros son copias fieles e insulsas que no valen un centavo; pero algunas valen la pena por la calidad del ejecutor y por el posible giro que este pueda darle, aumentando, mejorando y cambiando en general el tema original.

Es por eso que he preparado una recopilación con cobres que son de mi agrado y que podrían interesarle a los amantes de la buena música. Al existir una infinidad, he decidido excluir a los ya conocidos (como por ejemplo, las canciones de la banda Nouvelle Vague) y he seleccionado los que son de mi mayor agrado, incluyendo temas no oficiales.

Empiezo con una buena versión de This charming man, interpretada por Death cab for cutie; luego, Placebo tocando 2 buenos covers de Pixies y Depeche Mode, Bauhaus ejecutando la famosa Ziggy Stardust de David Bowie y Dinosaur Jr. con su clásico estilo ruidoso tocando Just like heaven de The Cure. También incluyo a mi banda favorita, Nirvana, versionando a tres grandes como son Led Zeppelin, The Who y The Doors, y luego a Sonic Youth interpretando la explícita Moist vagina, propiedad de Cobain y compañía. Dejo una extraña versión, típica de Bowie, tocando Alabama song y una doble interpretación de Across the universe de The Beatles, a cargo del bien ponderado Rufus Wainwright y de los geniales Smiths. Y para finalizar, otra hermosa canción del grupo de Morrissey, There is a Light that never goes out en dos versiones: la primera por parte de los estadounidenses The Ocean Blue, y la segunda, una versión adaptada al castellano y cantada por Mikel Erentxun.

Esperando que les guste, dejo un enlace de descarga y un video de uno de mis covers favoritos: Bauhaus interpretando Transmission, un clásico de la banda inglesa Joy Division. Disfrútenlo.

Descargar covers

Naomi Kawase ... buscando recordar

2007-10-31T22:45:00.000-05:00

Naomi Kawase es una directora japonesa con una carrera cinematográfica prolífica, fue premiada con la camara de oro en Cannes por su primer film Moe no Suzaku siendo la mas directora mas joven en obtenerla y recientemente con el Grand prix en el mismo festival por su película Mogari no Mori.
Hace poco asistí a una un función especial donde transmitieron dos de sus cortos, por muchos considerados como dos de sus mas personales, me refiero a Embracing (1992) y Cielo, viento, fuego, agua, tierra (2007) en ambos toma como temática principal a ella y a su padre.
En Embracing Kawase toca el tema de la búsqueda de su padre, al cual solo conoce por fotos, trata de una forma muy personal los diversos aspectos emotivos que presenta la búsqueda de su padre así como su relación con sus abuelos, cual álbum de fotos repleto de recuerdos comparte con el espectador aquella vulnerabilidad de niña presente aun hasta hoy, a mi parecer el momento de clímax fue la ultima escena cuando, por fin, logra hablar con su padre por teléfono, enfocando tan solo sus manos uno puede sentir en el tono de voz ese alivio, se puede compartir aquella pasajera felicidad que por unos instantes parece llenar en su totalidad el vació existente en ella.

El segundo documental, Cielo, viento, fuego, agua, tierra lanzado 13 años después trata el tema de la muerte de su padre y como ella asimila el hecho, además denota como las experiencias basadas en su infancia y vida son plasmadas en su obra, mostrando escenas y fotos de su vida como directora (como su premiación en Cannes) , el documental comienza con un grupo de jóvenes (entre las cuales se encuentra Kawase) viendo “embracing”, así como el primer documental la escena de clímax sería el final, cuando en honor al recuerdo de su padre se tatúa toda la espalda y corre desnuda en el campo, es como expresar la libertad que ahora posee su alma tras haber superado aquella búsqueda, tras por fin haber dejado seguir al espíritu del recuerdo que la inspiraba y marcar el fin de algo y comienzo de otra vida con completo conocimiento de su realidad.

Completamente impresionado por la honestidad de esta directora recomiendo totalmente a cualquier lector el ahondar mas en la obra de Kawase, no como crítico sino como espectador, pues al final todos buscamos algo ya sea el recuerdo o alguna memoria perdida, mas plasmarlo al punto de crear reflexión es don de pocos y satisfacción de tantos.

El viento que agita la cebada

2007-10-28T22:34:00.000-05:00

Compro mi entrada con media hora de anticipación y me siento a esperar. Me dispongo a leer la interesante programación del Festival de Cine Europeo que permanecerá hasta el 11 de noviembre en Lima. Cinco minutos después veo que la cola para ingresar ya se alarga hasta la calle. Inmediatamente me uno y veo la gran acogida que tendrá la película. Sentimientos encontrados: tendré que conformarme con el mejor asiento que pueda encontrar después de que aproximadamente 30 personas entren antes que yo; pero saber que tanta gente asiste a ver cine de calidad también me entusiasma.

En fin, un crítico de cine que he visto un par de veces en la televisión empieza a recomendarme películas. Pongo cara de interés y abren las puertas de la sala. Huyo del curioso personaje y encuentro un sitio cómodo. La cinta que veré es El viento que agita la cebada del británico Ken Loach.

La película aborda el tema de la Guerra de Independencia desatada en 1919 entre el Reino Unido y el ejército de la República de Irlanda (IRA, por sus siglas en inglés). La acción es vista desde el punto de vista irlandés, siguiendo las peripecias de dos hermanos pertenecientes a IRA. El mayor es el líder de la incipiente organización y el menor es un médico que piensa ir a Londres a trabajar como maestro, pero que finalmente decide luchar junto a sus compatriotas.

El filme se enfoca en la cruenta lucha entre los dos bandos y las ansias de los irlandeses por alcanzar la independencia. El ritmo de la película es intenso y plasma, por momentos crudamente, las atrocidades vividas durante el conflicto. Sin embargo, la película da un giro cuando cesa la guerra y se firma el tratado de paz que otorga mediana independencia a los irlandeses. Este hecho será tomado de diferente manera por algunos grupos, lo cual desatará una tan o más terrible guerra civil.

Loach refleja extraordinariamente las circunstancias sociales de un pueblo oprimido por otro. Es inevitable colocarse del lado de la población irlandesa al presenciar los abusos cometidos por el escuadrón inglés. La acción es permanente y el director la sabe llevar con buena mano, sin llegar a ridículas escenas patrioteras ni sentimentalismos pornográficamente conmovedores.

Pero el cambio que implica el paso de la guerra entre naciones a un enfrentamiento civil es el mayor punto a favor de la película. Percibimos el revés moral en los personajes, la confrontación entre ideales nacionalistas o ideológicos y las relaciones familiares o amicales. Allí reside la magistral mano del realizador, que con algunos diálogos o expresiones nos permite entender las desgracias sociales que acarrea toda disputa.

Sería impertinente seguir narrando la historia, pero es realmente destacable la ambiciosa producción que tan bien representa a la Gran Bretaña de aquellos tiempos. Esto, en conjunto con una estupenda fotografía, y actuaciones notables completan un trabajo que le valió la Palma de Oro del Festival de Cannes, y que tenemos la oportunidad de disfrutar en nuestra capital por unos cuantos días. Para no perdérsela.

Dogma 95

2007-10-25T11:05:00.000-05:00

Pasan los años y todo cambia, para bien o para mal, algunos cambios son mejores que otros, algunos se mantienen y otros se descartan y pasan al olvido; algunos los admiran y otros los odian. Pero es así, el mundo es un proceso, la existencia misma es una constante variación. Y como todo, el cine también innova.

Lo hizo Griffith, Chaplin, los vanguardistas, los rebeldes jóvenes de la Nouvelle Vague, la generación perdida, el gran maestro Lynch y muchos más. Es por eso que quisiera tocar el tema de una nueva propuesta que nació a mediados de la década pasada en Europa: Dogme 95.

Su origen está en Dinamarca, en el año 1995, y en la mente de Lars Von Trier y Thomas Vinterberg. Como diversos movimientos en el mundo, y aunque muchas veces lo nieguen, es indudable que surge como un golpe al idiotizante cine comercial hollywoodense. Estos autores plantean una serie de normas con las cuales se busca hacer un cine independiente, de bajo costo de producción y con una tendencia muy personal. ¡Adiós la post producción! El director es el artista y todo su estro debe surgir en el mismo instante de inspiración, en este caso, durante la filmación.

Dogme 95 posee mucho del espíritu radical de la nouvelle vague, ésto en cuanto al deseo de cambio. Sin embargo, un aspecto en el cual ambas corrientes difieren abismalmente es el hecho de seguir reglas. Si bien el movimiento francés se liberó de todas las ataduras de la época y propuso una casi total libertad para los realizadores, lso miembros del Dogme 95 tienen muy claro una serie de pautas a seguir, irrenunciables, para las cuales existe incluso un juramento o voto de castidad, que consiste principalmente en las siguientes 10 premisas:

1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).
2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
3. La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.
4. La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).
5. Los trucajes y filtros están prohibidos.
6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).
8. Las películas de género no son válidas.
9. El formato de la película debe ser en 35 mm.
10. El director no debe aparecer en los créditos.

Con el correr del tiempo, algunas de estos cánones se han hecho un poco más flexibles, pero mantienen la esencia que los distingue de cualquier otra producción. Poseen una página de Internet en la cual se pueden inscribir aquellas películas cuyo director considere siguen las indicaciones de este movimiento.

A pesar de su reglas tan rígidas (por las cuales el propio Lars Von Trier ha tenido que alejarse para realizar películas como Dogville o Dancer in the dark), el proyecto es bastante innovador, y consigue una fusión más que interesante entre el cine de ficción y la estética documental. Algunas cintas que representan fielmente al Dogme 95 serían La Celebración o Los Idiotas, de Vinterberg y Von Trier respectivamente. La lista completa de películas puede ser encontrada en la página oficial.

Más allá de si sea del agrado de los fanáticos del séptimo arte, soy de la opinión que proyectos como éste ayudan al óptimo avance del cine y pueden servir de cimiento para estilos venideros que podrían fácilmente marcar un hito en la historia cinematográfica mundial. No queda más que ahondar más en el Dogme 95 y sacar nuestras propias conclusiones.

Frases Célebres de Homero Simpson

2007-10-22T23:43:00.000-05:00

Yo no soy una persona que se impresiona facilmente… !mira, un coche azul!”
“vivir cada día como si fuera el ultimo… buaaa voy a morir”
“tendrá todo el dinero del mundo… pero hay algo que jamás podrá comprar…. Un dinosaurio”.
“qué quiere de cenar, una o dos chuletas? Ambas cosas”.
“tengo dos preguntas, uno, dónde está la flauta, y dos, démela”.
(rezando) “se que nunca me acuerdo de ti, pero si estás ahí arriba, ¡¡¡ salvame superman!!!”
”hijo, sin la presencia de un hombre en la casa, puedes volverte afeminado en un segndo… ¡ay, esta grasa no se quita!”
”una mujer es como una cerveza… suave… burbujeante… ¡y puedes matar a tu madre por una”
”no dejes que la muerte de krusty te hunda muchacho. La gente siempre acaba muriéndose. Es así de simple. Es mas, mañana tu podrías amanecer muerto. Bueno… buenas noches.”
”en mi familia somos cinco personas: marge, bart, la niña bart, la que nunca habla y ese tipo gordo… como lo odio !!!”
”ohh marge, mi gran reina.. Y lisa.. Mi amada princesa… y como olvidarme del niño rata…”

-bart: estamos organizando excursiones para padres e hijos
-homero: je je…tú no tienes hijos!

-agente del fbi (scully): esto es un detector de mentiras, si usted dice una mentira, la máquina lo notará y nos avisará…. ¿comprende?
-homero: ¡si! (y la maquina explota)

-marge: homero!,homero!.
-homero: aalo
-marge: homero, hay un hombre que puede ayudarte
-homero: batman!?
-marge: no, es un cientifico
-homero: batman es un cientifico
-marge: que no es batman!!!

Homero: ya llegamos a la india?Apu: no!Homero: ya llegamos a la india?Apu: no!Homero: ya llegamos a la india?Apu: no!… aveeeer. Ya!

Homero: oiga, uno de estos dias nosotros los ciudadanos vamos a enfrentarnos a ustedes policias corruptos..- jefe gorgori: ¿en serio?…. ¡¡oh no!!…..¿ya fijaron la fecha?
Dra:” esta operacion le puede aumentar su capacidad mental o lo puede matar ”” mmmmmm…. Aumentar mi capacidad para matar, trato hecho! “
Quien es usted?(no le digas, di un nombre falso)homero simpsond’ou!Ah… simpson…
Borrate flanders!

Marge: homero tienes una familia de sarigueyas aqui
Homero: a la grande le puse cuca

Jefe gorgory: vamos a ponerlo asi…… mi amigo se llama billetin !!!! Ha visto algun billetin por aquiiiiiii ?????
Homero: noooooooo el es bart

Jefe gorgory: hmmmmmmmm…………ponga mucha atencion y vea como guiño el ojo al hablar …..de acuerdo?
Homero: si señor !!!!
Jefe gorgory: el hombre que busco en realidad ……….guiño………es Donsoborno …….guiño …guiño….
Homero: hay que lanzar los aaaaros
Jefe gorgory: bueno se acabo !!!!! Este juego se cierra

Homero: vaya…..jamas bebere una cerveza
Venderor ambulante: cervezaaaaaaaa !!!!!!!!!!
Homero: deme dieeeeeeez!!!!!!!!!

Lisa: no debes hacer lo que burns te diga solo por dinerohomero: señor burns, no seguiré haciendo lo que me diceburns: y si le doy … estohomero: mmmmlisa: como puedes vender tu dignidad asíhomero: shh lisa, los adultos están hablando.

Examen para que homero se gradue de la secundaria: homero para sus adentros: cerebro yo no te agrado ni tu a mi , asique hagamos esto y seguire matandote con cerveza.Conciencia:hecho!
Homero: muchacho, como le rompiste los dientes a tu abuelo, ahora él te va a romper los tuyos!!
Marge le pide a homero q deje de tomar cerveza…..
Homero: hecho, desde mañana ni una cereza mas.
“hola vengo a recoger un paquete, me llamo señor burns”y digame señor burns cual es su primer apellidoah se me olvido
Marge: tenemos 4 hijoshomer: marge, el perro no cuenta.Marge: homero!!! Maggie…
Bart y lisa : que nos traeras de cenarhomero : si se portaron bien pizza , si se portaron mal emm….veneno !
- “ya tengo suficientes cosas que recordar.” Se mira la mano y tiene escrito lenny = blanco carl = negro
“niños les voy a contar de otro hombre malo… tenia el cabello largo e ideas extrañas y el no sabia porque la gente decia que era extraño, ese hombre se llamaba.. Ah.. Eh… se me olvido, pero el caso es que… se me olvido tambien… marge tu sabes a que me refiero, el que tenia un auto azul…”
Marge, sabes cuántos recuerdos tengo? Tres: formarme para ver una película, hacer la copia de una llave y estar aquí hablando. En 38 años solo eso he logrado- tienes 39- ahhhhhhhh
Homero: estúpidas películas. Quién inventó estas cosas tan ridículas? Fuiste tu bart?Lisa: fue thomas edison papábart: él inventó la bombilla?Lisa: eso también. Él inventó el fonógrafo, el micrófono y el auto eléctrico.Homero: ningún hombre puede hacer todo eso. Eres una embustera, asquerosa y tramposa.
Robar? Cómo pudiste? No has aprendido nada del que nos da los sermones en la iglesia, ese capitán no se qué? Vivimos en una sociedad de leyes. Por qué crees que alquilo las películos de academia de policias? Por diversión? Pues no, yo no oí reir a nadie. Y tu? Solo con ese de los ruidos. Bbbrbrbrbr iiiirrhh ,brbababrba jajajaj, arrrhhhghghg. En que estaba? Ah, sí, no te robes mi cerveza.
Homero: hay dos maneras de hacer la cosas marge .. La incorrecta y al estilo max power ..Bart: esa no es la incorrecta ?Homero: si pero es mas rapida.
El abuelo sentado en la mesa con lisa despues de q lisa dice lo q va a hacer (”lisa contra la baby malibu”)abuelo: voy a salir de mi retiro, conseguir trabajo y la malibu, y la baby maaaa….señora….invento…..yo….joven…..auxilio
Bart preparandose para la cita con la hija del reverendo alegria, homero y marge mirandolo:marge: es incrible que nuestro chiquitin ya tenga una cita:homero: amanecer, ocaso, amaneceeer ocaaaso… los pastorcitos de belen corren presurosos, llevan de tanto correr sus zapatos rotos…marge (consolandolo): ya esta bien homerohomero: no entiendes marge,, tienen los zapatos rotos,,, pobres pastorcitos!!!!
Estaban los simpson en el helicoptero de tomy y daly y el piloto dice:bienvenidos a la tierra de tomy y daly, donde nada puede malir sal. Digo, salir mal. Es lo primero que sale mal.
Homero:soy “don barredora” y le vengo a limpiarla puerta de su casa pa’que pueda trabajartengo un camión que mueve toneladasyo soy un campeón para las heladas.-lisa: papá, prométeme que nunca lo volverás a hacer.-homero: bueeno.
Homero había pasado toda la noche comiendo queso
Marge (a la mañana siguiente) - homero! Estuviste toda la noche aquí comiendo queso amarillo?Homero - creo que estoy ciego…ou….
Hmmmmmmmmmmmm crimen organizado“bart seria juez de la suprema corte, podria recorrer el mundo, londres, las filipinas…hamburgo…….hmmmmm,*babeo* hamburguesas”
El detective le pregunta a flanders:-es usted el varon de la cerveza?-de la cervecirijilla de raiz culpabilillo pillo amigocho ocho.-llevenselo, esta ebrio.
Homero cominedo mani en el sillon, de repente se le cae uno, revisa debajo y encuentra 20 dolares.
Ayyyy yo quería mani. El dinero puede comprar mucho maní, explica cómo? El dinero se cambia por productos y servicios. Ahhh. Pero yo quería manii
…yo se como te sientes bart a tu edad quería un futbolito eléctronico con todas las ganas, mis padres me los compraron y fue el mejor día de toda mi vida
- reverendo alegria: ‘te gustaria ser misionero’ llevarás la palabra de jesús. Subiendolo al avionhomero: ‘misionero!?! Pero si yo ni siquiera creo en jebús!’
Reberendo alegría: ves una luz homero?Homero: sireberendo alegría: ve hacia la luz hijo miohomero: auuuuuuuuu!!!
Para iniciar presione una tecla cualquiera¿cual es cualquiera?Veo la esc, ctrl, imprpantno tiene tecla cualquiera!!!Ay, tanta computacion me dio sedcreo que aqui hay cerveza tab
Lisa: recuerden, es mejor estar callado y ser tomado por tonto que abrir la boca y despejar las dudashomero: ¿que dijo?Cerebro de homero: ¡di algo o van a creer que eres un idiota!Homero: a lo hecho, pecho.Cerebro de homero: muy bien
Cuando va con apu a la india a buscar al rey de los supermercados….Despues de que homero preguntó mil veces si ya habian llegado a la india.. Por fin llegan… y:
Rey: por haber venido hasta acá les concederé 3 preguntas.Apu: que bueno porque solo necesitamos una.Homero: es usted el rey de los supermercados?Rey:sihomero: de veras?Rey: sihomero: usted?Rey: asi es. Espero haberlos iluminado….hasta luego vuelvan pronto…homero: no le veo lo grandioso, en serio es el jefe de los minisuper?
Cuando acusan a homero de comunista:abuelo: mi homero no es comunista !!Podrá ser ladrón, homosexual,comunista, pero nunca unaestrella porno
Cuando homero se choca viendo esquiar a flanders en pantalones ajustados¡¡¡¡¡estupido y sensual flanders!!!!!!

Homero: bien hijo en tu primer dia de escuela te voy a pasar el gran consejo que mi padre me dio(homero se imgaina a su padre y el de niño)abe simpson: homero eres tonto como una piedra y feo como una blasfemia, si un extraño ofrece llevarte….te subes!!!Homero: malditos traumas de la niñez!!!!!
Homero: primero se lo hicieron a jesus y ahora a mimarge: te atreves a compararte con el señor?Homero: en como juego a los bolos si.
En el capitulo que homero va al pasado
Homero: voy a seguir los consejos que me dio mi padre el dia que me case.Abraham en recuero: si llegas a viajar al pasado no toques nada!!
No es erudito hijo, “eructito hijo, se dice eructito.”
Cuando homero conoce a los smashing pumpkins:
Hola “soy homero simpson, de los simpsonitos.”
Homer: ay! Como me gustan los sábadosmarge: ¡es miércoles!Homer: ahhhh ( y sale corriendo)homer: ay! Como me gustan los sábados…no como ese miércoles-sábado en el que casi me echan de la central
Homer: ay! Como me gustan los sábadosmarge: ¡es miércoles!Homer: ahhhh ( y sale corriendo)homer: ay! Como me gustan los sábados…no como ese miércoles-sábado en el que casi me echan de la central

Aquí un video, podria poner cientos...pero lamentablemente la Twentieth Century Fox, ha decidido reclamar el copyright y hacer retirar la mayoria de videos de los Simpson en youtube. Más aquí va un recopilatorio del buen Homero:

Michael Hedges

2007-10-21T10:59:00.000-05:00

I’m not trying to play the guitar. I’m trying to play music.
Michael
Hedges

Cuando uno toca guitarra uno enfoca su mente a la creación de música en base a acordes y riffs, consumando su talento en los diversos aspectos que brinda este instrumento, ya sea en el rasgueo o en el palm muting, incluyendo el tapping, pero siempre con el espíritu de un guitarrista, sin embargo, a veces, como elegido distinguido del tiempo, viene a dar con la música cierto individuo que no crea melodías para la guitarra, sino bellas canciones instrumentales y al ejecutarlas en esta, cambia todo para todos, este era el caso de Michael Hedges, quien no era un guitarrista sino un compositor enamorado del instrumento.
La técnica de Hedges es impresionante pues se basaba en el tapping y el slap para crear melodías experimentales en la guitarra acústica, muchas veces innovaba tocando en la “harp-guitar” que es una guitarra con 6 cuerdas en el primer mango y un segundo inmediatamente arriba del primero (con 4, 5 o 6 cuerdas a la manera de bajo), esto le daba una capacidad mayor de marcar un ritmo palpable y a la vez jugar con la melodía, también es muy destacable su uso de las notas armónicas usándolas incluso como parte primordial en canciones.
En el año 1997 Michael Hedges murió a los 40 años en un accidente de transito, su automóvil cayo a un barranco tras resbalarse por la intensa lluvia que había dejado a la pista completamente mojada.
Multifacético, poli musical, un total talento; Michael Hedges se definía a si mismo y a su estilo como ”, “heavy mental”, violent acoustic “acoustic thrash”, “new edge”, “edgy pastoral”, “savage myth”, “deep-tissue gladiator guitar”, “wacka-wacka”, sin embargo su técnica influencio a muchos guitarristas de Folk y de rock, para conocer mas sobre el pueden entrar a http://www.nomadland.com/, sin mas preámbulo les presento a Michael hedges tocando aerial boundaries, “silent anticipation”, “cello suite Nro 1 en sol mayor” de Bach, y “because It´s there”

Historia de la Espadas más Famosas

2007-10-20T16:11:00.000-05:00

Las espadas siempre han estado en la mente de todo niño o niña que alguna vez haya imaginado las leyendas de los caballeros, reyes, samuráis, etc. Su majestuosidad de gran belleza y su uso letal han llamado la atención del hombre, desde que el mismo concibió aquel bello y terrible instrumento. A Continuación una breve reseña de las espadas más famosas y un pequeño intento taxonómico de estas tan solo a grandes rasgos.

Florete Francés – Mosqueteros

El cuerpo especial de los mosqueteros fue creado en 1622 por Luís XIII, exclusivamente para el servicio y protección del rey. Más tarde Alejandro Dumas se inspiraría en esta guardia real, para escribir “Los tres Mosqueteros”, la historia de los entrañables Athos, Portos, Aramis y…D`Artagnan.

Mandoble español – El Cid

“Tizona" y "Colada", son un ejemplo de típica espada española o mandoble que pertenecieron al "EL CID CAMPEADOR" el Caballero castellano Rodrigo Díaz de Vivar durante el Siglo XI. Al servicio del rey Alfonso VI se convirtió en Prototipo del caballero justo y leal.

Claymore – Britania y Alemania

Esta sea probablemente el tipo de espada más famoso, conocido por todos en la figura de Excalibur, la legendaria espada del Rey Arturo. La claymore era larga y pesada, y requería una gran fuerza. Fue usada por los bárbaros celtas y posteriormente durante la edad media en Europa central y Britania.

Espada Vikinga – Bárbaros y Nórdicos

Se trata de una espada diseñada para infringir el terror absoluto, su brutal tamaño de ancho y longitud, solo podía ser soportado por un guerrero con las mismas cualidades. Su maniobrabilidad no era fácil, más su peso la hacia ideal para un solo y certero golpe.

Cimitarra – Espada Árabe

La cimitarra o alfanje, fue la espada más usada por los árabes, poseía buena maniobrabilidad y un corte limpio, la afilada hoja era liviana, pero certera. Más su característica principal sin duda era su pronunciada curvatura y ensanchamiento hacia la punta, propiedad que la hacía un arma de temer.

Gladius – Espada Romana

El gladius fue el arma romana por excelencia, su poco tamaño era ideal para el combate cuerpo a cuerpo y el complemento perfecto para las falanges. El escudo completaba la utilidad de la gladius, una espada ancha y puntiaguda, diseñada para el estique directo, causando grandes daños.

Espada Templaria

Su diseño era básicamente igual al de las Claymore, siendo algo más anchas, eran precisas para el corte y estoque. Durante las cruzadas el oficio de armero ganó gran fama y prestigio, de esta época datan algunas de las espadas mas finamente acabadas, con bellos arabescos.

Katana – La espada del Samurai

La Katana es la espada por excelencia, posee el corte perfecto, siendo capaz de cortar con presición mecánica a un ser humano desde el cuello hasta la ingle un solo y limpio trazo. Su elaboración de aleación de acero y carbón la hacen flexible y le confiere una propiedad casi irrompible. Las katanas fueron el arma principal del ejército y guardia real japonesa, durante siglos, de un carácter sagrado, la espada aun se sigue usando en ceremonias de importancia.

The Velvet Underground and Nico

2007-10-20T00:59:00.000-05:00

Como fanático del shoegazing y del rock en general me veo en la obligación de comentar y acercarles uno de los discos más perfectos de la historia musical: The Velvet Underground, ópera prima de la banda homónima, acompañados de la cantante y modelo alemana Nico.

Lou Reed, John Cale, Sterling Morrison y Maureen Tucker, junto a la ya mencionada Nico, dieron vida a uno de los álbumes más influyentes de todos los tiempos, y catalogado como un enorme paso por su calidad de experimentación, de avant garde y el espectacular concepto creado detrás de la producción, en el cual influyó de sobremanera el hecho de haber trabajado en The Andy Warhol’s Factory.

Otra vez en la década del 60, exactamente en 1967, una agrupación cambiaría el rumbo de lo hecho anteriormente y golpearía en el rostro a todos, con alevosía, rebeldía y a la vez magistral batuta, marcando un hito sorprendente. Desde la portada, el famoso plátano diseñado por Warhol, y la inscripción “Peel slowly and see” (Pele despacio y observe) podemos sentir una renovación radical (en ediciones originales, la cáscara podía retirarse y dejar al descubierto la banana pelada) muy propia de la naciente cultura pop.

La apertura es con Sunday Morning, una de las canciones más hermosas del álbum, donde la voz de Reed asemeja en efecto la suave alba dominical, introduciéndonos suavemente en el torbellino genial que engloba todo el disco. I’m waiting for the man, malinterpretada como canción homosexual, relata a un hombre a la espera de su abastecedor de drogas.

Posteriormente encontramos Venus in furs, con un extraordinario uso de la viola por parte del buen John Cale, y que aborda temas como el sadomasoquismo, sumisión, etc. Heroin, la canción más popular probablemente, es una descripción detallada de lo que siente un consumidor de esta droga, acompañada de una espectacular batería por parte de Maureen, que empieza suave, acelera y vuelve a descender, en una sucesión que asemeja los ritmos cardíacos de la persona que ingiere la sustancia.

En general, son 11 temas extraordinarios que abordan aspectos muy controversiales como el consumo de drogas, el sexo y en particular, el hecho de no condenarlas sino de tocarlas sin complejos ni tabúes, lo que originó muchos comentarios en su época. Aún así, fue una consecuencia que siempre le toca pasar a cualquier trabajo que rompe esquemas y que ahora figura entre lo más destacado de la historia del rock and roll. Espero disfruten esta joya.

Descargar The Velvet Underground (1967)

The Diablo Swing Orchestra-"The butcher´s ballroom"

2007-10-15T22:59:00.000-05:00

The Diablo Swing Orchestra, una banda con una propuesta diferente, logran mezclar de forma excelente tanto el metal como ritmos clásicos incluyendo el swing, el blues, e influencias flamencas; en una realidad donde las bandas de fusión invaden las diversas escenas, esta agrupación sueca destaca.
La historia del nombre se remonta hasta el siglo 16 donde existía una orquesta que embelezaba a las masas, se les dio el nombre de la orquesta del demonio, por idea de la iglesia, la cual la atacaba por la forma en la que expresaban ideas subliminales en su música, la persecución de la iglesia llego a tal punto que resolvieron en matar a los miembros de la orquesta, por lo que estos decidieron dar un ultimo concierto con asistencia masiva, una vez terminado el concierto los miembros fueron apresados y condenados a la horca, esto le da justificación al curioso estilo rustico y fuerte que destaca a DSO, hasta la fecha solo han publicado un EP, “Borderline Hymns” (2003) y un cd, “The Butcher´s Ballroom” (2006) (click en la imagen para descargar)

Alineación:
- Andy Johansson - bajo
- Johannes Bergion - cello
- Annlouice Loegdlund - voz soprano
- Andreas Halvardsson - batería
- Daniel Håkansson – guitarra, voz
- Pontus Mantefors – guitarra, efectos

Pet Sounds

2007-10-12T18:35:00.000-05:00

Llegamos a los cien artículos publicados después de más de cuatro meses, durante los cuales, tras muchos altibajos, hemos tratado de acercar la cultura a todo aquel que ingresaba a nuestro blog. Y humildemente seguiremos intentando ser un medio al cual puedan recurrir con algún pedido o duda.

Para esta oportunidad, he querido enfocarme en uno de los discos más espectaculares que haya podido escuchar. Ensalzado por la crítica comercial, la independiente, por gente mayor y jóvenes, quienes quedan inevitablemente maravillados con la perfección de su música. Me refiero a Pet Sounds de los Beach Boys, un disco repleto de canciones hermosas, con letras notables y un desenvolvimiento musical eximio.

Sin ánimos de desmerecer el trabajo de toda la banda, debo aclarar que todo el álbum proviene del genio creativo del grandioso Brian Wilson. Uno de los pocos magos de la música que sobreviven en la actualidad y al que muchos deben respeto y agradecimiento por semejante pieza, tan influyente en tantos estilos, y tan inspiradora para la creación en sí misma.

Conozco la música de los Beach Boys y debo confesar que no es de mi total agrado. Temas de rock and roll y surfing, música de moda en aquellos tiempos; pero fue Wilson, incluso ante la negativa de sus compañeros, quien se atrevió a dar un paso más allá, creando un disco trascendente en un intento de competir con los maravillosos Beatles. Y vaya que lo logró. En 1966 salió al mercado esta joya, que se pensó en ser lanzada como trabajo solista de su creador, pero que se mantuvo como fruto de toda la agrupación. El enorme cambio y la abismal diferencia con otros trabajos de los ‘chicos de la playa’ desencadenó un rotundo fracaso comercial, pero la total satisfacción de Wilson.

El disco fue grabado en sonido monoaural y no éstereo, debido a la sordera de un oído de Wilson, detalle que otorga mucho del característico estilo del álbum. No puedo hablar de Beach Boys como banda pues el resultado de su análisis sería negativo, pero sí puedo afirmar que Pet Sounds, como disco aparte, destaca sobre otros grandes como Sgt. Peppers o Revolver de la banda de Liverpool. Debo aclarar que hablo de gustos personales. Y tampoco puedo destacar a la banda en conjunto, pues creo que el 99% del trabajo recae en el genio al que ya hice referencia.

Quisiera destacar canciones hermosas como God only knows y I know there’s an answer, puntos álgidos dentro de la propia obra maestra y que difícilmente pueden dejar de producir sentimiento alguno en el oyente.

Es así como dejo esta maravillosa pieza para su disfrute y espero que, tras estos 100 artículos, vengan muchos más, contando con su participación en el intento de extender el arte y la cultura entre la gente. Hasta otra oportunidad.

Descargar Pet Sounds

En lo absoluto.

2007-10-12T01:12:00.000-05:00

Dejándose llevar a un laberinto de traiciones.

En donde el eslabón oculto, fue encontrado ante un destrozo inminente.

Apartándose entonces de una esperanza fugaz.

Una confesión superflua,

Una explicación innecesaria,

Un acto tan prolijo.

Cavaron un hoyo...

Solo, ahonda su propia tumba,

Solo, esperando que las insinuaciones se conviertan en pasado...

Sola, esperando una ultima caricia, antes de adueñándose de aquella tumba,

Sola, no busca solución,

Sola, soñando en el ultimo recóndito compartido.

Queriendo cambiar esta pesadilla por la utopía antigua...Adueñándose de la expectativa de no cambiar su realidad, en lo absoluto!...

The First Lady of Song

2007-10-12T00:48:00.000-05:00

La primera dama de la canción

"Yo nunca sabía cómo nuestras canciones eran buenas hasta que oí cantar a Ella Fitzgerald"

Ella Fitzgerald, conocida por todos como la dama Ella, dio al mundo de la música, la realización plena, distinguiéndose en el mundo jazzista.
Cantante estadounidense, su repertorio musical se amplió de forma exorbitante, en donde incluye swing, blues, bossa nova, samba, gospel, calypso, etc.
Considerada, junto con Billie Holiday y Sarah Vaughan, como la cantante mas importante e influyente de la historia del jazz. Dotada de una voz extraordinaria, con un rango vocal de tres octavas, destacando su clara, fascinante y precisa vocalizacion, conjuntamente con su capacidad innata de improvisación, sobre todo en el scat, técnica que desarrollo en los años 40’ y que anuncio el surgimiento del bop.
Ganadora oficial, de 13 premios Grammy, fue galardonada con la Medalla Nacional de las Artes y la Medalla Presidencial de la Libertad de Estados Unidos, Ella, es todo un conjunto de improvisación y fiel don que acompaña cada segundo de alegre, melódica y dramática participación vocal.
La vida de tal iniciadora del jazz, que particularmente me atrajo, yaque, muestra el gran desempeño vivencial, de donde es participe cada minuto.

"La mujer como Ella te hacen sentir cosas que no sabía que habían desaparecido de su vida"

Nacida en Newport News, Virginia, EEUU, una situación de pobreza permanente, fue su larga acompañante desde temprana edad.
En 1932, la madre de Ella murió tras un grave accidente de tránsito.
Este ambiente dramático, condicionó el comportamiento de Ella, que tuvo frecuentes problemas con el absentismo escolar, e incluso, con la policía, lo que la llevó a ser internada en un reformatorio. A pesar de ellos, sus huidas de éste y de casa eran frecuentes.

Ya de pequeña gustaba de bailar y cantar en un club escolar y en el coro de la Bethany African Methodist Episcopal Church. Aprendió a tocar el

piano, escuchó atentamente la radio y estudió todas la grabaciones que salían de Louis Armstrong y las Boswell Sisters.

Debutó como cantante a los 16 años, en 1934, en el Harlem Apollo Theater de Nueva York, ganando el concurso Amateur Night Shows con la canción Judy interpretada al estilo de su ídolo Connee Boswell. Tras una breve colaboración con la banda de Tiny Bradshaw, Ella consiguió entrar en la orquesta de Chick Webb.
Comenzó a cantar con la banda de Chick Webb en 1935, en el Savoy Ballroom de Harlem. El crítico George T. Simon escribió en la revista Metronome en enero de 1936: "Aquí tenemos a la número uno de 1936...Ella Fitzgerald...la joya de 17 años que canta en el Harlem' Savoy Ballroom con la estupenda orquesta de Chick Webb con su gran aptitud natural para el canto...una de la mejores...no hay razón para pensar que no llegue a ser la mejor dentro de un tiempo".

Grabó una serie de éxitos con ellos, incluyendo If You Can't Sing It, You'll Have to Swing It, pero no fue hasta la grabación de su versión de la

nana A Tisket A Tasket, en 1938 cuando alcanzó directamente el estrellato. Durante esta etapa, Fitzgerald era esencialmente una cantante de pop y swing que daba lo mejor de sí en las baladas. Tenía ya una hermosa voz pero ni improvisaba ni practicaba todavía el scat, como luego se ve representando.
Comenzó su carrera en solitario en 1941. Cantó con the Ink Spots, Louis Jordan y The Delta Rhythm y en 1946 empezó a cantar con regularidad para los conciertos de Norman Granz Jazz at the Philharmonic (JAP).

Un gran cambio se produjo en el estilo de Ella durante este período. Estuvo de gira con la banda de

Dizzy Gillespie y adoptó el bebop como parte de su estilo, comenzando a incluir fragmentos de scat en sus interpretaciones.
Sus grabaciones de "Lady Be Good", "How High the Moon" y "Flying Home" durante 1945-1947 se hicieron muy populares y su estatura como una de las primeras voces del jazz se asentó exorbitantemente.

Tras aparecer en la película de 1955 Pete Kelly's Blues, Ella firmó por fin con el sello Verve de Norman Granz y durante varios años grabaría los famosos Song Books de los grandes compositores estadounidenses de música popular: Cole Porter, los Gershwins, Rodgers & Hart, Duke Ellington, Harold Arlen, Jerome Kern y Johnny Mercer. Aunque (con la excepción de los discos sobre Ellington) no fueron sus interpretaciones más jazzísticas (pues Ella se apegaba a la melodía e iba acompañada de un gran orquesta de cuerdas), el resultado fue memorable, sin lugar a dudas. Siendo en 1960, donde graba su concierto en Berlín, convirtiéndose paulatinamente en su disco más importante para Verve.

Ya ciega a consecuencia de la diabetes que le toco padecer, en 1993 perdía sus piernas, y un tiempo después fallecía en Beverly Hills, California.
De ella su compañero y amigo Duke Ellington dijo "Ella Fitzgerald está más allá de cualquier categoría". Sus restos se encuentran en el Cementerio Inglewood Park de Los Angeles, California.

En lo más alto del Olimpo de las cantantes de jazz, se encuentra una increíble iniciadora, cuyo profesionalismo y talento inigualable, han quedado asombrosamente marcados en lo que respecta los inicios de la música estadounidense. Siendo de mayor gusto mío, su fascinante improvisación en el escenario, cuya atención y demostración marcadamente de mi compás, son demostrados a cada segundo de transcurso melódico.

Guillaume Apollinaire

2007-10-11T21:00:00.000-05:00

La escuela francesa ha sacado a la luz una cantidad enorme de artistas, entre éstos, maravillosos literatos. Pues bien, tras sendos homenajes a Baudelaire, Verlaine y Mallarme y ad portas de un especial de Rimbaud, quiero presentar a Guillaume Apollinaire, poeta, novelista, dramaturgo, ensayista, pintor y crítico de arte nacido en Roma pero criado en Francia desde muy temprana edad.

Tuvo una vida agitada: participó en la I Guerra Mundial, en donde resultó herido; fue implicado junto a su amigo Picasso en el robo de la Monalisa, por lo que estuvo preso una semana. Además, en 1917, dos años después de ser herido, murió víctima de la epidemia de gripe española.

Su obra está muy influenciada por el simbolismo, sin embargo, su talento le permitió integrar en gran manera la literatura clásica con toques muy modernos. Se desenvolvió en círculos intelectuales y mantuvo amistad con personajes como Pablo Picasso, Andre Breton, Jean Cocteau, Marc Chagall o Marcel Duchamp. Su conocimiento del arte le permitió colaborar con la formación del cubismo (es famoso su ensayo Los pintores cubistas), acuñar términos y estilos en el surrealismo y el dadaísmo (con inspiración del Marqués de Sade, a quien admiraba) y muchas otras corrientes de revolución artística.

Escribió poemarios célebres como Alcoholes, dramas como Las tetas de Tiresias y novelas eróticas entre las que encontramos Las explosiones de un joven Don Juan y Las once mil vergas, obras que dieron cabida a censuras y polémicas extremas en la época.

Pero una de las cosas más llamativas de Apollinaire, y la que más me atrajo hacia la investigación de su trabajo, fueron sus famosos, y póstumamente publicados, caligramas, donde la disposición de los versos toman una forma gráfica que dotan de mucha expresión al poema. Obviamente él no los creo, sino que los tomó de influencias hindúes y helenísticas, pero su aplicación aceleró el gran giro que tuvo el arte en el siglo XX.

Apollinaire se convierte así en un referente para la vanguardia y la literatura contemporánea, y un artista que vale la pena estudiar en aras de un desarrollo cultural además de un goce espiritual que solo el arte puede ofrecer.

Fotografía

Tu sonrisa me atrae como
Me atraería una flor

Fotografía tú eres el hongo oscuro
De la selva
Que es su belleza
Los blancos ahí están
Claro de luna
En un jardín pacífico
Lleno de aguas vivas y de jardineros endiablados

Fotografía tú eres el humo del ardor
Que es su belleza
Y hay en ti
Fotografía
Lánguidos tonos
Donde se oye
Una melopea

Fotografía tú eres la sombra
Del Sol
Que es su belleza.

Warmen

2007-10-11T20:09:00.000-05:00

Janne Vlijammi Wirman apodado “warman” es tecladista de la banda de metal fines “Children of Bodom” y uno de los mejores del mundo, creando riffs explosivos y melodicos ha venido trabajando con children of bodom desde 1995 y por el momento se encuentran preparando lo que seria su 6to álbum en estudio, sin embargo también se aventuro en un proyecto como solista donde, con la colaboración de otros músicos, Explotaría por entero el instrumento del teclado, y asi fue como el proyecto de Warmen nació, con un estilo de speed metal muy melódico las alineaciones asi como las colaboración han ido variando en los tres cds hasta ahora lanzados, cabe resaltar que los tres están basados en la película “Amadeus” y contienen frases de la misma además que cada cd contiene una canción tributo a Salieri, no pretendo efectuar criticas ni reseñas que cada uno saque sus propias conclusiones, sin embargo puedo afirmar que no los decepcionara, Disfruten (click en la portada del disco para descargarlo)

Unknown Soldier 2000

Alineación:
- Janne “warman” Vlijami Wirman – teclados.
- Sami Virtanen - guitarra.
- Mirka Rantanen - batería.
- Roope Latvala (children of bodom, sinergy, stone) – guitarra.
- Jari Kainulainen (stratovarius)- Bajo.
- Kimberly Goss (sinergy) – vocal.

Beyond Habilities 2002

"A young man trying to impress beyond his abilities, too much spice too, um...too many notes."

Alineación:
- Janne “warman” Vlijami Wirman – teclados.
- Sami Virtanen - guitarra.
- Mirka Rantanen - batería.
- Lauri Porra – bajo.
- Antti Wirman (Kotipelto) – guitarra.
- Timo Kotipelto (Stratovarius) – voz.
- Pasi Nykänen (Throne of chaos) – voz.
- Kimberly Goss (Sinergy) – voz.

Accept The Fact 2005

"If the public doesn't like one's work. one has to accept the fact, gracefully."

Alineación
- Janne “warman” Vlijami Wirman – teclados
- Sami Virtanen - guitarra
- Mirka Rantanen - batería
- Lauri Porra – bajo
- Timo Kotipelto (stratovarius) – voz
- Marko Vaara – voz
- Jonna Kosonen – voz
- Alexi Laiho (children of bodom) - voz

Hellraiser - Clive Barker´s Hellbound Heart

2007-10-11T19:18:00.000-05:00

Todo aquel que haya leído la obra del escritor británico Clive Barker sabe que hay una serie de temas que se repiten constantemente: realidades paralelas, estética sadomasoquista, y la inevitable e indisoluble unión del sexo con la violencia física y la perversión moral. Todos esos temas están presentes en su primer (y hasta la fecha, mejor) esfuerzo como director, Hellraiser (1987), innegable clásico ochentero y una de las películas de terror más paradigmáticas de todos los tiempos.

La trama de Hellraiser gira alrededor de un artilugio: la Configuración de los Lamentos, un puzzle cúbico que abre las puertas del Infierno y permite la entrada de los Cenobitas, habitantes y señores de un universo de dolor eterno. El último en resolver el puzzle y caer víctima de sus guardianes, es una escoria humana llamada Frank Cotton, quien logra escapar de su prisión infernal y regresar a la tierra en la forma de un cadáver viviente. Una vez libre, se pone en contacto con su cuñada y amante clandestina, Julia, quien debe proporcionarle víctimas frescas para que pueda regenerar su perdido cuerpo. Pero Frank no sabe que los Cenobitas siempre están al acecho, y que no piensan dejarle escapar con facilidad.

Dos cosas son las que hacen de esta película un clásico. La primera de ellas es sin duda su estética, un elemento muy cuidado en todas las películas de Clive Barker. Desde la enigmática forma de la Configuración (ya en sí misma todo un icono del género fantástico) hasta la apariencia sexualmente ambigua y fetichista de los Cenobitas, el mundo de Hellraiser se nos presenta como un lugar oscuro pero a la vez hermoso.

La obsesión por las perforaciones, la profanación de la carne por el metal y la plasmación visual del dolor constante es algo que está presente en toda la película, y ciertamente ayuda mucho el hecho de que, incluso tras casi veinte años de su estreno, los efectos especiales sangrientos están muy bien hechos (la secuencia en la que vemos a Frank Cotton regenerarse a partir de una mancha de sangre en el suelo sigue siendo tan increíble como entonces), si bien algunos efectos digitales del final (rayos eléctricos más que nada) son realmente malos al punto de la risa. Pero sin duda, el centro neurálgico de la cinta lo constituye el inmenso Doug Bradley, que interpreta al líder de los Cenobitas (Pinhead, para los fans), auténtico ídolo del cine de terror y la mayor presencia de toda la saga, a pesar de que en la cinta su presencia es mínima. Bradley (amigo de Barker de toda la vida) ha hecho de este personaje una auténtica gloria para siempre asociada a él, siendo el único personaje que se ha mantenido a lo largo de las ocho entregas.

El otro elemento que define el éxito de la película es su genuina perversidad. Desde el inicio de la historia, lo que nos muestra Clive Barker es una situación doméstica en la que dos personas inocentes (Larry Cotton y su hija Kristie) son auténticas presas del Mal, un mal que sólo puede ser combatido por medio de la intercesión de uno mayor. Los personajes de Frank y Julia son auténticas plagas humanas, seres pervertidos y malévolos sin ningún tipo de lealtad más que hacia su sadomasoquista relación; el carácter del sadomasoquismo es crucial para la película, ya que desde el principio hemos visto como el principal atractivo que Julia ve en Frank es el hecho de que él la trata como basura. Es obvio que todo el esfuerzo narrativo de Clive Barker está centrado en estos dos personajes, ya que los "héroes" (Kristie y su novio) son un par de tortolitos atolondrados cuya única posibilidad de éxito yace en su alianza con las fuerzas de las tinieblas.

Tras casi veinte años, Hellraiser continúa siendo un clásico, a pesar de las realmente malísimas secuelas realizadas por directores que no podemos llamar más que amateurs y que no hacen sino dar mala fama a un clásico del cine de horror. Barker dirigiría la secuela Hellraiser II-The Hellbound Heart, muy recomendable tambien, pero sin llegar a superar la primera y dos películas más, Razas de noche (1990) y El señor de las ilusiones (1995), que no lograrían alcanzar el nivel de su ópera prima. Está claro que sus mayores talentos son como escritor, pero con esta película coincidieron todos los elementos necesarios para obtener una obra maestra que todavía tiene que superar, o al menos, igualar.

Ian Curtis - Control (Avance y banda sonora)

2007-10-06T16:45:00.000-05:00

Uno de las figuras más enigmáticas dentro de la música de los últimos años fue sin duda Ian Curtis. Vocalista de la mítica banda Joy Division, se convirtieron en los más importantes representantes del post punk. Este género tomó la rabia del punk para expresar la fuerza adolescente, pero con un tono más sombrío y depresivo, llevando las notas a abismos extremos de desolación y ensimismamiento.

Curtis, quien sufría de constantes ataques epilépticos, sufrió durante mucho tiempo el martirio de los conciertos que, poco a poco, deterioraban su salud. Además de esto, los problemas en su matrimonio producto de su relación adúltera con una periodista búlgara, lo atormentaron y cargaron de remordimientos que lo alejarían de su pequeña hija, del trabajo con su banda y que, el 18 de mayo de 1980, a los 23 años, lo llevarían a suicidarse ahorcándose en su hogar luego de oír un disco de Iggy Pop y ver una película de Herzog.

En el poco trabajo que realizó con su banda, dejó un legado impresionante, con un estilo que revolucionó conceptos, un lirismo profundo y depurado en las letras y un sentimiento que sirve de influencia a muchos artista de la actualidad.

Este año se ha presentado en festivales y salas comerciales del mundo la nueva película que aborda su vida, Control, del director Anton Corbijn, una cinta que promete mucho por su temática, su ambiciosa puesta en escena, la buena reputación de Corbijn y la vida de un ícono generacional para muchos jóvenes.

Dejo el video con los avances de la película y un enlace de descarga de la banda sonora, que cuenta con temas de bandas como New Order (ex miembros de Joy Division), The Velvet Underground, David Bowie, Iggy Pop, Sex Pistols y, por supuesto, la banda del desaparecido cantante. Disfrútenlo.

Descargar soundtrack de Control

Kreator en Lima - "The rise of the Flag of Hate"

2007-10-05T22:56:00.000-05:00

Chernovil fue sin duda una de las más grandes hecatombes nucleares de todos los tiempos, antes estuvieron Hiroshima y Nagasaki, una explosión atómica de inconmensurable y perversa energía…30 de septiembre Lima, Perú, Kreator, los padres del trash metal europeo desataron la energía de mil bombas atómicas en una explosión de energía cinética pura. Desde Finlandia, la banda del reconocido vocalista de Stratovarius, Timmo Kotipelto abrió el espectáculo, con canciones propias y algunas de su banda original, encendiendo la chispa y plantando los explosivos metaleros por todo el lugar, su gran calidad vocal y la destreza del invitado tecladista de Children of Bodom Janne Warman prepararon al público, como a oscuros guerreros antes de la batalla final; y ahora corría por nuestras venas el veneno de la destrucción y clamábamos como en infernal aquelarre, con demoníacos gritos la aparición de Kreator, implorando desde las entrañas por una Violent Revolution!.

Y así se dio, los alemanes hicieron una brutal entrada con este agresivo tema, que nos hizo apretar los dientes de emoción y belicoso placer de eufórica sed de sangre. Lo que siguió fue simplemente increíble, una descarga energética, como una tormenta eléctrica en un campo de imanes, Enemy of God, Imposible brutality, Extreme agresión, Pleasure to Hill, Betrayer, Phobia entre otras fueron la explosión volcánica dentro de cuatro paredes, donde cientos de personas, poseídas cuales guerreros berserkers desgarraban sus gargantas antes los infernales riffs de guitarra y la demencial voz de Mille Petrozza. It´s time to raise the Flag of hate! Durante esta canción seguida por la implacable y demoledora Tormentor, con la que cerraron el show, se dio el clímax definitivo, alcanzado todos la furia arcaica de Fenrir, saltando en coléricas arremetidas de ira primigenia. Entre mordiscos y atonías guturales, Kreator se despidió, no sin antes anunciar un pronto regreso, para tranquilidad de sus fans. Definitivamente uno de los mejores conciertos en años, un concierto orgásmico.

Luis Hernández, un poeta genial

2007-10-03T11:08:00.000-05:00

Hace exactamente 30 años se iba de este mundo uno de los poetas peruanos que más me han impactado. Si ninguna duda está entre mis favoritos, junto a Vallejo, Eguren, Eielson y Watanabe, pero algo que también dejo huella fue su personalidad: tan de artista, de poeta, de hombre. Atormentado, feliz, risueño, sarcástico, cínico y romántico. Todo eso está en su poesía y me influye en demasía en mis intentos de escribir.

Estoy hablando de Luis Hernández, un escritor genial desde todo punto de vista. Y escépticos me dirán que no. Pero no cambiarán mi opinión. Hoy leía en El Comercio, un homenaje que se le rendía: Para destacar hay que hacer exactamente lo contrario, empezando por querer no destacar. (…) había que ser consecuentemente diferente dentro y fuera de la poesía: no casarse, no tener hijos, smells like teen's spirit, no trabajar de nueve a seis ni ser un ciudadano civilmente responsable; suicidarse y suicidarse lejos. Nada más cierto; Hernández es representante del ímpetu del joven, del atrevimiento del poeta, del artista sin caretas.

Y murió en su ley, sin que nada ni nadie lo detenga. Se mató a los 36 años. Se lanzó a los rieles ante el paso de un tren en Argentina. Así de drástico. Así como regalaba sus maravillosos cuadernos, a su esposa, a su amigo escritor o a cualquiera que se le cruzara en el camino. Su obra era expresión de todas las cosas del mundo: efímeras a más no poder. Porque pensó que su trabajo se perdería, que terminaría en cenizas o mojado en un cajón. Pero no; para su mala suerte y nuestra grandiosa dicha, su arte persiste y nos queda como legado para maravillarnos.

Era médico. Y la medicina le importaba un bledo. No era su vida, no era escribir, no era vivir como quería. Su consultorio de Breña era un hoyo de donde tuvo que salir porque no tenía dinero. Y su espíritu rebelde es lo que provoca que tantos jóvenes como yo (y lo digo sin temor) lo admiremos como a un ícono. Como un ejemplo de bravura y transparencia; atributos tan escasos en nuestra actual sociedad. Aquí un ejemplo de lo que fueron sus cuadernos, para que disfruten de un poeta como pocos.

Ian Gillan & Luciano Pavarotti

2007-09-30T00:27:00.000-05:00

¿Nunca han soñado con una dupla perfecta?, dos generos que tiene tanto en comun y sin embargo son tomados incluso a veces como antagonicos, el rock y la opera, colisiniaron y se fusionaron bajo el velo de una de las melodias mas hermosas, dos de sus mejores exponentes jugaron su talento con maestria, Ian Gillan vocalista de deep purple y Luciano Pavarotti en el concierto de "Pavarotti and friends for afghanistan", que tambien conto con la presencia de otras grandes figuras como Barry White, Steve Morse, y otros miembros de deep purple como Ian Paice, sin mas preambulo les presento a Ian Gillan y Luciano Pavarotti cantando a dupla Nessun Dorma, disfruten

Creador innimente de efectos especiales.

2007-09-28T20:58:00.000-05:00

Plantando lo hiperreal en esculturas

Ron Mueck; escultor australiano afincado en Londres, ha dado un increíble salto, de creador de efectos especiales en películas, a la National Gallery, el principal museo de Londres.

¿Qué tiene este escultor que utiliza silicona, acrílico y fibra de vidrio en sus creaciones para codearse con Rembrandt, Rafael, Rubens y otros maestros?.

Probablemente la respuesta está en la perfección de sus creaciones hiperrealistas, el uso de nuevos materiales, entre innumerables talentos que ha ido adquiriendo este hiperrealista de la escultura australiana.
Sencilla e inexplicable es la suma perfección que demuestra Mueck, los detalles mas mínimos, las expresiones y lo que nos invita a discernir con sus esculturas, es total y raramente fascinante.

No encuentro palabra alguna para expresar lo visto en Internet, tan solo puedo darles a deleitarse con algunas recopilaciones de sus mejores obras; donde 3 en particular, han llamado el total asombro mío, y que dispondré a la descripción de cada una de estas, pasando seguidamente por una pequeña galería, con sus respectivos nombres.

Con una aceptación fulgurante, su primera aparición en el arte fue en 1997, cuando participó en la exhibición colectiva llamada Sensation, que se realizó en la Royal Academy of L ondon, con una escultura llamada Dead Dad. Una pequeña escultura de apenas un metro, que no pasó desapercibida para nadie. El papá muerto, con su desnudez y rigidez cadavérica, tiene un sentido irónico que no se puede evitar, como tampoco un hálito de ternura, quizás por esa suavidad de materiales que semejan la piel, y que burlan de alguna manera a la muerte.

Otra obra donde Mueck da acceso sin restricciones al cuerpo, en este caso el de la mujer, con una mirada que humaniza, sorprende, y en todos los casos le sublimiza, sucede sólo en la maternidad, representando la colosal figura de una mujer embarazada. (2 metros 60 centímetros). Un fascinante trabajo sobre la belleza de la gestación, ella; se encuentra exhausta y vulnerable.

Un tema clásico, bajo un punto de vista moderno y sin complejos.

Con sus obras este escultor no sólo hace una lograda imitación, sino que la estudiada plasticidad con que muestra sus esculturas, son más bien una invocación a la realidad deseada, ya que la vida misma tiene la necesidad de esa invocación para sentir que es real y, que posee, por tanto, un minuto de perfección.

La planta trepadora de Java - Nietzsche

2007-09-27T22:12:00.000-05:00

Diversas pruebas que el destino (el inexistente destino) nos pone a lo largo de nuestro correr dentro del mundo hacen que uno se cuestione algunas actitudes de la gente. Muchas veces tratamos de actuar de manera benévola o condescendiente; muchas otras buscamos el ostracismo absoluto para evitar el contacto; y otras tantas deseamos pasar por encima de quien busque interponerse en nuestro camino.

Estas son conductas innegables del ser humano, propias de su ambivalencia en el marco de las relaciones humanas; y no sólo en el bagaje social, sino también en sus conflictos internos. No obstante, el punto es el siguiente: ¿Debemos resistir la hostigante represión que algunos grupos aplican a otros? ¿Qué ocurre cuando el prójimo afecta tu desarrollo libre e íntegro? ¿Qué ocurre cuando se pone en juego tu propio avance, por culpa de rémoras que cruzan tu camino e impiden la limpia marcha hacia el progreso?

Todas estas reflexiones surgen a partir de situaciones, podemos decir nimias, pero que afectan de sobremanera nuestra integridad. Una vez más se recurre a la vieja historia que contaba el abuelo sobre el perro del hortelano: aquel que no come ni deja comer. Y otra vez nos sirve para referirnos a la filosofía del gran Friedrich Nietzsche y su concepto del superhombre y su desarrollo. Para muestra un botón:

“…Lo esencial en una aristocracia buena y sana es, sin embargo, que no se sienta a sí misma como función (ya de la realeza, ya de la comunidad), sino como sentido y como suprema justificación de éstas, - que acepte, por lo tanto, con buena conciencia el sacrificio de un sinnúmero de hombres, los cuales, por causa de ella, tienen que ser rebajados y disminuidos hasta convertirse en hombres incompletos, en esclavos, en instrumentos. Su creencia fundamental tiene que ser cabalmente la de que a la sociedad no le es lícito existir para sí misma, sino sólo como infraestructura y andamiaje, apoyándose sobre los cuales sea capaz una especie selecta de seres de elevarse hacia su tarea superior y, en general, hacia un ser superior: a semejanza de esas plantas trepadoras de Java, ávidas de sol - se las llama sipó matador -, las cuales estrechan con sus brazos una encina todo el tiempo necesario y todas las veces necesarias hasta que, finalmente, muy por encima de ella, pero apoyadas en ella, pueden desplegar su corona a plena luz y exhibir su felicidad.” (Más allá del bien y del mal. Aforismo 258)

Quizá sea apresurado, drástico o hitleriano tomar al pie de la letra las recomendaciones del pensador, sin embargo, esto debe ser un llamado a la conciencia de aquellos que (al parecer) disfrutan y se regodean en la mediocre labor de trabarle el paso a los demás y cumplir su ignominiosa labor de óbices de la naturaleza. Si su objetivo no es el horizonte, sino el umbroso pasado, se debería dejar el campo libre a los que buscamos avanzar.

Estimado lector, saque usted sus propias conclusiones.

Otello - Franco Zeffirelli y Plácido Domingo

2007-09-27T21:38:00.000-05:00

Otello, ¿quien no ha oído hablar de la clásica obra de Shakespeare?, ¿quién no ha sido presa alguna vez del veneno rosa de los celos? La pasión, la traición y la muerte, bien las supo abstraer el gran Giuseppe Verdi, en la ópera Otello, que compusiera en 1887, considerada su obra maestra junto con Aída, donde el compositor logró un excelso sentido de unidad y continuidad musical.

Son estos dos, referentes para la adaptación cinematográfica de Franco Zeffirelli, de la ópera de verdi. Con un espectacular reparto, el film cuenta con Plácido Domingo, encarnando a Otello, el general moro, es aquí donde el magnífico tenor demuestra además su calidad de actor, dando vida con magnífica voz y calidad interpretativa a aquella impetuosa bestia enloquecida por los celos; el papel de Desdémona recae en una musa del bel´canto, la soprano Katia Ricciarelli, quien da vida a la angelical y fiel esposa de Otello, quien se verá envuelta en la felonía de un malvado plan; que será tramado por el venenoso Jago, interpretado por el tenor latino, Justino Díaz, quien se convertirá en la ominosa araña que tejerá una historia de celos traición y desdicha, pero también de una lírica belleza parnasiana.

El largometraje se estrenaba en los cines en 1987, exactamente cien años después del estreno de la ópera de Verdi. Con loables críticas el filme fue considerado junto con La Traviata, también de Zeffirelli, una de las mejores adaptaciones operísticas al celuloide. Una película imprescindible para los amantes de la ópera y el cine, quienes podrán ver conjugados como por una suerte de enigmática unidad espiritual, al cine y el bel´canto, juntos como hermanos en el arte.

George Harrison

2007-09-27T20:52:00.000-05:00

Que me disculpen los fanáticos del maestro Lennon, pero se dice que todo ser humano debe tener su Beatle predilecto; y en mi caso, debo decir que es George Harrison. Por una u otra razón, siempre sentí cierta subjetiva simpatía hacia el menos resaltante de los cuatro genios de Liverpool. Quizá su acostumbrado perfil bajo o su aparente timidez lo convirtieron en un personaje con el cual me sentía identificado. Pero sin duda su partida en el 2001 dejó un amargo sabor en muchos de sus admiradores.

Canciones magníficas y que están en la lista de mis favoritas son While my guitar gently weeps, Something, Here comes the sun, Within you without you, o I me mine, y son todas, también, composiciones de Harrison. Fue según testimonios, el más espiritual y trascendental de todos, su contacto con la cultura y la religión hinduista lo influenciaron en sus letras, en su pensamiento, e incluso en el uso del sitar, instrumento típico de ese lado del mundo y con el cual distinguió su toque personal.

Pero no solo su carrera con los Beatles fue exitosa, sino que tras la separación, supo consolidar una espectacular carrera como solista (la mejor en comparación con sus otrora compañeros, claro está, según mi criterio) como el disco All things must pass, primer álbum triple de la historia.

Lamentablemente, su adicción al cigarro desencadenó en un cáncer metastásico que atacaría su boca y sus pulmones. En 1999, él y su mujer fueron atacados por un desquiciado que intentó apuñalarlo, suceso que lo dejaría traumatizado y lo alejaría aún más de la vida pública. Para el 2001, el cáncer se extendería hasta el cerebro para acabar con su vida el 21 de noviembre, a la temprana edad de 58 años.

Martin Scorsese y un nuevo documental

Sin embargo, una reciente noticia que ya mantiene en expectativas a los fanáticos es el anuncio de un documental que será dirigido por el renombrado Martin Scorsese, y según palabras del mismo director, se centrará en la espiritualidad del autor de My sweet Lord. La familia de Harrison proporcionará el material necesario para su realización y la producción empezará a fines de este año. A esperar entonces.

Francis Bacon

2007-09-27T20:28:00.001-05:00

El horror completo, la putrefacción progresiva del ser humano, la muerte en vida, esa fue la temática que Bacon eligió para representar en sus obras, las cuales reflejan fielmente esas sensaciones, su estilo, que si bien esta influenciado por Picasso, tiene muchos rasgos en lo que respecta a la tecnica similares a Munch, puede ser considerado un simbolista por algunos o surrealista para otros, mas para mi es un fatalista total pues en sus cuadros plasmo horror y humanidad.

Si bien de entre todas sus obras la que alcanzo mayor notoriedad fue “three studies for figures at the base of a crucifixión” considero, por supuesto sin desvirtuar a la ya mencionada, a Painting de 1946 mi favorita, el mismo Bacon asevero que fue su obra mas “inconsciente”, lo que empezó como una pintura de un chimpancé termino en una vision retorcida de una especie de carnicería de cuerpos amorfos.
Un dato curioso en lo que respecta a el estilo de Bacon es que se vio influenciado por Eisenstein y su película “el acorazado Potemkin” en especifico por la escena de las escaleras Odesa, el rostro de la mujer, su expresión de terror y aquella mueca de su boca fue plasmado en varias obras de Bacon como por ejemplo “Estudio de Velásquez” (basado en el cuadro del Papa Inocente X de Diego Velásquez)

Invito a cualquier lector que se interesa por la obra de este pintor que profundice en el estudio de su arte y técnicas, y también a que interpreten el horror a su forma personal

Enfermedad - Poema del Padecimiento

2007-09-26T23:09:00.000-05:00

Enfermedad

Letal reposo indefinido, cadenas de
Pesados astros danzan trémulos al
Odioso sonsonete de la bruta cefalea,
Que cual espiral de babas blancas,
Se fermenta en el definitivo tedio
De la perpetua postración.

Suplicio intermitente en áridas camas,
Secas, febril incendio de memorias
Manuscritas, antiguos viajes de sangre
Que palpita; nuevos fluidos venenosos
De linfática amargura y el viscoso hastío,
Auto sopor hibernal, quieto, pero expuesto.

Física melancolía, engarfiadas manos en
La sabana marchita, de anatómicos fluidos
La orgánica vorágine, en las venas arde,
Dermis, cual hirviente brea, descarnada.
Expectoración vital, dolosa satisfacción.

Frágil enano de trizados huesos, se figura
El otrora adonis, pronta carroña infecta,
Yacente, en la eternitud hasta la muerte,
Oropel vacuo de memorias, complejidad de
Ojos dolientes en la bóveda engarzados, quietos,
Pues todos los enfermos, anónimos proscritos,
Miramos hacia el techo, hasta el final.

"El Horror Dentado"

2007-09-24T19:42:00.000-05:00

El Horror Dentado

Soy Alphonse Kroll, guardián de la biblioteca de N`Thar, que mi padre y abuelo cuidaron antes que yo. Escribo estas líneas en días aciagos, pronto moriré. Carezco de fecha exacta, mas el acto es ineluctable. He observado hechos que ser vivo no debiera presenciar jamás y este bálsamo maldito que no tardará en llegar será mi punición y libertad. Los acontecimientos en los que he sido involucrado, no gozan sólo de una antinatural infamia, sino también de una virulenta y eónica perversidad. Motivos que me impelen a dar testimonio y advertencia al infortunado que como yo, sintió el miedo espinal caliente ante un nido de bocas submarinas. No puedo sino transcribir, hasta donde me es posible las tres cartas, que darán fe del principio y el comienzo del fin de mi historia. Es preciso exponer que no poseo copia alguna de los tres manuscritos, los he destruido todos, con la ingenua expectativa de comprarme algunos días; por tanto haciendo uso de una memoria con reputación bien ganada, transcribiré textualmente los tres documentos.

En Bristol, suelo colaborar con los jornales locales y como bien sabrá si es similar mío, gozo de cierto aprecio popular atribuido a inmerecidos meritos intelectuales; Hecho al cual atribuí la recepción de la primera carta:

Bristol, 6 de octubre de 1927

Alphonse W. Kroll, 199 Straththolm st.

Estimado señor:

He leído con gran interés en el Portmont Reformer, su artículo sobre el análisis criptológico de los recientemente descubiertos manuscritos Pknopthicos, cuya lectura es motivo de esta carta. Astrólogo aficionado y cuidador del faro en la septentrional playa de Elessar, recurro a usted como colega y en post de ayuda a mi infortunio; los recientes acontecimientos así me obligan. Los hechos se remontan a la víspera de la fiesta del Tsinigami, dos buques japoneses remontaban diminutas falúas luminosas hacia mi dominio visual, probablemente oficiando su folklore en aguas extranjeras. Fue esa noche, cuando mi funesta desventura inició. El primer arribo se constituyó en tres rústicas balsas de material desconocido, cuya carga me dan bascas recordar. La estiba consistía en tres antinaturales occisos de innombrable anatomía; de un verde enfermizo y casi negro, su dermis parecía expeler un brillo biliar. Su irregular forma humanoide, con apéndices dentados a modo de estacas, la escamosa coraza y un aleatorio espiral de dientes por cavidad cefálica, constituían la abominable asimetría de una expectoración infernal.

Escondí los cuerpos fuera de casa, cerca al faro, planeando al alba dar parte a las autoridades; mas mi obstinación científica, como usted comprenderá, me impidió hacerlo. Desde esa noche, temiendo por mi vida, no he vuelto a mi hogar, los acontecimientos presenciados me han confinado inexorablemente al alto faro, desde donde fui mudo testigo de la más pagana aberración. Emergidos del mar, una decena de los anfibios endriagos, se dispuso a exhumar los cadáveres, extrayendo de ellos tres odiosos monolitos, no más grandes que un torso humano; de inmediato cuales demonios necrófagos se avocaron al festín.

Horas más tarde se encendían pequeñas piras rúnicas, nueve en total, dispuestas de forma detestable. Ahora, se encontraba un hombre que parecía comunicarse con los hórridos engendros; en seguida arribó otro par y logré distinguir en uno de ellos a Sir Clevious Walt, curador del museo local, quien hizo entrega a los abominables entes, de siete monolitos similares a los ya dispuestos en las llamas; Luego sucumbí al cansancio, no sin antes trazar un dibujo de las estatuas y runas, documento que adjunto a esta carta, para su diagnostico y análisis. La interacción humana con las submarinas criaturas, no evita suponer que su falange se extienda también en la superficie, hecho por el cual lo invito a tomar las precauciones pertinentes, a fin de preservar la seguridad de ambos. Invoco total discreción y una pronta respuesta. El tiempo apremia.

Apresuradamente, Cedrick Gwin.

La perturbadora carta de Gwin ciertamente mereció inmediata respuesta. Años de críptica investigación respaldaban los macabros hechos presenciados por aquel infortunado hombre de bien.

Estimado colega:

Su carta me ha llegado y como un brutal garrotazo a la cordura he visto realizadas mis más pesadillescas quimeras. Míticas sectas de carácter primigenio cobran vida en su relato y debo confesar que mi razón desea creerlo orate, mas la evidencia lo respalda y confirmando el miedo umbrío y subterráneo que siento, temo y debo acreditar la veracidad de su informe. El tiempo exige ser breve y conciso. Tanto las runas, como los híbridos engendros son referidos entre otros vivos tormentos, en los manuscritos Pknopthicos, en la sentencia que respecta a Grihgzafhel, el horror dentado. Dios del océano abisal, deidad primigenia abortada en las entrañas de la núbil tierra, que durmiente en la maldita melopea submarina aguarda el tiempo de emerger. Registros históricos creídos apócrifos señalan la existencia de la orden del “Horror dentado”, una secta de anfibios seres humanoides cuyos macabros actos en post del despertar de su ominosa deidad han segado ya incontables vidas. Se dice que el ídolo yace sobre la falla telúrica de Talarión, no muy lejos del céfiro que silba en nuestro litoral. Respecto a las estatuas, debo presumirlas piezas rituales de invocación, pese a que guardan similitud gráfica, su dimensión difiere del monolito encontrado en Polinesia, atribuido erróneamente a Dagón, el dios-pez filisteo que rige la superficie marina, mientras que el horror dentado mora en las profundidades abisales. Los datos referidos en los manuscritos atribuyen propiedades de pulsar magnético a dichos menhires de ignoto material exterior, capaces de producir, dispuestos en macabra simetría, crueles pulsos telúricos.

La colaboración de Sir Clevious Walt con las aberraciones submarinas, solo confirma que el tentáculo se extiende en tierra y me pone en autos de un perenne riesgo. Mi infortunado amigo, esta es toda la información disponible, no me queda más que invocarlo a abandonar el faro y ponerse a resguardo, nos enfrentamos a eónicas fuerzas cuyo solo destello nos puede aniquilar.

Esperando noticias suyas, Alphonse Kroll.

Esta se convirtió en la primera y ultima carta que redactaría a Cedrick Gwin. Mi implicancia en tan siniestros hechos me ha significado una anónima condena. Presta a esta ultima esquela, recepcioné con espanto una solemne solicitud de entrevista, firmada a rúbrica por nuestro poco estimado curador, de la que naturalmente me excuse a razón del inherente instinto de preservación. Habiendo arribado a este punto, confieso la sedición mental que embarga mi memoria, mas aplacarla me es preciso si pretendo dar fe de las hórridas revelaciones en la profana y última carta de Cedrick Gwin. La eléctrica caligrafía, reflejo angustioso de herética desesperanza, no hacen de esta misiva más que el presuroso epílogo del condenado.

Querido Alphonse:

Ya todo ha terminado. Redacto estas líneas en la lumbre de mi hogar, donde navega aun el olor rampante a carroña submarina. He observado el infierno como jamás debiera presenciarlo ente vivo o muerto, que oxígeno osara respirar. El siguiente relato es mi sentencia y epitafio, sobre la noche en que muerto en vida, fulminaron mi alma aquellos eruptivos ojos de fuego verde y enfermizo; si bien mi condición física es óptima, el alma y la cordura danzan ahora en la cabeza de algún demonio orate. Recibí su carta aquella tarde; a la tiniebla, poco después emergieron los anfibios, para esta vez asediar el faro. A escasos metros de mi alto refugio, los serrados endriagos disponían circularmente aquellas blasfemas esculturas de ignoto mineral, desde cuyas bocas emanaba un charco de viscosidad negra y acuosa, una oleosa y negra sustancia, cuya visceral consistencia conformaba un agujero infernal.

Pronto con horror ví como emergía desde el vomitivo charco, cual dedo que emerge de una llaga, un ciclópeo monolito como empujado por las náuseas de Gaia desde sus volcánicas entrañas. Me es imposible describir lo sentido, sino como el paralizante, ácido y negro veneno de una araña abominable. Alrededor de aquel maldito ídolo, los paganos rezos de las infames criaturas invocaban el telúrico pulsar, sin duda en simultáneo con los demás enclaves de la ominosa orden. Cual aberrante y odioso diapasón, el menhir vibraba galopante invocando un sismo apocalíptico y tras una definitiva y brutal pulsación, se impuso un instantáneo y ondulante silencio horizontal.

De inmediato a escasos kilómetros, un colosal vórtice marino, en compungida expectoración, producía un gorgojeo insoportable. Surgiendo a modo de volcán, desde inconcebibles profundidades emergía la titánica deidad. No se trataba de algo informe, sino de algo tan complejo que el ojo humano era incapaz de reconocer forma alguna descriptible. Una gran boca que subsumía muchas bocas, caóticos dientes de ofensiva asimetría; Grihgzafhel, el horror dentado, sin rasgos excepto por protuberancias bulbosas como colinas, emergía bañado en agua nitrosa de un venenoso verde biliar. Cual fuente definitiva de abominación y destrucción, la oscura masa se inflaba y estremecía continuamente, expeliendo el enfermizo frío de la muerte y la corrupción.

Gustoso hubiéreme arrancado los ojos, de no tener las manos como ramas, en rigor mortis retorcidas. Observando con horror el instante en que impactó la luz del faro en las hórridas pupilas, aquella amorfa mancha de la más podrida confusión, lanzando un arcaico grito atroz, embistió cual brutal onagro al peñasco base de mi sólida atalaya. El feroz temblor rompió con la parálisis y arrojándome de espaldas a la linterna incandescente, sentí el calor de mil bombillas. Enseguida, poseso del instinto apunté el enorme reflector directo a los inyectados ojos de la bestia. La colosal aberración iracunda, retorciéndose en dentadas convulsiones, devoraba los cimientos de la torre que no tardó en quebrarse; no pensé, salté a morir trizado en la roca antes que en las crueles fauces de aquel espiral de agujas. Una vez en tierra, sin saberme vivo o muerto presenciaba el fin. El gran faro colapso en una hirviente explosión eléctrica, desplomándose incrustóse la antena de la cumbre en los rostros de la bestia. De una de sus bocas arrojó un bramido sádico como una maldición, que en mi cabeza suena aun condenándome al insomnio. La carne flameante del titán expelía un hediondo y nocivo olor nitroso, mientras desgarrado en disonantes alaridos, el horror dentado se hundía en las oscuras simas submarinas.

Paradójicamente escribo esto, gracias al pozo infecto que evitó me estrellase en la roca. Respecto a los acólitos engendros, debo suponerlos perecidos en la feroz explosión; atribuyo también a esto la desaparición del inmundo monolito. Querido Alphonse, ha sido usted confesor y guía en mi funesta desventura, lo he involucrado en mi execrable desgracia y no puedo perdonarme, confieso temer por la seguridad de ambos. Nuestra reunión resulta imperativa, lo invoco aquí presente a fin de constatar los hechos, la científica inquietud que nos mueve es objeto de esta invitación. Ciertamente he perdido la cordura, mi noción de fecha es nula, ergo esta carta no la lleva, mas ruego no recelar de la palabra, de quien muerto en vida está.

Esperando, Cedrick Gwin.

Al día siguiente hube arribado, bajo el cielo crepuscular, a la septentrional playa de Elessar, a unas horas de Bristol. El sol rojo, cual sangrienta manzana, empezaba a ponerse, un óxido malsano envenenaba el aire como las fétidas miasmas de una insana exhumación, el paisaje sobrecogedor como un corazón calido, reflejaba el inmoral contraste de aquel mortal antagonismo. Con la sangre helada, al no hallar monolito o faro alguno, sentí el pavor de Gwin como si navegara aún, diáfanamente respirable en la humedad del viento. Con premura, protegiéndome de la ventisca, me introduje en el ascético chalé de mi anfitrión. Escasos enceres, un antiguo telescopio, astillados muebles y una improvisada biblioteca eran el conjunto todo, mas hacía falta el eremítico señor; presumiéndolo ido resolví esperarle. No siendo hombre de gran paciencia, poco después de concluida la ventisca, aun con breve luz, abandoné la casa. De pie, buscando a Cedrick Gwin, me percate súbitamente, con el horror con que el enterrado vivo rasga el ataúd, de aquel rastro en la arena, un dibujo lívido de abominables garras, que entre humanas huellas se perdían en el mar y donde antes no estaba, se erigía ahora un nauseabundo monolito, con la siguiente inscripción: “No está muerto lo que yace eternamente, mas con el transcurrir de extraños eones, aún la muerte puede morir”.

Jeanne Hébuterne, musa por excelencia

2007-09-24T18:39:00.001-05:00

Podemos hablar de artistas y de arte, pero en esta ocasión quisiera tocar el tema de la inspiración. Pues las musas son las que dotan al creador de la magia que los hace plasmar la belleza más grandiosa en su obra. Porque representan el manantial creativo que otorga la pureza y los sentimientos que impregnan su trabajo. Y no hay duda de que es la mujer una de las mayores inspiraciones en el arte.

Amedeo Modigliani, pintor y escultor italiano, pasó la mayor parte de su corta vida enamorado de Jeanne Hébuterne. Esta francesa, también pintora, ocupó la mente y el corazón de su amado dejando su huella en numerosas obras donde su hermosura destila como corriente de colores y su mirada copia, casi fielmente, la fuerza que podemos ver en alguna de las pocas fotografías que quedan de ella.

Ambos tuvieron un hijo juntos, sin embargo, Modigliani falleció víctima de meningitis. Durante este nefasto hecho, Jeanne se encontraba encinta de su segundo hijo. Fue así como, cargando la insoportable desolación de haber perdido a su esposo, se suicidó a la edad de 22 años, lanzándose de un quinto piso y muriendo junto a su hijo no nacido.

Basta hacer una comparación entre el retrato y la foto para poder apreciar su magna belleza. En una mirada profunda, que transmite tristeza, timidez, enigma, sensualidad y muchas otras sensaciones, podemos intentar encontrar las razones de su funesta decisión. Una mujer vapuleada por la pasión y el arte; una mujer que, como pocas, se dejó llevar por la expresión de las verdaderas emociones, sin temor a reprimirlas por la sociedad que la rodeaba.

No puedo asegurar que usted, estimado lector, sentirá los mismos efectos que la imagen de esta muchacha y su historia sembraron en mí. Pero si los sentimientos no son de su interés, deléitese ahora con sendas representaciones maravillosas de Hébuterne: la primera, obra de Modigliani; y la segunda, un autorretrato. Simplemente, poemas sin palabras.

Marcel Marceau, aquel que imprimió el silencio en poesìa.

2007-09-23T21:08:00.000-05:00

Francia despide a Marcel Marceau con los honores de un gran héroe nacional

Marcel Marceau; gran pantomista que imprimió de silencio a la poesía, falleció el sábado en París. Tenía 84 años.

Un rostro pintado sátiricamente de blanco, zapatos blandos y un sombrero sencillamente maltrecho, en donde una flor roja servía de coronación, fueron testigos fieles de toda la gama de emociones humanas que abarcó en el escenario más de 50 años, sin pronunciar palabra alguna.
Fuera del escenario, un parlanchín connotado.

“Nunca hagas hablar a un mimo. No se detendrá”, decía.

Tan célebre y destacado teatrero no podía serlo sin la mayor inspiración de uno de los mas grandes del comienzo del 7mo arte: Charles Chaplin. Por su parte, Marceau influyó en el trabajo de innumerables artistas, como es el caso del rey del pop, Michael Jackson, quien tomó su famosa “caminata lunar” de un número de Marceau: Caminando contra el viento.

Su edad avanzada no le fue impedimento a la hora de realizar y deleitar con su pasión, sin perder, como era de esperarse, su agilidad y destreza y sin salir de su estilo único. En uno de sus actos más punzantes y cargados de filosofía: “Juventud, madurez, vejez y muerte”, mostraba sin palabras el paso de toda una vida en cuestión de minutos.

“¿Acaso los momentos más conmovedores de nuestra vida no nos encuentran sin palabras?”, preguntó en una ocasión.

Nació el 22 de marzo de 1923, con el nombre de Marcel Mangel, en Estrasburgo. Su padre, Charles, un carnicero que cantaba con la tesitura de barítono, hizo que su hijo conociera el mundo de la música y el teatro desde temprana edad.
El chico adoraba a las estrellas del cine mudo de la época: Chaplin, Buster Keaton y los Hermanos Marx.
Dado que hablaba inglés, fue reclutado como agente de enlace con el ejército del general George S. Patton.
En 1944, el padre de Marceau fue enviado al campo de exterminio de Auschwitz, donde falleció.
“Sí, lloré por él”, recordó Marceau sobre la muerte de su padre. Pero también reflexionó sobre los otros muertos. “Entre los niños quizás estaba un Einstein, un Mozart, alguien que hubiera descubierto una droga contra el cáncer”, dijo a la prensa en el 2000. “Por eso tenemos una gran responsabilidad, la de amarnos los unos a los otros”.

Cuando París fue liberado, comenzó la vida teatral de Marceau, quien se inscribió en la Escuela de Arte Dramático de Charles Dullin, para estudiar con el renombrado mimo Etienne Decroux.
En un pequeño escenario en el Theatre de Poche, buscó perfeccionar el estilo de mimo que con el pasar del tiempo, se convirtió sin lugar a dudas en su sello inconfundible. Y es donde, en su escenario nace Bip, personaje pintoresco de Marceau.

Alguna vez, Marceau dijo que Bip era el álter ego de su creador, un doble de cara triste cuyos ojos se iluminaban con asombro infantil al descubrir el mundo. Bip era un descendiente directo del arlequín del siglo XIX, pero según Marceau, sus gestos de payaso estaban inspirados en Chaplin y Keaton.
Bip, en innumerables ocasiones fue comparado, por el mismo Marceau con un Don Quijote de la era moderna, solo, en un mundo frágil lleno de injusticia y belleza.

Y fue, gracias a su notable don innato de relajar la expresión sensorial del ser humano, que después de una exitosa gira por Estados Unidos, a mediados de la década de los cincuenta, Marceau se ganó la aclamación mundial que hizo de él una estrella internacional.

Simple y llanamente, había revivido el arte de la pantomima.
“Siento que hice por la mímica lo que (Andrés) Segovia hizo por la guitarra, lo que (Pablo) Casals hizo por el cello”, dijo Marceau en una entrevista.

A través de su envejecimiento, Marceau siguió actuando con la misma calidad y agilidad que lo hizo célebre. Además de sus condecoraciones de la Legión de Honor y de numerosos reconocimientos, fue invitado a ser embajador de la buena voluntad de las Naciones Unidas para una conferencia sobre la ancianidad, realizada en el 2002.

“Si uno se detiene cuando tiene 70 u 80 años, no puede seguir adelante”.

Un destacable hombre que hizo, con la pantomima, el arte de poetizar sin palabras, fue un exponente que no solo cultivó la risa sana en el ser humano, sino un mito notable a la hora de subirse al escenario teatral.

Fausto (1994)

2007-09-22T20:59:00.000-05:00

Fausto, una película completamente diferente a las adaptaciones comunes de historias populares y obras literarias, esta película checa de Jan Svankmajer, artista surrealista hace honor y justicia a el estilo representativo de su director, una visión fusionada de diversas historias basadas en la leyende de fausto además que el alternamiento de realidad con actuación y ficción hacen que de posible adaptación sea considerada creación.
La película es ambientada en la republica checa, en Praga para ser exacto, donde un hombre pasa de ser un personaje del andar de día a día, a convertirse en el mismismo Fausto y adoptar la identidad brindada por el libreto, como espectáculo de marionetas se ambienta la historia de su pacto con el Satanás, a la vez que espectadores pertenecientes a la realidad sirven de ayudantes, y la presencia de los maestros omnipotentes que juegan con la historia mostrando lo bizarro de su creación, pues controlan el destino con las cuerdas de titiritero.
Una película completamente recomendada a todos aquellos que gozan con interpretar lo oculto o crear mensajes en base a incoherencias, cada uno elija.

Fujimori extraditado

2007-09-21T22:24:00.000-05:00

Como bien algunos de ustedes habrán leído, en este blog no se apoyan ideologías políticas, religiosas, económicas, etc. Pero esto no es política; la extradición del ex presidente Alberto Fujimori es un asunto de relevancia que alcanza los derechos humanos y una serie de hechos de corrupción supina.

Finalmente y tras una larga y tediosa espera, la Corte Suprema de Chile aprobó el pedido de extradición de Fujimori. Esta decisión se dio aprobando siete de los trece casos que se le imputaban. Entre ellos tenemos dos delitos de lesa humanidad (casos Barrios Altos y Cantuta y crímenes del SIN) y otros cinco que abordan los temas de corrupción como los congresistas tránsfugas, la CTS de 15 millones de dólares para Vladimiro Montesinos, la manipulación de líneas editoriales e interceptación telefónica, entre otros.

Más allá de eufemismos, debemos decir que Fujimori ha sido extraditado por asesino y ladrón. No hay otros sustantivos o adjetivos que describan mejor a un criminal y capo de la mafia como él. Al nivel de Ferdinand Marcos o Suharto, conspiró a lo largo de diez años para hundir al país económicamente, matar, violar, mentir y burlarse de todos los habitantes en su intento de escapara de la ley.

Finalmente la justicia mapochina aprobó el fallo, que lo traería de vuelta a nuestro país, en un gesto reivindicatorio que muchos veían con malos ojos y con muchos intereses y presiones de por medio (o de parte de Japón, para ser más claros). Sin embargo, este hecho ha marcado un hito en lo que a relaciones internacionales y cumplimiento de la justicia se refiere, actitud que no ha tardado en ser elogiada por la asociación internacional Human Rights Watch o Naciones Unidas.

Esta última organización estimó en un reciente informe, que el criminal Fujimori habría robado unos 600 millones de dólares de las arcas del estado peruano. Esto no hace más que reafirmar las dimensiones de su mafia organizada y la desfachatez con la que él y sus pillos tomaron por juguete a la nación.

Ahora solo queda esperar en su llegada al país, los pormenores de su carcelería y el proceso judicial que servirá para juzgarlo. Creo que todos (o por lo menos todos aquellos con capacidad cerebral o sin intenciones corruptas) esperamos rapidez y severidad en la sentencia. Queremos confiar en la capacidad y transparencia de nuestros magistrados para que lleven a cabo un proceso eficiente y que todo el peso de la ley recaiga sobre uno de los individuos más funestos en la historia nacional. Un buen paso se ha dado, ojalá sigamos por el buen camino.

Charles Baudelaire - "Antes de él, NADA; después de él, TODO"

2007-09-20T00:28:00.000-05:00

Charles Baudelaire

Embriagado de belleza, de ginebra y literatura, borracho al fin de estímulo, poesía, yo os escribo desde mi juventud perdida, desde los recuerdos más vehementes, desde la propia épica, al fin ebrio.

Baudelaire murió relativamente joven, no llegando a la cincuentena. Heredero de una pequeña fortuna que pronto dilapidó, vivió en París y sólo dejó la ciudad cuando al parecer se sentía víctima de una grave enfermedad que degeneró en apoplejía. Baudelaire no volvió a ser el mismo a su vuelta de Bélgica. Escribió, sí, eso también hizo. Alumno sin rostro de Poe, bebió absenta y plumas de cuervo, enamorado de Annabel Lee.

Baudelaire, referente literario. Las Flores del Mal: su gran libro de poemas, símbolo de una generación eterna, repetida y cíclica. La Fanfarlo: su propio retrato. Los Paraísos Artificiales: quizá su condena social. No fue un escritor prolífico, tampoco un gran crítico, pero escribió ensayos sobre arte, literatura, poesía; su propia poesía puede leerse también así, filosofía social, espejo de una época, heredera del gran romanticismo, todavía vivo, siempre.

Y es que, mientras Victor Hugo vivía en su gran casa y era nombrado alcalde de París, Baudelaire se paseaba andrajoso y elegante por los suburbios, bebiendo la fuente del miedo y los placeres, uno al fin. Mientras Hugo fue un enamorado de la vida, Baudelaire puede definirse como el poeta diabólico, remedo de todo aquello que la sociedad bien-pensante del momento (de todos los momentos) podría aborrecer.

La facción romántica está embebida en poder, el auge realista aún está por llegar, pero ha dado sus primeros coletazos (Baudelaire llega a conocer al gran Balzac, también a Nerval). Reacciona contra todo y todos, como también haría Rimbaud. Nos llega la sombra del este tratante y se proyecta sobre aquél que fue el primero de “los malditos”. Son herederos del espíritu burgués, pero otro espíritu muy diferente al actual. Un ser cultivado, amante del arte hasta el delirio, mediana fortuna y vicios, placeres y sombras. La poesía de estos nuestros poetas malditos es eso, poesía del lado oscuro, pero teñida con el gusto del buen vivir.

Baudelaire vivió medio olvidado. Las Flores del Mal apenas tuvo éxito, aunque un juicio muy similar y ridículo al que sufriera Flaubert tiempo atrás por su Madame Bovary, ayudó a incrementar su popularidad. Cuando acaeció su muerte, sus flores fueron olvidadas por mucho tiempo, y sólo con el reconocimiento de Sartre en su famoso ensayo se volvió a hablar del poeta. En parte, el Baudelaire que conocemos es una recreación de Jean Paul Sastre, que también haría retomar el gusto por Poe. El filósofo lleva al escritor a su terreno, desde luego, y toma el spleen como símbolo de la nada y del tiempo, la condena del hombre moderno. Desde luego, no iba para nada desencaminado, y si algún escritor pudiera considerarse como precursor del existencialismo, ese sería Baudelaire.

La creación de Sartre nos muestra al verdadero maldito, el que nunca existió, nos muestra su personaje en La Naúsea, o El Extranjero (Camus): Baudelaire no fue nada de esto. No fue un hombre bañado en desdén, Baudelaire, como todo hombre de letras, anhelaba en secreto la gloria. Baudelaire fue un aficionado al arte en toda su extensión (hombre de su época), escribió sobre sus coetáneos, criticó al dios-Hugo y a la vez alabó su prosa. El Baudelaire que conocemos fue la creación de un hombre, su propio escrito en vida.

Uno de los libros más aclaratorios del poeta es, sin duda, La Fanfarlo. Allí se crea el personaje y se define a sí mismo como un dandi. Como sucedería en El Retrato de Dorian Gray, el personaje va alcanzando cotas místicas, mientras el hombre se sumerge en lo más profundo de sus miedos, en su miseria más humilde, Baudelaire sufre una apoplejía. Ahora ya apenas puede hablar, mucho menos ser entendido, ¿alguna vez lo fue? Baudelaire muere como vive, como un cuento de su maestro Poe, sin voz, en compañía del retrato siempre bello, diabólico, que un día quiso pintar.

"Las Flores del Mal"

Las Flores del Mal, antología poética escrita por Charles Baudelaire, se constituye en la obra suprema del simbolismo francés, imbuida del tedio, la hipocresía y la degradación moral y humana que farisaicamente el pueblo francés pretenda ocultar, estos versos se convierten en la guía a través de la cual conoceremos nuestros propios infiernos y comprenderemos también porque el arte de Baudelaire esta mas allá del bien y del mal.

Los tiempos, a veces crueles, siempre certeros, nos acostumbran al género, el más cruel de los vicios literarios. Así convertimos en géneros novelas, versos y escenas, vacuo juego entre lo esperado y lo esperable, éste nuestro cómodo vicio.

Baudelaire buscaba con Las Flores del Mal la superación del espíritu romántico y parnasiano, y ello conllevaba el desprecio de aquellos ideales que habían gobernado el arte hasta el momento. Las Flores del Mal simboliza, ya su título lo indica, la superación de Werther y su anquilosada manera de entender la belleza. Las Flores del Mal iba originalmente a llamarse Las Lesbianas (por considerar el autor a ésta como la forma más infructuosa del amor). Las Flores del Mal es la referencia a toda esta herencia artística. Las Flores del Mal hablan con un lector compañero en el pecado, como haría en los Paraísos Artificiales.

Las Flores del Mal huye de otros muchos tópicos de la poesía romántica. La obra posee una estructura dramática sólidamente construida, y responde a un plan rigurosamente calculado. Cada uno de los poemas adquiere relevancia no en el verso por sí, sino visto a través de la totalidad de la obra. Baudelaire era minucioso, casi obsesivo, había que hallar el término preciso, la sinestesia precisa. Las Flores del Mal es una compleja teoría de correspondencias, en la cual nada es llevado por el azar, música y color vencidos por el tedio vital, la bilis negra, el spleen.

El poeta será nuestro Virgilio, y junto a él recorreremos los círculos infernales (no nos es dado el poder de alcanzar los cielos en esta ocasión). «Spleen e Ideal». A la sombra del tiempo, de los sabios, nuestro viaje comienza de la mano de un albatros, vamos de la mano del poeta y la brevedad de su verso roto, buscamos la liberación de la mano del eterno-femenino, del vino y de las rebeliones, buscamos la liberación en una cámara oscura, en el romanticismo y en la belleza.

Nada de ello nos servirá para vencer, porque el pecador espera su condena, una pequeña mendiga nos mira, vemos el arte, una vez más en la muerte, dualidad segura. Al fin llega el final de nuestro camino, nos queda el viaje eterno, lleno de sufrimiento, pero nuestro camino nos ha enseñado algo, caminamos de la mano del spleen y la monotonía, nuestra verdadera meta era perder, ver el horror que anida en nuestro corazón, en una mirada sórdida pero sincera. Perdidos, al fin, podremos diferenciar el aroma.

De: Martín Cid, espacio literario

Jim Morrison - Oda y obra poética

2007-09-16T21:50:00.000-05:00

Oda al Rey Lagarto

Eventualmente las fuerzas creadoras del mundo y
el espíritu, una efímera tempestad brutal y
huracanada, convergen en un sólo ser y
el conocimiento universal lo abruma y
contiene el fuego, la tormenta, el bien y
el mal como elementos primigenios.

Como armas en sus manos, la luz y oscuridad
son caricias de inocencia, fuertes, lúdicas y
luego lúbricas, rebeldes y arcanas.
Etérea mixtura y espadazo en los cielos,
desprende de la bóveda celeste canciones y
versos, como leones y besos.

El grito libertario del alma es eco de mística perfecta,
de cuerdas y tambores redoblantes, de aluviónico
alarido sideral y cromatismo musical;
Canción fantasma que cual ave espiritual,
reposa tierna la cabeza en la nocturna
bañera eternal, para jamás volar en cielos
cenicientos y despegar de aquí a la eternidad.

James Douglas Morrison (Florida, 1943-París, 1971). Tras su frustrante paso por la escuela de cine de Los Angeles, se dedicó a su verdadera vocación artística: la poesía; en vida publicó: The Lords (1969), The New Creatures (1969) y An American Prayer (1970). Como cantante de The Doors se convirtió en un símbolo de rebeldía juvenil. Incomprendido su mensaje abandonó la música para dedicarse a escribir, en París. El 3 de julio de 1971 fue encontrado muerto en la bañera de su departamento. Póstumamente aparecieron dos compilaciones de su obra.

Esta es una selección de poemas leídos personalmente y grabados en su momento, textos y apuntes escritos en libretas y cuadernos, hojas sueltas y diarios dispersos editados luego de su muerte.

Si el escritor puede escribir y
el agricultor puede sembrar
Entonces todos los milagros confluyen,
aparecen y comienzan a suceder...
Si los niños comen, si su
momento de llorar es la medianoche.

La tierra los necesita:
Suaves perros en la nieve
Anidados en primavera
Cuando el sol hace el vino
y la sangre danza peligrosamente
en las venas o las viñas.

Fría música eléctrica
Lastimame
Lacerá mi mente
Con tu oscuro sueño.

Frío templo de acero
Frías mentes vivas
en la costa estrangulada.

Veteranos de guerras extranjeras
Somos los soldados de
las Guerras del Rock and Roll.

Puedo hacer que la tierra se detenga en
su curso, hice las
cosas más remotas, puedo cambiar
el curso de la naturaleza.
Puedo ubicarme en cualquier lugar del
espacio o el tiempo.
Puedo convocar a los muertos.
Puedo percibir sucesos de otros mundos,
en lo más profundo oculto de mi mente,
y en la mente de los demás.

Yo puedo.

Yo soy.

CIELO O INFIERNO...

Cielo o infierno, el circo
de tus acciones

Jugar
(el azar es aquí Dios)
en Carnaval

mitiga la culpa
El miedo profundo

La separada soledad

ábrete Sinagoga
ábrete sésamo

La Fiesta de nuevas conexiones
mente liberada
El amor no puede salvarte
de tu propio destino

El arte no puede consolar
Las palabras no pueden domesticar
La Noche

García Márquez y la música

2007-09-12T22:36:00.000-05:00

"Lo único mejor que la música, es hablar de música"
Gabriel García Márquez.

Gabriel García Márquez cumplió 80 años y el mundo celebra este gran acontecimiento. El novelista y Premio Nobel de Literatura (1982) es un amante de la música, especialmente la cubana. A través de muchos años he seguido lo más cerca posible esta afición suya. El escritor colombiano vino a Cuba por primera vez el 18 de enero de 1959, con los albores de la Revolución, y quedó estupefacto con la vida festiva del país.

"Aquello daba la impresión de una pachanga fenomenal que tenía fundamento en la realidad. Todos los intelectuales de aquel tiempo sabían que Cuba había sido la colonia más culta de España, la única culta de verdad, de tradición de tertulias literarias. De folletines radiales, de música sensacional y de una intelectualidad a la altura de Lezama Lima, Alejo Carpentier, Nicolás Guillén y Fernando Ortiz, entre muchos otros".

Desde aquella primera vez se incrementó el interés del periodista por adentrarse en un mundo musical que va más allá del disco, se inserta en los rincones donde se crea frente al público: salones de bailes, clubs, cabarets, teatros, fiestas. En aquel entonces las fiestas en Cuba eran interminables, herencia que provenía desde la colonia.

La vocación de Gabo por la música le viene de su padre que tocaba muy bien el violín en las fiestas y serenatas. Las novelas del colombiano se parecen a un vallenato, otras a un bolero. "Descubrí el milagro de que todo lo que suena es música, autos de las calles, claxon, vocerío...todo".

Muchos no saben que el escritor se ganó la vida, en los años 50 cantando en cafés parisinos, cuando se respiraban en el aire las canciones de Georges Brassens (1921-1981). "Canté profesionalmente para sobrevivir, en el night club L´Scala, para ganar algo con la interpretación de canciones mexicanas, me pagaban un dólar. Por cierto, existe una grabación a dos voces con el novelista Carlos Fuentes". Gabo es amigo íntimo de músicos y cantantes, muchos de quienes, cuando visitan México, se hospedan en su casa.

"Cuando estoy con mis amigos íntimos no hay nada que me guste más que hablar de música. Soy un melómano empedernido, siempre digo mi lema. Lo único mejor que la música, es hablar de música. Sigo creyendo que es la pura verdad.

"He escuchando tanta música como he logrado conseguir. En las discotecas de New York he comprado discos caribeños que no se encuentran en ningún lugar. En México, cuando escribía Cien años de soledad, gastaba los discos de los Beatles, que escuchaba para estimularme. La apoteosis de la nostalgia de la década prodigiosa.

"Finalmente Cien años de soledad no es más que un vallenato de 450 páginas, realmente es eso. Los músicos andariegos llevaban los vallenatos que eran testimonios de acontecimientos que me dio la idea de este libro".

El bolero y la balada son algo muy querido para Gabo, quien en 1985 reveló a la revista Opina de La Habana: "el bolero expresa sentimientos y situaciones que a mí me conmueven y que se que a muchísima gente de mi generación la conmovió. "Un bolero puede hacer que los enamorados se quieran más y a mi eso me basta para querer hacer un bolero. Lograr que los enamorados se quieran más, aunque sea un momentico, es culturalmente importante es revolucionario.

"La balada española, de la década prodigiosa, es hecha a la medida, son extraordinarias piezas poéticas que se oyen en todas partes, se las sueltas a cualquier intelectual y no tiene la menor idea de quienes son. "De la calidad de esas letras no hay ninguna duda, y sobre todo creo que yo tengo suficiente autoridad para decirlo. Las melodías resisten el paso del tiempo ante toda clase de transformaciones y tratamientos".

Para concluir, pregunté en ese último encuentro con Gabo: ¿Ahora trabaja o escribe?
"Ya no trabajo con el objetivo pecuniario, sino por el placer y el deber de escribir. El escritor no debe parar nunca, porque quizás no vuelva a escribir otra vez.".

Entrevista a Gabriel García Márquez, colaborador de "Prensa Latina"

Luchiano Pavarotti, el Tenor que no murió

2007-09-11T22:27:00.000-05:00

Luchiano Pavarotti, el solo nombre nos transporta a aquel país de ensueño llamado ópera, aquel fantasma transformado en música, un mundo ideal hecho por el hombre, para el deleite del hombre, donde líricos profetas claman las nobles notas libertarias del espíritu. El tenor barbado de entrañable figura y mirada noble de oso azul nos ha dejado huérfanos y náufragos, a la deriva en la terrible tempestad de la existencia, su voz, luminescencia sonora, exquisito bálsamo del alma, padre y guía alguna vez, cambio la luz del faro litoral por la inmortalidad de la estrella luminosa que aun nos guía a buen recaudo.

Luciano Pavarotti ah sido sin duda, uno de los más queridos personajes del siglo XX, y uno de los primeros grandes que en este funesto siglo XXI nos ha abandonado, como lo hicieran Antonioni y Bergman, tan solo para consagrarse en el dorado trono de la inmortalidad. La carrera artística del excelso tenor italiano, es ya bien conocida y de una trayectoria excepcional, habiendo superado incluso al magnifico Enrico Caruso, en las repetidas aperturas de los grandes teatros mundiales, como La Ópera de París, La Scala y Verona. Su primera y más encomiable interpretación, fue en la maravillosa pero igualmente difícil aria de La hija del regimiento, de Donizetti, en donde el insuperable octavo Do de pecho de la casi imposible aria, lo consagro como el excepcional tenor de talla mundial que fue durante más de cincuenta años. Más tarde tras realizar innumerables interpretaciones operísticas, se embarca en el proyecto “Los Tres Tenores” un intento de llevar la opera al pueblo, con sus amigos, los grandiosos Plácido Domingo y José Carreras, de cuya unión surgen temas himnos de cada uno de ellos, como lo fue el aria de Turandot, Nessun Dorma, para Pavarotti, Core 'ngrato para Carreras y la clásica Granada para Plácido. Luciano se retiró entre sentidas nostalgias en el 2004 a causa de afecciones respiratorias y un terrible cáncer nos robaría a un amigo tan querido.

Hubo una época en que los interpretes musicales, los instrumentistas, los cantantes, no tenían forma de morirse. Solo los sobrevivía su fama y su recuerdo, que con el tiempo se iban destiñendo. Ahora los sobrevive el registro de su arte, que podemos gozar para siempre. ¿Cuantas grabaciones habrá hecho Pavarotti, entre discos y videos? Todas siguen vigentes hoy y el sigue vivo en esas grabaciones. Y esa es la vida de Luciano que la gran mayoría ha gozado y que muchos otros gozarán en el futuro. En el siglo XXII, algún estudiante desprevenido contestará en un examen que Pavarotti está vivo y habrán de corregirlo. Tal vez en el futuro algún entusiasta exclamará ¡Grande Luciano! Al escuchar el octavo Do de pecho del tenor en la obra de Donizetti, grabada hace más de siglo y medio, y entonces quedará demostrado que, pese a la funesta noticia, el fallecido Pavarotti, no murió el pasado jueves, ni cosa por el estilo. Porque morirse, amigos, es otra cosa.

I'm Not There

2007-09-09T17:01:00.000-05:00

“I’m Not There” es el último trabajo del director estadounidense Todd Haynes. La película fue presentada con éxito en el recientemente finalizado Festival de Venecia, donde fue galardonada con el premio especial del jurado y Cate Banchett fue condecorada con el premio a mejor actriz; además, será proyectada también en el Festival de Toronto que acaba de comenzar.

Haynes, quien ya había sorprendido a la crítica con “Velvet Goldmine”, una cinta que narraba la historia de una artista de rock claramente basado en el alter ego de David Bowie, Ziggy Stardust, regresa esta vez con otra producción que aborda el tema de la música y que presenta una técnica poco convencional.

Relata la vida del ícono del folk, Bob Dylan, durante seis etapas de su vida, pero estas son interpretadas por seis actores o actrices diferentes, entre ellos Cate Blanchett, Richard Gere y Christian Bale. Es realmente llamativa la forma en que será retratada la vida de este genial compositor e intérprete.

Además de la película, espero con ansias (y supongo que muchas personas también) la banda sonora de la misma. Otra vez Haynes sorprende con contribuciones artísticas de nivel superlativo. Canciones de Dylan serán interpretadas por la mega banda Million Dollar Bashers (compuesta por integrantes de Sonic Youth, Wilco, entre otros) acompañados de destacados artistas y agrupaciones como Eddie Vedder de Pearl Jam, Yo La Tengo, Karen O de Yeah Yeah Yeahs, Sufjan Stevens, Iron & Wine, The Hole Steady y, por supuesto, temas originales del grandioso Bob.

Es bueno que homenajes de esta magnitud se hagan cuando ídolos como el mencionado aún están entre nosotros. Un filme más que atractivo, yo diría que es una de esas joyas que aparecen cada cierto tiempo y que marcan un hito en la expresión artística y la cultura. A cruzar los dedos y a esperar que alguien se le ocurra traer esta magna producción a nuestras salas, para que de una vez por todas, toquemos las puertas del cielo.

Acá les dejo el trailer de la película en donde también hay una aparición, casi al final, del gran poeta Allen Ginsberg protagonizado por David Cross. Esta cinta promete. Difruten.

Jorge Luis Borges

2007-09-09T12:35:00.000-05:00

“La literatura no es otra cosa que un sueño dirigido.”

Después de no menos de tres meses de actividad en este blog, escribiré acerca del mejor escritor que haya leído en mi vida. Solo equiparable a Nietzsche o Baudelaire (opiniones subjetivas claro está) Jorge Luis Borges representa todo un mundo nuevo; o debería decir muchos mundos nuevos. Pues esa es una función importante en la literatura: además de hacerte ver la realidad, también es valiosa cuando te proyecta hacia nuevos horizontes, tan lejanos que nunca pudimos imaginar que existiesen, ni siquiera en la cabeza de un hombre tan genial como fue este argentino.

Jorge Francisco Isidoro Luis Borges Acevedo nació en 1899 en tierras gauchas. Desde chico habló español e inglés en su hogar, y posteriormente aprendería en Europa el francés y el alemán. Fue cuentista, poeta y ensayista desde muy joven. Trabajó también en El Sur la más importante publicación literaria de Argentina. Es aquí donde conocería a Adolfo Bioy Casares, también literato argentino, gran colaborador y amigo de toda la vida, así como a Macedonio Fernández, mentor y gran influencia para él.

En 1938 pierde a su padre, lo que significa un gran golpe para él por la estrecha relación que llevaban. Siempre tuvo cerca de mujeres, comenzando con Leonor Acevedo, su madre, hasta María Kodama, quien lo acompañaría hasta el día de su muerte. Sin embargo, como él mismo afirma, cometió el peor pecado que puede cometer un hombre: no ser feliz.

II
Ya no seré feliz. Tal vez no importa.
Hay tantas otras cosas en el mundo;
un instante cualquiera es más profundo
y diverso que el mar. La vida es corta

y aunque las horas son tan largas, una
oscura maravilla nos acecha,
la muerte, ese otro mar, esa otra flecha
que nos libra del sol y de la luna

y del amor. La dicha que me diste
y me quitaste debe ser borrada;
lo que era todo tiene que ser nada.

Sólo me queda el goce de estar triste,
esa vana costumbre que me inclina
al Sur, a cierta puerta, a cierta esquina.

La ceguera lo acompañó gran parte de su vida y tal vez haya sido una de las razones que lo convirtieron en un visionario magistral. Lo que no puedo ver fuera, en el mundo, lo vio dentro de sí, en una sucesión de mágicos e inextricables laberintos, multiplicados por espejos que los hacen infinitos, como un libro sin principio ni fin. Así fue la literatura de Borges, fronteriza entre lo fantástico y lo más común de nuestra realidad. Uno nunca sabe donde está y en ese dilema radica su genialidad.

“El infierno y el paraíso me parecen desproporcionados. Los actos de los hombres no merecen tanto.”

Sus vastos conocimientos de mitología, filosofía y de literatura universal fueron los cimientos de sus espectaculares relatos: conocía con profundidad a Homero, Dante, Cervantes, Hume, Schopenhauer, Poe y tantos otros que confluyen en su obra. “Ficciones”, “El Aleph”, “El libro de arena” destacan entre su serie de relatos cortos, que nunca extendió a novelas por su ‘incorregible holgazanería’.

Fue uno sólo y perdurará en el recuerdo de todos aquellos que amen la literatura, el arte y la cultura en general. Alguna vez dijo: “La paternidad y los espejos son abominables porque multiplican el número de los hombres.” Nada más cierto; pero él, fue una honrosa excepción.

Una visión diferente

2007-09-07T08:28:00.000-05:00

Cualquier parecido con la realidad, no seria mas que una repudiable maldición, allí seria lógico temer.

Era una masa deforme de rotos sueños desechados por los que se rinden, así era mi definición de las inmensas nubes que ahora observaba, siempre modificando su forma para crear mensajes que eran asimilados distintamente por cada persona, siempre tratando de inspirar a pesar que no eran mas que el reflejo de las esperanzas perdidas, lo hacían para acallar la culpa de su existencia. Mirando a través de aquella luna borrosa, cubierta de vapor de agua trataba de pensar sobre el mundo y mi papel en este. Aparté la mirada del borroso “paisaje” gris de la ciudad para mirar a las personas que me acompañaban en el bus, en el fondo unas niñas vestidas de mujer conversaban sobre alguna intransigencia que les provocaba risa, una de ellas percato mi mirada y la respondió con una "risita" verdaderamente irritante, seguí mi camino visual posándome en un hombre de mediana edad contando monedas, era como ver la preocupación en sus gestos, su desesperación era palpable, muy pocas monedas y tanto que hacer, la travesía desemboco en una mujer que ya hacia buen rato se había percatado de mi proceso de reconocimiento, por así decirlo, no se si sus gestos fueron de una joven intimidada por la mirada de un muchacho o un de una mujer orgullosa ante los piropos de un desconocido, sea cual sea la situación, estaba ya acostumbrado a ser mal interpretado. En mi interior me reía de aquellos insulsos, me consideraba superior, ya hacia tiempo que lo hacia, alegando que yo parecía ser de los pocos que modificaban al mundo con sus pensamientos, en vez de ser modificados por la corriente; todo esto fue interrumpido cuando una voz grave y seria comenzó a sonar, era una mujer, tratar de describirla para mi es un poco nostálgico, tenia el rostro tosco y arrugado pero hermoso, estaba sucio, era de tez oscura con un lunar en el centro de la frente, ojos negros, muy negros, me hundí en su mirada, y pude saber que había llorado, no sentí desprecio hacia ella, y eso fue algo sorpresivo, acostumbrado a denigrar a cualquier pobre infeliz que se encontraba en mi camino, culpándolos de su misma desgracia; pero a las madres yo no era capaz de culparlas de nada, las mujeres siempre han sido mi debilidad. Escuchaba atentamente la historia que me contó, una historia que aterro a mi alma, y desengaño lo que hasta ese momento creía que era mi papel en el mundo. Ella no era de aquí, ella había llegado hacia 1 año a este lugar a cumplir sus sueños, ella confiaba demasiado, y pago el precio justo por su inocencia; culpada de un acto que jamás cometió fue enclaustrada en una prisión donde su ser comenzó el proceso de descomposición, por meses vivió situaciones que no enumeró, pero imaginarlas es demasiado para mi, cuando por fin un elegido por el destino para hacer justicia logro que su caso se resolviera fue soltada, sin embargo era muy tarde, nunca mas seria libre, seria esclava de esos monstruosos meses en aquella prisión, y con el recordatorio mas grande de todos, un bebe en sus entrañas, con el poco dinero que le quedaba fue a ver a un doctor para determinar la salud tanto de su futuro heredero de desgracias como de ella, el resultado que en un principio no supo entender una vez asimilado no fue sorpresa en lo absoluto, Tenia SIDA, y 6 meses de embarazo- en ese momento 4 personas en todo el bus hicieron ademanes de asco, por lo menos el mío no fue tan notorio y se mezclo con una amargura familiar- con papeles demostraba la situación a la cual se enfrentaba y las medicinas que estaba obligada a tomar, digo obligada porque dejo claro que si no fuera por su hijo se habría quitado la vida, en ese momento llego el típico pedido que siempre aquellos que incurren en el juego de manipular las emociones humanas a su favor tienen, usualmente es dinero para utilizarlos en diversos objetivos muchas veces egoístas-como debe ser-sin embargo el motivo que le impulsaba a pedir dinero me dejo sin habla y por un instante sentí como algo en mi lado derecho del pecho empezó a doler. Ella quería dinero para matar a su hijo, el no era culpable de que el mundo sea cruel, el no tenia la culpa de que su madre fuera engañada, tampoco de que fuera violada, de que ella asustada escapara a sus problemas invocando a dios, y era menos culpable de que esta no ayudara, el no era culpable de la situación del país, ni de las guerras, no era culpable de las crisis existenciales que aquejan a los adolescentes, de los traumas que llevan a tantos al suicidio, de la violencia ni de las religiones, porque habría de nacer en un mundo al cual el no pertenecía, el no debía nacer, no estaba en el decidir o no, ella tenia el poder para salvarlo y había decidido hacerlo. Lo que en un principio me pareció la mas grande estupidez del mundo poco a poco fue atravesando mis entrañas, yo no lloro pero mi alma si lo hace, y lo hizo en ese instante, “Como decidir por otra persona, ¡No se puede!” es simple, cada uno debe elegir su camino, aquel niño merecía vivir, y abrirse paso en el mundo a su manera, me hubiera parado a refutarle si es que la razón no me hubiera mandado a callar, no dejar que las emociones hablen por mi en ciertas situaciones es un don muy contradictorio, ella aparentemente solo quería lo mejor, si alguien me hubiera preguntado antes de nacer si quería hacerlo, no habría sabido que responder, en un mundo donde el sufrimiento es la única forma de sentirse vivo una mujer escogió la muerte no como un acto egoísta sino como la máxima expresión de la solidaridad humana.Y hundido en el fatalismo decidí dormir apoyando mi cabeza en el vidrio, lo sentía, diferente, suave, me hubiera gustado no despertar, pero se hacia tarde para seguir.

Á bout de souffle

2007-09-01T15:32:00.000-05:00

“Es triste dormir, pues separa a las personas. Incluso cuando duermen juntas, se encuentran solas.”

Me gustan las historias de amor del cine de la Nouvelle Vague. Porque mantienen esa ligereza exquisita que te desestabiliza tanto como la cámara que lleva a tus ojos las imágenes. Porque lejos de convertirse en los refritos a los que estamos acostumbrados, y en sosos cuentos románticos y excesivamente cursis , mantienen ese aire de frescura que te pueden hacer enamorar u odiar por siempre aquel extraño sentimiento.

Así es este cine: bivalente, inconsecuente, atrevido. Y así es Á bout de souffle o ‘Al final de la escapada’ de Jean Luc Godard, una cinta maravillosa en la cual el amor es caprichoso, se niega a ser amor. Lo define como un problema, un asunto sin esclarecer, muy filosófico o muy frívolo. Después de cometer un crimen, un hombre busca a su novia y la invita a fugar a Italia, petición que ella rechaza. Él la desea, la busca, le ofrece todo a su manera. Pero la pasión no siempre es correspondida.

“Dos cosas importantes hay en la vida: para los hombres, las mujeres. Para las mujeres, el dinero.”

El dinamismo corre a lo largo del filme, la ausencia de reglas cinematográficas la dotan de un encanto genial, y los diálogos, inteligentes y punzantes, terminan por englobar una obra imperfecta, cualidad en la cual, paradójicamente, reside su perfección.

La última escena es magnífica. Con una cámara en mano, se puede expresar la naturaleza de la película en tres gestos y un corto intercambio de palabras. Todas las sensaciones de ambos personajes, que ellos mismos callaron y se negaron a aceptar, son resumidas en esta secuencia. Realmente una obra maestra imprescindible y entrañable. Verla, es más que obligación.

Percy Bysshe Shelley, romántica belleza

2007-08-31T20:55:00.000-05:00

Debo confesar que conocía a Mary Shelley y a su bien difundida obra Frankenstein, pero no hace mucho empecé a revisar la obra de su esposo y auténtico dueño de tan insigne apellido: Percy Bysshe Shelley, uno de los poetas de lengua inglesa más exquisitos que haya leído, promete deslumbrar a quien se atreva a sumergirse en la dócil marea de su lírica.

Nacido en Sussex, Reino Unido, en 1792, fue uno de los representantes más destacados del Romanticismo en su país. Fue un poeta poco convencional y no muy entendido en su época; sin embargo, se convirtió en una figura de renombre y en un referente para siguientes generaciones de poetas como Robert Browning, Alfred Tennyson y William Butler (a quien pronto dedicaré una reseña también), así como otras destacadas personalidades como Karl Marx, Bertrand Russell o Bernard Shaw, quienes supieron apreciar su extraordinario trabajo y técnica.

A los 18 años publicó Zastrozzi, una novela gótica en la que dio a conocer su visión ateísta del mundo y que lo caracterizaría en gran parte de su producción. Poemas representativos y de gran calibre son Alastor, Prometheus Unbound, Ozymandias, que comparten muchos puntos en común y, en especial, sirven de influencia para otros genios como Lord Byron o John Keats.

Su vida estuvo plagada de excesos, fue un mujeriego empedernido desde joven; pero también sufrió trágicos sucesos como el suicidio de su cuñada, o la muerte de su ex esposa, Harriet, ahogada , víctima al parecer, de suicidio también; todo esta funesta serie de sucesos terminaría con su propia muerte: mientras navegaba en bote, se ahogó, hecho aún no esclarecido, que aparenta ser accidental, pero que muchos apuntan como suicidio o, incluso, como asesinato. Esta última teoría reforzada por dos disparos que estuvieron a punto de quitarle la vida días antes de su deceso a la edad de 29 años.

Como sucedió con muchos otros artistas, su vida acelerada no fue detrimento para la espectacular magia de sus escritos, en los cuales se aprecia técnica e intelectualidad, pero principalmente, belleza en la lírica, versos sorprendentes y un sentido de la estética que hace aflorar en forma fascinante los sentimientos.

Aquí un ejemplo de su obra:

A Lament

O World! O life! O time!

On whose last steps I climb,

Trembling at that where I had stood before;

When will return the glory of your prime?

No more -- oh, never more!

Out of the day and night

A joy has taken flight;

Fresh spring, and summer, and winter hoar,

Move my faint heart with grief, but with delight

No more -- oh, never more!

---

Alastor (oda de 720 versos)

Otros poemas

Manuel Domingo Pantigoso - Ultraorbicismo Holístico

2007-08-30T23:00:00.000-05:00

Vida, cromatismo y ritmo del arte en un notable pintor

Manuel Domingo Pantigoso (1901-1991) el pintor arequipeño; pinta en Cuzco, Lima y Europa. Amigo de escritores y poetas antes que pintores, transcribió al óleo los versos. Fue un autodidacta y con un tenaz trabajo y vigoroso genio, triunfó en La Paz, Montevideo, Buenos Aires y París. Y ahora y para siempre, en el Perú. Se trata de un pintor independiente, vale decir individual y único. No tuvo maestros ni discípulos directos. Su auténtica creación permanece, por encima de épocas y tendencias, para el goce estético de todo aquel, que en el arte halle un propósito en la vida.

En cuanto comencé a sentir el encanto y la belleza de la naturaleza-casi un niño-ya no soltaría el papel y los colores de la acuarela. Las mañanitas de sol eran mi preferencia; las tardes con el sol dorado y rojo. El amarillo fue y es mi color. Luego llego la témpera y el óleo, pero mientras los delicados tonos inundaban la acuarela, en el óleo encontré lo violento, todas las audacias. Los contrastes eran y son mis aliados. En el óleo siempre gusté de los grandes espacios: lo mural pero simple, sintético, pocas figuras para no perder la belleza del conjunto y para estar por encima de lo anecdótico. M.D.P

La pintura de Manuel Domingo Pantigoso es representativa de la alta estirpe artística que privilegia al mundo de la creación pictórica. Su pasión, originada en su infancia a manera de un deslumbramiento y una revelación, lo acompañará como un ángel los largos noventa años de su vida. Preeminentemente visual, su don sin embargo, despierta en él los ecos armónicos de la música en sus colores, la ciencia en su perceptiva observación de la naturaleza y la clarividencia en su culto a la luz, como un vértigo expresado en la espiral de oro que se desprende de su corazón de hombre a lo universal. Visión expresada en sus códigos personales y en su adhesión a las propuestas ultraórbicas. Imposible, no obstante, encasillar al artista en los preceptos ideológicos con los que su pintura coincide. Su alma responde primigeniamente a sus raíces, precediendo a las elaboraciones culturales en torno a su creación.

Con la incomparable pasión de un autodidacta, Manuel Domingo Pantigoso, ha de recoger en su peregrinaje al sur del continente y a Europa los ecos imperecederos de los grandes hombres afines a su espíritu. Cristo, Moisés, Miguel Ángel, Beethoven, se ven retratados en sus lienzos junto a las nobles imágenes de la negritud en la ciudad de Lima, intercalados en el tiempo alrededor del cenit de su inspiración en el altiplano.

En su pintura de temática variada y en su estética innovadora, este gran creador de visiones inagotables formaliza las categorías míticas y rituales del “ultraorbicismo” en la vida y el arte. Esta vanguardia indianista o andinista, independiente del indigenismo, surgió en las primeras décadas del siglo XX, para expresar el esencial enlace del ser del hombre con la retroactividad del cosmos. Unificando y estilizando armoniosamente lo nacional y lo universal, lo natural y lo humano, lo estático y lo dinámico, la visualidad y el ensimismamiento, lo decorativo antiguo y lo gráfico moderno, su obra amalgama lo más hondo del carácter holístico, metafísico y circular de la cosmovisión andina, con la expresión vital y la síntesis sugestiva y trascendente de los elementos pictóricos, en especial los espaciales y cromáticos. En la raíz y estructura de su estilo inconfundible, Pantigoso, “El poeta del color”, une en el pincel y la luz que lo sustenta, el clima, el carácter psicológico, la visión y el sentimiento de su pensamiento artístico, agitado por un ritmo y timbres delicados, que se unen al unísono.

La universidad Ricardo Palma y el museo Pedro de Osma rinden homenaje a Manuel Domingo Pantigoso. La exposición en el centro cultural Ccori Wasi (Miraflores) será hasta el nueve de septiembre. A continuación algo de la muestra tomada por mi propio lente.

Hierro 3

2007-08-30T11:49:00.001-05:00

“No es fácil discernir si el mundo en el que vivimos es sueño o realidad.”

Bin Jip, Hierro 3 o El laberinto de la pasión, llámesele como quiera, cinta del 2004 del coreano Kim Ki Duk es auténticamente una obra maestra, y una de las mejores producciones, si no la mejor, que han llegado este año a nuestra habitualmente adolecida cartelera limeña.

Narra la historia de un joven que ingresa a hogares vacíos de su ciudad, en una especie de afición o fetiche, y descansa, se ducha, come, y a la vez, lava la ropa de las personas que la habitan, repara cualquier cosa que esté averiada y para recordar cada una de sus incursiones se fotografía al lado de adornos o retratos familiares. Todo esto, sin robar un solo objeto ni dañar en lo más mínimo la integridad de la vivienda.

Es en una de estas casas en que, sin percatarse de estar acompañado, se cruzaría con una mujer víctima del maltrato de su esposo. Después de varios minutos, da cuenta de su presencia, momento en el cual comenzaría una relación extraña, con él tratando de ayudarla, y ella buscando escapar de su infernal realidad, siguiéndolo en sus aventuras de invasión de domicilio.

Pronto, una entrañable historia de amor surgirá de esta relación, en la que no existen diálogos, sino que las miradas, los gestos, las acciones y hasta los propios silencios sirven para transmitir lo que cada uno siente. En medio de esta lacónica vorágine, ambos se verán inmiscuidos en diversos problemas, que van desde el abusivo esposo de la protagonista, hasta enredos policiales, que impregnan el dolor y el sufrimiento a los personajes.

Las alegorías al sigilo, al hecho de vivir a espaldas de alguien, se muestran por doquier en la cinta: Él entrando sin que nadie lo note, a casas extrañas, ella recibiéndolo en hogar y observándolo, siendo cómplice de su juego, la ausencia de diálogos en lo que supone un magnífico acierto de parte del director; estos detalles son los que nos van llevando a la cúspide del filme, la última parte, un final inmejorable para tal maravilla de trabajo.

Son característicos en el cine oriental, la depurada fotografía, la tranquilidad, y escenas hermosas y memorables que cautivan a uno durante toda la proyección. No cabe duda que se trata de una película típica de amor, pero que no cae en lo excesivamente sentimentalista, lo grotesco ni lo ridículo, sino más bien, en el aspecto más puro, transparente y bello de las relaciones humanas.

Otra prueba de que, actualmente, el lejano continente asiático es el poseedor del cine más sorprendente y perfeccionista. Una espectacular obra, de las que raramente llegan a nuestra ciudad y que por esa misma razón, no se debe dejar pasar.

Lewis Carrol: Poesía Arcana

2007-08-24T21:59:00.000-05:00

Fantasmagoria

CANTO I

LA CITA

Una noche de invierno, a las nueve y media, helado, cansado, enfadado y sucio de barro, llegué a casa, demasiado tarde para comer, aunque la cena, los puros y el vino me esperaban en el estudio.

Una novedad había en la habitación y algo blanco y ondulante permanecía a mi lado en la penumbra. Pensé que era la escoba de la alfombra que la descuidada doncella había dejado allí.

Pero de repente esa cosa empezó a temblar y estornudar. Ante lo cual yo dije: "¡Vamos, vamos, amigo! No es muy considerada esa actitud. ¡Por favor, no hagas tanto ruido!"

"Me he constipado", dijo la cosa, "ahí fuera durante el aterrizaje." Me volví sorprendido y allí, frente a mis ojos, ¡me encontré un pequeño fantasma!

Cuando le reprendí, tembló de pies a cabeza y se escondió detrás de una silla "¿Cómo has llegado hasta aquí?", dije. "¿Por qué has venido?" Nunca vi nada tan tímido. "¡Sal de ahí! ¡Deja de temblar!"

Dijo: "Encantado le diré cómo y también por qué he venido. Pero..." (entonces se inclinó levemente). "Ahora está usted de tan mal humor que pensará que todo es mentira."

"Y en cuanto a lo de estar asustado, permítame observar que los fantasmas tenemos el mismo derecho, en todos los aspectos., a temer a la luz igual que los humanos teméis a la oscuridad."

"Ningún pretexto", dije, "puede excusar la cobardía que he observado en ti. Porque los fantasmas podéis visitarnos cuando queréis, mientras que los humanos no podemos rechazar la visita."

Respondió: "Alarmarse es algo natural, ¿no es así? Realmente yo temí que usted quisiera hacerme daño. Pero, ahora que veo que se ha calmado, deje que le explique mi visita.

"Las casas están clasificadas, tengo el honor de decirle, según el número de fantasmas que albergan. (El inquilino apenas cuenta como carga , junto con el carbón y otros trastos.

Ésta es la casa de 'un solo fantasma', y cuando usted llegó el pasado verano, podía haber advertido la presencia de un espectro que estaba haciendo todo lo que hacen los fantasmas para dar la bienvenida a un recién llegado.

Esto siempre se hace en las villas... no importa a cuánto ascienda el alquiler, porque, aunque desde luego es menos divertido que sólo haya sitio para uno, los fantasmas tenemos que acceder.
Ese espectro le dejó el día tres... y desde entonces usted no ha sido visitado, ya que él nunca nos dijo una palabra, sino que, accidentalmente, oímos que aquí alguien se necesitaba.

Por derecho, los espectros eligen los primeros, a la hora de cubrir una vacante. Luego, los fantasmas, los elfos, las hadas y los duendes... Y si todos éstos fallan, se invita al espíritu necrófago más simpático que se encuentre.

Los espectros dijeron que el lugar era humilde y que usted guardaba un vino muy malo. Así que tuvo que venir un fantasma y, como yo era el primero, ya sabe, no pude negarme."

"Sin duda", dije, "eligieron al mejor que podían enviar, ¡Aunque elegir a un mocoso como tú para visitar a un hombre de cuarenta y dos, no ha sido un gran detalle!"

"No soy tan joven, señor", contestó, "como usted piensa. El hecho es que en cavernas al lado del mar y en otros lugares, que me ha tocado probar, he adquirido una gran experiencia.

Pero hasta ahora nunca he formado parte estrictamente de una casa, y con las prisas olvidé las Cinco Normas Básicas de la Etiqueta que de memoria debernos conocer.

Mis sentimientos pronto aceptaron al pequeño individuo. Éste estaba absolutamente espantado por haber, por fin encontrado un humano y parecía muy asustado y acobardado.

"¡Por fin", dije, "estoy contento de haber descubierto que los fantasmas no son mudos ! Pero, por favor, siéntate. Quizá te apetezca (si, como yo no has cenado) tomar un bocado.

Aunque, ciertamente, no pareces algo a lo que pueda ofrecerse comida. Y luego me encantará escuchar..., si me las dices alto y claro..., las normas a las que tú aludías."

¡Gracias las oirás luego más tarde. Esto sí que ha sido suerte!." "¿Qué puedo ofrecerte?", dije. "Bueno, ya que es usted tan amable, probaré un poco de pato.

¡Una tajada! ¿Y podría pedirle otra gotita de salsa?" Me senté y le miré asombrado, porque realmente nunca había visto una cosa tan blanca y ondulante.

Y todavía parecía hacerse más blanco, más vaporoso y más ondulante..., visto en la borrosa y parpadeante luz, mientras recitaba sus "Máximas de Comportamiento".

CANTO II

LAS CINCO NORMAS

"La primera, pero no suponga usted", dijo, "que estoy poniéndole una adivinanza... Es,..., si la víctima estuviese en la cama, no toques las cortinas de la cabecera, sino que usa las del medio.

Muévelas despacio de dentro a fuera, mientras las separas, y en un minuto, sin duda, levantará la cabeza y mirará alrededor con ojos llenos de ira y temor.

En ese momento tú no debes, bajo ningún concepto, hacer la primera observación. Espera que la víctima empiece. Ya que ningún fantasma con sentido común empieza una conversación.

Si dijera: '¿Cómo has llegado hasta aquí?' (Cómo usted empezó, señor), en tal caso, tu opción es clara: '¡A la espalda de un murciélago, querido!', es la respuesta apropiada.

Si tras eso no dice nada, será mejor que reduzcas tus esfuerzos... Vete y sacude la puerta y si entonces empieza a roncar, sabrás que todo ha sido en vano.

Por el día, si está solo... en la casa o de paseo.. simplemente da un profundo gemido, para indicar la clase de tono en el que tú deseas hablar
Pero si le encuentras con sus amigos, el asunto es más difícil.

En tal caso el éxito depende de recoger algunos cabos de vela, o mantequilla de la despensa.
Con esto te debes hacer un tobogán (funciona mejor con sebo), sobre el que tú te debes deslizar para moverte de un lado a otro... Pronto se aprende a hacerlo.

La segunda nos dice lo que es correcto en citas ceremoniosas: 'Primero enciende una luz azul o carmesí' (algo que yo casi olvidé esta noche) 'luego, araña las puertas o las paredes'."

Dije: "Tú no volverías aquí nunca más, si hubieras puesto a prueba a este sujeto. Yo no tengo hogueras en el suelo... ¡y, en cuanto a lo de arañar la puerta, me gustaría que lo hubieses intentado!"

"La tercera se escribió para proteger los intereses de la víctima, y nos dice, según la recuerdo: Tratadle con profundo respeto , y no le contradigáis."
"Esto es claro", dije yo, "como el agua para cualquier entendimiento.

Sólo desearía que algunos fantasmas que he conocido no olvidasen constantemente la máxima a la que tú te has referido." "Quizá", dijo, "fue usted el primero que transgredió las leyes de la hospitalidad.

Todos los fantasmas por instinto detestan al humano que no trata a su invitado con la debida cordialidad. Si te diriges a un fantasma como '¡Cosa!' o le golpeas con un hacha, el rey permite olvidar toda conversación formal... ¡Asegúrese de entenderlo!

La cuarta prohibe entrar donde otros fantasmas están acuartelados. Y aquellos condenados por esto (a no ser que por el rey sean perdonados) deben inmediatamente ser castigados.
Esto simplemente significa 'ser cortados en pedacitos'. Los fantasmas pronto se unen de nuevo y el proceso no duele casi nada... No más que cuando a usted 'le ponen por los suelos' en una revista.

La quinta, usted preferirá que la cite íntegramente: El rey recibirá tratamiento de 'señor' de un simple cortesano, es lo que exige la ley:
Pero, si uno desea hacer las cosas con mayor formalidad, diríjase a él como 'Mi Rey Duende' y siempre utilice al responder. la frase 'Su blancura Real'

Me estoy quedando bastante ronco, me temo, de tanto recitar. Así que, si no tiene usted inconveniente, querido, tomaré un vaso de cerveza amarga... Creo que tiene un aspecto tentador."

CANTO III

ESCARAMUZAS

"¿Y pudiste realmente andar", dije yo, "en una noche tan espantosa? Siempre me imaginé que los fantasmas volaban... si no exactamente por el cielo, al menos a una altura regular."

"Está bien". dijo él, "para los reyes elevarse sobre la tierra Pero los fantasmas a menudo pensarnos que las alas, como otras muchas cosas agradables. cuestan más de lo que podemos obtener.

Los espectros, desde luego, son ricos y por eso pueden comprárselas a los elfos. Pero nosotros preferimos mantenemos debajo. Son unos compañeros estúpidos, sabes, excepto para ellos mismos.

Porque, aunque aseguran que no son Orgullosos, tratan a los fantasmas con algo más que desprecio. Igual que ningún pavo nunca ha pensado en tan siquiera mirar a un gallo."

"Parecen demasiado orgullosos", dije yo, "para venir a una casa como la mía. Di, ¿cómo consiguieron descubrir tan rápidamente que 'el sitio era humilde' y que 'yo guardaba un vino malo'?"

"El inspector Kobold vino aquí...", empezó el pequeño fantasma. En ese punto, le interrumpí: "¿El inspector qué? Inspeccionar fantasmas es nuevo para mí, ¡explícate, amigo!"

"Se llama Kobold", dijo mi invitado. "Uno de la clase de los espectros. A menudo le verás vestido con una bata amarilla, un chaleco carmesí y un gorro de dormir con un ribete.

Primero probó la casa Brocken, pero cogió una especie de resfriado; así que vino a Inglaterra a ser cuidado y aquí tomó la forma de sed, de la que todavía se queja.

El vino de Oporto, dice, cuando es rico y está sano, calienta sus huesos como el néctar. Y como las posadas, donde siempre se le encuentra, son su lugar especial de trabajo, le llamamos el Espectro–Posadero."

Yo soporté... como un hombre... ¡Su atormentadora agudeza! Y no había nada más dulce que mi carácter, hasta que el fantasma empezó a hacer sus críticas con dureza.

"No debe consentirse derrochar a las cocineras, y a pesar de eso será mejor que se las enseñe a que los platos tengan algún sabor. Dígame ¿por que siempre se dejan las vinagreras donde nadie puede alcanzaras.

¡Este hombre nunca se ganará la vida como camarero! ¿Se supone que esa cosa tan rara quema? (Es un asunto demasiado deprimente para llamar. a un mediador.

El pato estaba tierno pero los guisantes eran más que viejos. Y sólo recuerde, si no le importa, la próxima vez que tenga usted queso tostado no permita que lo dejen que se enfríe.
Creo que podría mejorar el pan usando harina mejor.

Y ¿tiene usted algo para beber que se parezca un poco .menos a la tinta. y que no tenga este agrio sabor?" Luego, mirando con curiosidad alrededor, exclamó: "¡Dios mío!"' y siguió criticando... "Su habitación no tiene un tamaño apropiado.

No es ni cómoda ni espaciosa

Esa ventana tan estrecha creo que sólo sirve para dejar que entre el polvo.." "Pero, por favor", dije yo, "creo recordar que fue diseñada por un arquitecto que confiaba en Ruskin."

"¡Señor, me da igual quién fues o en quién confiaba! ¡Construida de cualquier manera, aseguro que nunca vi un trabajo peor, como que soy un espectro viviente!

"¡Qué puro tan enorme! ¿Cuánto cuesta una docena?" Yo gruñí: "¡No importa cuánto cuesta! Está usted adquiriendo demasiada confianza, ¡parece usted mi primo!

¡Esto es algo que no puedo soportar, así de claro se lo digo!" "¡Ajá!", dijo él. "¡Nos creemos importantes!" (Mientras, cogía una botella.) "¡Pronto arreglaremos eso!"

Y entonces él tomó una decisión y alegremente gritó: "¡Ahí va!" Yo traté de apartarme conforme se aproximaba, pero por alguna razón me dio igual, porque la botella golpeó, exactamente, en mi nariz.

Y no recuerdo nada más con claridad, sólo sé que desperté en el suelo repitiendo: "Dos más cinco son cuatro y cinco más dos son seis.

Nunca he sabido lo que pasó ni tampoco lo he averiguado: Sólo sé que, cuando al fin el sentido recobré, la lámpara, abandonada, brillaba vagamente... y el fuego se estaba extinguiendo...

A través de la oscuridad me pareció ver algo que, con sonrisa afectada, me estaba dando, según descubrí, una lección de biografía, como si yo fuese un niño.

CANTO IV

SU EDUCACIÓN

";Oh, cuando yo era pequeño, éramos muy felices! Cada uno se sentaba en su lugar favorito, chupábamos y mordíamos las tostadas con mantequilla que nos daban a la hora del té."

"Ese cuento ya existía!", dije yo. "No digas que no porque es tan conocido como la Guía de Bradshaw!" (El fantasma, nervioso, respondió que él no lo sabía.)

"¿No está en Las Poesías Infantiles? Incluso casi creo que es así: 'Tres pequeños fantasmas estaban sentados en su sitio, ¿sabes?, y comían 'tostadas con mantequilla'.

Tengo el libro, así que si tienes alguna duda..." me volví para buscarlo en el estante. "¡No revuelvas!", gritó. "Nos apañaremos sin él. Ahora lo recuerdo todo. Yo mismo lo escribí.

Salió en una publicación mensual o, al menos, eso dijo mi agente. Un personaje de la literatura, que lo vio, pensaba que era bueno para la revista que él editaba.

Mi padre fue un duende, señor, y mi madre era un hada. A ella se le ocurrió que los niños seríamos más felices si a discrepar nos enseñaban.

Esta idea pronto se convirtió en manía y, una vez puesta en práctica, ella nos educó de diferentes formas... Uno fue un duendecillo, dos fueron hadas y otra un hada mala.

La Aparición y el Kelpie fueron a la escuela y allí causaron muchos problemas. Luego venían un duende y un espíritu necrófago, y después dos gnomos (que rompieron la norma), un duende y un doble...

"('Si esa caja del estante es de rape', añadió con un bostezo, 'tomaré un poco')... Luego vino un elfo, después un fantasma (que soy yo) y, por último, un gnomo irlandés.

Un día algunos espectros por casualidad llamaron, vestidos con el blanco habitual. Me quedé allí y los observé en el vestíbulo. Y no pude distinguirlos para nada, porque ofrecían una visión tan extraña...

Me preguntaba qué demonios eran los que parecían sólo una cabeza y un saco. Pero mi madre me dijo que no mirara y entonces ella me agarró del pelo y me dio un empujón en la espalda.
Desde entonces siempre he deseado haber nacido espectro. Pero ¿por qué motivo?" (dio un suspiro). "

Ellos son la nobleza de los fantasmas, y nos miran con desprecio."
"Mi vida de fantasma pronto empezó. Cuando apenas tenía seis años. salí con otro mayor... y al principio todo me pareció divertido y aprendí muchos trucos.

He visitado mazmorras, castillos., torres... Allí donde me enviaban, a menudo me sentaba y aullaba durante horas, calado hasta los huesos por torrenciales chaparrones, que caían sobre las almenas.

Ahora está bastante pasado de moda gemir cuando empiezas a hablar. Esto es lo más moderno en cuestión de tono..." Y en ese momento {se me erizó todo el cuerpo) dio un horrible chillido.
"Quizá". añadió, "para sus oídos esto parezca fácil. ¡Inténtelo querido! Aprender me costó algo más de un año de constante práctica.

Y cuando has aprendido a chillar. amigo, y aprendes el doble sollozo, te encuentras mas o menos donde empezaste: ¡Sólo intenta farfullar! ¡Eso es como un trabajo!

Yo he probado y sólo puedo decir que estoy seguro de que tú no podrías hacerlo, incluso aunque practicases noche y día, a no ser que tengas dones para ello e ingenio natural.

Shakespeare, creo, fue el que habló de fantasmas, en los tiempos antiguos, los cuales 'farfullaban en las calles de Roma', vestidos, si lo recuerdas, con sábanas... Debían pasar frío.
Yo a menudo he gastado diez libras en tejido para vestirme como un doble. Pero, aunque eso da importancia, nunca ha causado tanto efecto como para que merezca la pena el esfuerzo.

Largas facturas pronto apagaron el ansia que yo tenía por ser gracioso. Instalarse es siempre lo peor. El montón de cosas que uno quiere al principio, ¡debe hacerse con dinero!

Por ejemplo, una torre encantada, con calaveras, huesos y sábanas, luces azules para quemar (digamos) dos cada hora, lentes para condensar de fuerza superior y un juego de cadenas completo.

Todo esto junto con las cosas que uno debe alquilar..., el ajuste de la toga..., la comprobación de los fuegos de colores... ¡Hasta el mismo atuendo de cada uno agotaría la paciencia del mismísimo Job!

Y encima el tan fastidioso Comité de Casas Encantadas. ¡A menudo les he visto deshacerse en cumplidos con un fantasma, porque era francés, o ruso o incluso de la ciudad de Londres!
Algunos dialectos encuentran oposición... porque uno tiene acento irlandés, y en ese caso, por todo lo que debes hacer, te ofrecen una libra a la semana y ¡uno se encuentra entre la espada y la pared!"

CANTO V

LA DISCUSIÓN

"¿Y no consultan a las 'víctimas'?", dije. "Deberían, por derecho, darles una oportunidad... porque ya sabes, los gustos de la gente son tan diferentes, especialmente en cuestión de espíritus."

El fantasma sacudió la cabeza y sonrió. ¿Consultarles? ¡En absoluto! Sería para volverse loco, simplemente satisfacer a un niño. ¡No se acabaría nunca!"

"Desde luego, no podéis dejar a los niños libres", dije, "para elegir lo que quieran. Pero. en el caso de hombres como yo, creo que debería permitirse al 'anfitrión' dar su punto de vista."

Dijo: "No sería provechoso... La gente tiene tanta fantasía Nosotros sólo hacernos visitas de un día Y, si nos quedamos o nos vamos, depende de las circunstancias.

Y, aunque no consultemos al 'anfitrión' antes de que rolo esté dispuesto, si uno abandona su puesto a menudo, o si no es un fantasma educado, usted puede cambiarlo.

Pero si el anfitrión es un hombre como usted... quiero decir sensato, y si la casa no es demasiado nueva..." "Pero ¿qué tiene eso ", dije yo, "que ver con la comodidad de un fantasma?"
"Una casa nueva no sirve, ya sabe... Cuesta mucho trabajo prepararla. Pero después de veinte años más o menos, los zócalos se empiezan a caer, así que veinte es el máximo."

"Preparar" no es una palabra que yo recuerde haber oído. "Quizá", dije, "¿tenga la bondad de decirme qué significa exactamente esa palabra?"

"Significa que hay que aflojar todas las puertas", contestó el fantasma y se rió. "Implica taladrar montones de agujeros en todos los zócalos y suelos, para ahuecar todo de arriba a abajo.

A veces te encuentras con que uno o dos son suficientes para que el viento sople por toda la casa... Pero aquí hay mucho que hacer." Boquiabierto, murmuré: "¡Sin duda!"

"Como he llegado un poco tarde, supongo", añadí tratando (sin éxito) de sonreír, "que tu has estado ocupado todo este tiempo, preparando y arreglando."

"No", dijo. "Quizá debería haberme quedado otro poco..., pero ningún fantasma que se precie se habría atrevido a empezar sin antes una introducción.

Lo correcto, como usted llegaba tarde, habría sido marcharme Pero con los caminos en ese estado, obtuve el permiso del Caballero Alcalde para esperar media hora o un poco más."
"¿Quién es el Caballero Alcalde?". exclamé. En lugar de responder a mi pregunta, dijo: "Bueno, si no sabe usted eso , o bien nunca se va a la cama o tiene usted una magnifica digestión.

Él va de un sitio a otro y se sienta sobre la gente que cena mucho. Su obligación es pellizcarles y empujarles y estrujarles hasta que casi se ahogan." (Yo dije: "¡Les está bien empleado!")

"La gente que cena cosas como... murmuró, "huevos con panceta, langosta.... pato..., queso tostado.. si no reciben un terrible apretón. ¡Es que yo estoy totalmente equivocado!'
Es enormemente gordo y eso viene muy bien a su trabajo. De hecho, debéis saber que solíamos llamarle, hace años, ¡El Alcalde y la Corporación! '

El día en que le eligieron alcalde yo sabía que todos los espíritus querían votar por mí, pero no se atrevían... Él estaba tan frenético y desesperado como furioso y nervioso.

Cuando todo terminó, por capricho, corrió a decírselo al rey, y siendo todo lo contrario a delgado, una carrera de dos millas no era para él algo fácil de llevar a cabo.

Así que, para recompensarle por su carrera (como hacía un abrasante calor y él pesaba más de veinte piedras), el rey procedió, medio en broma, a nombrarle caballero en el acto."

"Se tomó mucha libertad!" (salté yo como un cohete). "Sólo lo hizo por amor a los juegos de palabras: '¡El hombre', dice Johnson, 'que hace juegos de palabras, roba los bolsillos!"'

"El rey", dijo él, "no es un hombre cualquiera." Yo discutí durante un rato e hice lo posible para demostrar esto... El fantasma simplemente escuchaba con una sonrisa desdeñosa.

Por fin, cuando el aliento y la paciencia se habían agotado y yo había recurrido al cigarro... "Su propósito", dijo, "es excelente, pero... cuando lo llama razonamiento... desde luego ¿no está bromeando?"

Picado por su mirada fría y sinuosa, me levanté finalmente para decir: "Por lo menos yo desafío a los más escépticos a que nieguen que la unión hace la fuerza!"

"Eso es realmente cierto", dijo él, "pero espere...", yo escuchaba dócilmente... " La unión hace la fuerza, eso es cierto; de hecho, está tan claro como el agua. Pero las cebollas provocan debilidad."
CANTO VI

DESCONCIERTO

Como uno que trata de subir una montaña y nunca antes ha escalado, advierte en breve plazo que esto es cada vez menos sublime, y decide que es un aburrimiento.

Y, sin embargo, habiendo ya empezado a escalar, no se atreve a dejar el desafío, sino que, mientras escala, tiene la mirada puesta en una pequeña cabaña cerca del cielo donde espera descansar.

Al que escala hasta que se le agotan los nervios y las fuerzas, soplando y jadeando, conforme va ascendiendo su lenguaje se le hace más violento y más escasa su respiración.

El que escalando por fin alcanza la cima, corona el camino ascendente y entrando, con paso vacilante, recibe un cachete en la cara que le hace caer hacia atrás.

Y siente, como en sueños, cómo resbala suavemente hacia abajo de nuevo, un peso muerto, de cuesta en cuesta, hasta que, con un ligero movimiento de cabeza, cae sobre el llano...

Del mismo modo yo, que había decidido convencer a un fantasma y discutir con él, me había parecido bastante diferente a cualquier discusión humana; a pesar de eso, no iba a ceder en mi empeño.

Sin embargo, teniendo todavía en mi mente el fin que esperaba alcanzar, procuré demostrar que el asunto era cierto haciendo un axioma con mis conocimientos.

Al empezar todas las frases con "por consiguiente" o "porque", yo ciegamente di vueltas, por cien caminos diferentes, dentro de un laberinto silogístico, sin ser consciente de dónde me encontraba.

Dijo él: "¡Esto es sólo palabrería! ¡No fanfarronee más! ¡Ahora sea bueno y descanse! ¡Nunca he visto un tipo tan ridículo!

Es usted como un hombre al que yo solía ver. Un día se enfadó en una discusión y el mismo acaloramiento quemó las zapatillas que llevaba en los pies!" Yo dije: "¡Qué curioso!"

"Bueno, es curioso, estoy de acuerdo, y quizá parezca una mentirijilla. Pero prometo que es tan cierto como posible..., tan cierto como que usted se llama Tibbs", dijo él. "Yo no me llamo Tibbs", contesté.

"¡No se llama Tibbs!", exclamó... Su voz se hizo una pizca menos cordial... "Bueno, no", dije yo, "mi nombre de pila es Tibbets..." "¿Tibbets?" "Sí, el mismo." "¡Entonces, tú no eres el tipo !"
Al decir esto dio un tremendo golpe a la mesa que hizo añicos la mitad de los vasos "¿Por qué no me has dicho eso tres cuartos de hora antes, príncipe de los asnos?

Andar cuatro millas entre el barro y la lluvia, pasar la noche entre humos y ver que todo ha sido en vano... y que tengo que hacerlo otra vez. ¡Es tan exasperante,"
"¡Cállate!", gritó, cuando yo empecé a darle alguna excusa. "¿Cómo se puede tener paciencia con un tipo que no tiene mayor juicio que un tonto imbécil?"

"¡Dejarme aquí esperando, en lugar de decirme inmediatamente que ésta no era la casa!". dijo. "Bueno, ya está... ¡Vete a la cama! ¡No me mires así, burro,"

"¡Qué fácil es echarme a mi la culpa de ese modo! ¿Por qué no preguntaste mi nombre en el momento de llegar?", contesté yo enfadado.

"Desde luego te preocupa un poco haber llegado tan lejos... Pero, ¿quién soy yo para que me eches la culpa de esto?" "¡Bueno. bueno!", dijo él. "Debo admitir que no ha sido tan malo.
Realmente me has dado el mejor vino y la mejor comida... Perdona mi violencia", dijo. "Pero accidentes como éste, ya sabes, enfadan a uno un poquito.

Después de todo ha sido culpa mía, creo... ¡Dame la mano, viejo nabo!" El nombre que me dio sonó mal en mi mente, pero como, sin duda, él lo decía cariñosamente, lo dejé pasar.

"¡Buenas noches, viejo nabo, buenas noches! Cuando yo me haya ido, quizá te enviarán otro espíritu, de rango inferior, que te causará un miedo constante y estropeará tus sueños más profundos.

Dile que no soportas ni la más leve broma. Luego, si él mira de reojo y se ríe, sé habilidoso con un palo (recuerda que debe ser bastante duro y grueso) y ¡golpéale los nudillos!
Después descuidadamente di: '¡viejo mapache!'

Quizá no te das cuenta de que, si no te comportas, pronto tendrás que cambiar el tono de tu risa... Y, por eso, ¡ten cuidado!

Ésa es la mejor manera de hacer que un espíritu deje esos tejemanejes... Pero, ¡pobre de mí! ¡Se está haciendo de día! ¡Buenas noches, viejo nabo, buenas noches!" Un saludo y se marchó.

CANTO VII

TRISTE RECUERDO

"¿Qué pasa?", medité. "¿Me he dormido? ¿O es que he estado bebiendo?" Pero pronto un sentimiento agradable me invadió, me senté y me puse a llorar durante una hora o así, en un abrir y cerrar de ojos.

"¡Bones no tenía que darse tanta prisa!", dije sollozando. "De hecho, dudo que le mereciera la pena marcharse... Y me gustaría saber ¿quién es Tibbs para merecerse tanto trabajo?
Si Tibbs es como yo es posible ", dije, "que no le guste mucho que pasen por su casa a las tres y media de la madrugada cuando él ya está en la cama.

Y si Bones le atormenta de algún modo..., chillando y con cosas así, como estuvo haciendo aquí hasta ahora... Preveo que va a haber una disputa, y ¡Tibbs será quien lleve razón!"

Además, como mis lágrimas nunca me devolverán al amigable fantasma, me parece lo mas adecuado servirme otro vaso y entonar el siguiente corolario.

"Te has ido, querido fantasma. ¡Mi mejor pariente ¡Di adiós a mi pato asado; adiós, adiós, a mí té con tostadas, a mí pipa y mis cigarros!

Las quejas en la vida son tristes y grises, las alegrías insípidas, cuando tú , mi amigo, estas lejos... ¡Buen chico, o mejor, digamos, viejo Paralelepípedo!"

En lugar de cantar la tercera estrofa, me paré... bastante abruptamente. Pero, tras una letra tan espléndida, sentí que sería absurdo tratar de seguir.

Así, con un bostezo me fui en busca de la grata suavidad, y dormí, y soñé hasta que el día rompió, ¡con duendes, con apariciones y con hadas y con gnomos y fantasmas!

Durante años no he sido visitado por ninguna clase de espíritu. Pero, todavía, resuenan en mi mente esas palabras de despedida, dichas amablemente: "¡viejo nabo, buenas noches!"

Hipocresía Telúrica

2007-08-24T21:37:00.000-05:00

A las 6 y 45 del 15 de agosto, la tierra decidió bailar, para susto en infortunio nuestro comprobamos que tenia dos pies izquierdos. El resultado: Pánico general, una ciudad destruida y una ciclópea psicosis colectiva. Ancianas insulsas e ilusos transeúntes, proclamaban a viva voz el fin de los tiempos; otros no más listos, oraban desde lo alto de sus edificios o amparados bajo la seguridad explosiva de sus puertas de vidrio, otros tantos se deshacían en lágrimas, mientras que al no buscar resguardo, clamaban al todopoderoso que aplaque su ira. Ciertamente no sabremos si estas inconscientes personas, que al parecer estiman tan poco su existencia, debieron perecer antes que sus desdichados homólogos del sur.

300 quilos de concreto pueden extinguir una o dos vidas, mas la excitación el pánico e histeria, pudieron segar cientos de miles de haberse encontrado en el lugar indicado, bajo los mismos 300 quilos. Los acontecimientos lo demuestran y es hecho de facto que, de tener la desgracia de ser el próximo epicentro, nuestra Lima, seria víctima de una necesaria reducción demográfica.

Las políticas de seguridad nacional, así como la fiabilidad de las comunicaciones están en jaque, su ineficiencia no requirió de empirismos para ser demostrada, pues fue obscenamente expuesta. Todo fue insuficiente, una vez mas la burocracia, el desorden y la desinformación, fueron combinados diestramente por nuestro Estado, creando la receta perfecta para la muerte de cientos de personas.

Los medios de comunicación, más ágiles que las entidades estatales y con un olfato infalible para la carroña, fueron los primeros en llegar, para informarnos sí, para lucrar, también. En la plaza de Pisco, los reporteros competían con los buitres para ver quien sobrevolaba más tiempo un cadáver.

Mientras en lima los medios, emprendían la hostigante campaña de responsabilidad social, bombardeándonos cada minuto con la tragedia, durante días y noches que parecían nunca acabar y que de hecho, al parecer no han terminado. Lapso de desmesurada empatía y exagerada morbosidad, que acabó por impeler a algunos a avocarse a la sincera solidaridad, a otros a pretender salvar sus almas por unas cuantas viandas y a otros tantos a deshacerse de sus posesiones mas preciadas como zapatos de tacón, ropa interior remendada, perfumes y demás enceres absolutamente adjetivos. A los restantes les creó una reacción adversa, preguntándose, si debían ser parte o no de esta gran hipocresía telúrica.

Lo cierto es que se han perdido vidas y otras tantas se hallan en total desamparo. La ayuda interior fue recibida; así como la exterior, que a pesar del delicado contexto político demostró, en algunos casos verdadera solidaridad, en otros una pseudo-empatía y en los demás un proselitismo bien intencionado. Le aguarda a nuestro Estado y a los afectados un largo y tedioso proceso de restauración; tiempo durante el cual esperaremos que como muchos otros desdichados, en nuestra temporalmente solidaria nación, no sean olvidados.

Todas las cosas moriran!!!

2007-08-15T22:08:00.000-05:00

Alfred Tennyson

(1809 - 1892)

Todas las cosas morirán

El río del azul chimes claramente en su fluir
Debajo de mi ojo;Los vientos del sur están soplando con gusto y ampliamente
Sobre el cielo.Las nubes blancas son uno tras otro efímeras;Cada corazón que esta mañana de mayo en joyance está batiendo
Por completo feliz;
Con todo todas las cosas deben morir.
La corriente dejará de fluir;
El viento dejará de soplar;
Las nubes cesarán a la flota;
El corazón dejará de batir;
Por todas las cosas debe morir.
Todas las cosas deben morir.
El resorte nunca vendrá más.
¡O, vanidad!
La muerte espera en la puerta.
¡Ver! nuestros amigos son todos que abandonan
El vino y el merrymaking.
Somos llamada' que d-debemos ir.
Punto bajo puesto, muy bajo,
En la obscuridad debemos mentir.
Los felices glees son inmóviles;
La voz del pájaro
No más serán oídas,
Ni el viento en la colina.
¡O, miseria!
¡Escuchar! la muerte está llamando
Mientras que hablo al ye,
La quijada está cayendo,
La mejilla roja que palidece,
El fallar fuerte de los miembros;
Hielo con mezclarse caliente de la sangre;
El fijar de los globos oculares.
Nueve veces van la campana que pasa:
Felices almas de Ye, adiós.
La vieja tierra
Tenía un nacimiento,
Como todos los hombres saben,
Hace tiempo.
Y la vieja tierra debe morir.
Dejar tan la gama caliente de los vientos,
Y el golpe azul de la onda la orilla;
Para uniforme y la mañana
Ye nunca verá
Eternidad de Thro'.
Todas las cosas fueron llevadas.
Ye nunca vendrá más,
Por todas las cosas debe morir.

Stéphane Mallarmé

2007-08-15T20:17:00.000-05:00

Mallarmé, poeta frances, un total maestro de su arte. Definitivamente uno de los mas grandes del siglo XVI, nacido en 1842, en Paris este maestro marco con su obra la cumbre del simbolismo frances, muy influenciado por supuesto de otro grande como es Baudelarie
Disfruten:

ANGUSTIA

Hoy no vengo a vencer tu cuerpo, oh bestia

llena de todos los pecados de un pueblo que te ama,

ni a alzar tormentas tristes en tu impura melena

bajo el tedio incurable que mi labio derrama.

Pido a tu lecho el sueño sin sueños ni tormentos

con que duermes después de tu engaño, extenuada,

tras el telón ignoto de los remordimientos,

tú que, más que los muertos, sabes lo que es la nada.

Porque el Vicio, royendo mi majestad innata,

con su esterilidad como a ti me ha marcado;

pero mientras tu seno sin compasión recata

un corazón que nada turba, yo huyo, deshecho,

pálido, por el lúgubre sudario obsesionado,

¡con terror de morir cuando voy solo al lecho!

Versión de Andrés Holguín

LA TUMBA DE EDGAR POE

Tal como al fin el tiempo lo transforma en sí mismo,
el poeta despierta con su desnuda espada
a su edad que no supo descubrir, espantada,
que la muerte inundaba su extraña voz de abismo.

Vió la hidra del vulgo, con un vil paroxismo,
que en él la antigua lengua nació purificada,
creyendo que él bebía esa magia encantada
en la onda vergonzosa de un oscuro exorcismo.

Si, hostiles alas nubes y al suelo que lo roe,
bajo-relieve suyo no esculpe nuestra mente
para adornar la tumba deslumbrante de Poe,
que, como bloque intacto de un cataclismo oscuro,
este granito al menos detenga eternamente
los negros vuelos que alce el Blasfemo futuro.

Versión de Andrés Holguín

LAS CUATRO ESTACIONES

1. Resurgir
Primavera enfermiza tristemente ha expulsado

Al invierno, estación de arte sereno, lúcido,

Y, en mi ser presidido por la sangre sombría,

La impotencia se estira en un largo bostezo.

Unos blancos crepúsculos se entibian en mi cráneo

Que un cerco férreo ciñe como a una vieja tumba

Y triste, tras un sueño bello y etéreo, vago

Por campos do la inmensa savia se pavonea.

Luego caigo enervado de perfumes arbóreos,

Cavando con mi rostro una fosa a mi sueño,

Mordiendo el suelo cálido donde crecen las lilas

Espero que, al hundirme, mi desgana se alce...

-Mientras, el Azur ríe sobre el seto y despierta

Tanto pájaro en flor que al sol gorgea-.

2. Tristeza de verano

El sol, sobre la arena, luchadora durmiente,

Calienta un baño lánguido en tu pelo de oro

Y, consumiendo incienso sobre tu hostil mejilla,

Con las lágrimas mezcla un brebaje amoroso.

De ese blanco flameo esa inmutable calma

Te ha hecho, triste, decir -oh, mis besos miedosos-:

"¡Nunca seremos una sola momia

Bajo el desierto antiguo y felices palmeras!"

¡Pero tu cabellera es un río tibio,

Donde ahogar sin temblores el alma obsesionante

Y encontrar esa Nada desconocida, tuya!

Yo probaré el afeite llorado por tus párpados,

Por ver si sabe dar al corazón que heriste

La insensibilidad del azur y las piedras.

3. Suspiro

Mi alma hacia tu frente donde sueña

Un otoño alfombrado de pecas, calma hermana,

Y hacia el errante cielo de tus ojos angélicos

Asciende, como en un melancólico parque,
Fiel, un surtidor blanco suspira hacia el azul.

-Hacia el Azur eternecido de octubre puro y pálido

Que mira en los estanques su languidez sin fin

Y deja, sobre el agua muerta do la salvaje

Agonía de las hojas yerra al viento y excava un frío surco,

Arrastrarse al sol gualda de un larguisimo rayo.

4. Invierno

¡El virgen, el vivaz y bello día de hoy

Da un aletazo ebrio va a desgarrarnos este

Lago duro olvidado que persigue debajo de la escarcha

El glaciar transparente de los vuelos no huidos!

Un cisne de otro tiempo se acuerda de que él es

Quien, aun sin esperanza, magnífico se libra

Por no haber cantado la región do vivir

Cuando ha esplendido el tedio del estéril invierno.

Sacudirá su cuello entero esta blanca agonía

Por el espacio impuesto al ave que lo niega,

Mas no el horror del suelo que aprisiona al plumaje.

Fantasma que su puro destello a este lugar asigna,

Se aquieta en el ensueño helado del desprecio

Que entre su exilio inútil viste el Cisne.

Versión de: Aníbal Núñez

SONETO

El de sus puras uñas onix, alto en ofrenda,

La Angustia, es medianoche, levanta, lampadóforo,

Mucho vesperal sueño quemado por el Fénix

Que ninguna recoge ánfora cineraria:

Salón sin nadie en las credencias conca alguna,

Espiral espirada de inanidad sonora,

(El Maestro se ha ido, llanto en la Estigia capta

Con eso solo objeto nobleza de la Nada.)

Mas cerca la ventana vacante al norte, un oro

Agoniza según tal vez rijosa fábula

De ninfa alanceada por llamas de unicornios

Y ella apenas difunta desnuda en el espejo

Que ya en las nulidades que claüsura el marco

Del centellar se fija súbito el septimino.

Versión de Octavio Paz

Sangre de Venus

2007-08-15T00:40:00.000-05:00

Sangre de Venus

Labios de acida fresa en pulsaciones de
constante excitación, grito de silencio,
ineluctable soledad, la seda constrictora
fragiliza el císneo cuello y prepara el
blanquísimo marfil para la mordida
inevitable de la bestia.

Tiempo en retroceso, susurros disonantes,
lleno de lenguas celestes relame el viento
crispados muslos y helados senos,
alas macabras y desnudas se proyectan de
las simas a las tejas de pizarra.

El demonio de la peste supone aroma a
uvas muertas, la boca advierte electricos
temblores, sensibles espasmos en el vientre,
labios humedos como las ganas de vivir,
la carne láctea es a la vista irresistible,
como una gota de sangre en la tiniebla.

De innombrable asimetría, Agramón
La fauce artera, se enreda en las cornizas.
Antinaturales movimientos, atonías guturales,
Voracidad descarnada y colmillos asesinos,
tiemblan y babean como agujas en la oscuridad
y el golpe en confusión repite el sonsonete
insoportable de trizados dientes.

Melopéa insoportable, se ahoga el tiempo en la clepsidra,
oníricos tormentos, dardo afilado de recuerdos recorre la
psiquis en ensueño, sedas frías, golpe sordo,
colmillos y letal penetración, sangre de Venus,
sombra saturniana en la noche de plutón,
demencial locura, placer malsano y caricias de
cadáver aman a la bestia cual mortal inquisidor.

Espasmos detenidos, purpúreos labios entreabiertos
contrastan con la dermis lívida, mortaja ensangrentada
y pletóricos vampiros. Sensibles pulsaciones,
diáfanos espejos insondables. Antinatural reanimación,
necromancia en proceso, corazón en silencio,
eléctricos pulsos y odiado retorno. El Obi extiende
un vaso de tristeza, que el difunto no se bebe.

The Silent Circus

2007-08-14T21:35:00.000-05:00

The silent circus

Recuerdo el alma dormida,
Cayendo en una oscuridad desmembrada.
La sima desconocida,
La insinuación de una despedida.

Vistiéndose de gallardía;
El alma taciturna,
Pretende distanciarse de la oscuridad verdadera.

La luna, ataviando de luz sus ojos.
Agitándose por cada pensamiento nihilista,
Pretendiese adueñar del alma fortuita.
Descansar en paz,
Sabatizar en paz.

Trago, de una exhalación, todos sus recelos.
Avanzando lentamente, pretendió exagerar su andar.

Alejándose de la oscuridad...

Nadie lo pudo ver,
Nadie lo oyó correr.

Muriendo las estrellas al colapso del alma,
Pretende relegar un acto apresurado.

El silencio le abriga...!!

El silencio del circo.