There Will Be Blood soundtrack

El 2007 fue un año auspicioso para la industria del cine norteamericano, en cuanto algunos de sus mejores directores han hecho entrega de sus nuevos trabajos. Y estas cintas llegan a nuestra cartelera en este verano, oportunidad casi única para disfrutar de un número aceptable de filmes de calidad y satisfacer en parte las hambrientas fauces de cinéfilos exigentes.

Uno de los estrenos más esperados y aclamados alrededor del mundo ha sido “There will be blood”, lo nuevo de Paul Thomas Anderson. Esta película que cuenta con la actuación del siempre eficiente Daniel Day Lewis, aborda la historia de un buscador de petróleo a inicios del siglo pasado. El filme ya ha obtenido premios y nominaciones en diversos rincones del orbe.

Pero el punto que me gustaría resaltar es la banda sonora de la misma, compuesta nada más y nada menos que por Jonny Greenwood, guitarrista de la influyente agrupación británica Radiohead. Piezas musicales bastante intensas que remontan a los antiguos dramas épicos de grandes proporciones del cine de antaño, pero sin perder el toque de innovación y experimentación que caracterizan a su creador.

Sin duda, los fanáticos del cine y de la música esperamos esta prometedora alianza. Mientras tanto, les ofrezco el soundtrack en mención. Más que recomendable, tratándose de Greenwood, y una excelente forma de esperar la llegada de esta película, que luego de varios años nos trae de vuelta a Anderson, uno de los nuevos genios de la cinematografía estadounidense y, por qué no, mundial. Disfrútenlo.

Descargar banda sonora de There Will Be Blood

Jimmy Page and The black crowes, live at the greek

Este álbum lanzado en el 2000 contiene material de un concierto realizado por los Black crowes, en el teatro Greek, ubicado en los Ángeles acompañados por Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppelín, el repertorio del CD consta de covers hechos por Black crowes a temas de Zeppelín, cabe resaltar que los conciertos (que fueron 2) incluyeron en su repertorio temas propios de los black crowes, canciones como “remedy” o “hard to handle”, sin embargo un problema con la compañía disquerales evitó colocarlas en este CD

Yo considero a este doble CD como una joya en lo que respecta a conciertos pues, la pasión y fuerza que denotan tanto Page (se mete unos riffs improvisados excelentes) como los Crowes además de la sublime voz de Chris Robinson … sin palabras, totalmente recomendado.

CD 1 (descargar)

CD 2 (descargar)

Karlheinz Stockhausen 1928 - 2007

Recuerdo que hace unos meses conversaba con mis compañeros de este blog y les comentaba la posibilidad de escribir acerca del compositor Karlheinz Stockhausen. El motivo por el cual no me animaba a publicar un artículo sobre él era la complejidad de su trabajo, y por eso decidí postergar el pequeño proyecto. Sin embargo, hace unos días, Stockhausen dejó este mundo y amerita un humilde homenaje de nuestra parte.

Considerado uno de los más influyentes músicos del pasado siglo, además de innovador, revolucionario, provocador y visionario, nació en Alemania en 1928 y sentó bases importantísimas para lo que sería la música electrónica.

Desde niño se dejó influenciar por la vena musical de su familia, en especial de su madre, tocando el piano y el violín. Tras la muerte de ésta, aparentemente a manos de los nazis, comenzó a estudiar intensamente pedagogía musical de piano, musicología, filosofía, y lengua germánica..

Su catálogo de obras es extenso y variado, por lo cual es difícil clasificarlo. No obstante, destacó por el uso de las matemáticas a la hora de componer, renovó el sonido y su habitual armonía, utilizó uno de los primeros tipos de sintetizadores y experimentó con la aleatoria o casualidad controlada, dentro de su famosa música serial. Además fue director de orquesta.

Polémico hasta más no poder, Stockhausen fue bastante caprichoso en su composición y en su vida diaria. Quizá su mayor desliz fue afirmar que los ataques a las Torres Gemelas del 11 de septiembre fueron ‘la mayor obra de arte que se haya hecho jamás’, comparando su minuciosa preparación y coordinación con la labor de un músico. Desde luego, fue un comentario por el cual muchos los criticaron e incluso lo obligaron a pedir disculpas públicas.

Pero dejando de lado acontecimientos aislados, su obra ha dejado un legado impresionante en el arte. Influyó en músicos como los Beatles (aparece en la portada del Sgt. Pepper’s), Pink Floyd, Miles Davis, David Bowie, Frank Zappa, Björk y notoriamente en Kraftwerk, el grupo electrónico más popular de la historia, entre tantos otros. Además, muchas otras disciplinas se han visto plagadas de su estilo, como es el caso de la pintura de Paul Klee, la literatura de Julio Cortázar, el cine de Godard, e innumerables expresiones que recibieron el poder de su música.

Un autor incomprendido en demasía, que negaba ser futurista al decir que lo moderno de hoy, sería lo tradicional de mañana. Ahora ha muerto y su herencia debe permanecer imperecedera como la de tantos otros genios. Pionero de la vanguardia y referente a los nuevos músicos, Stockhausen debe ser tomado en cuenta en mucha mayor medida de la que se ha hecho hasta el momento.

Los dejo con algo de su trabajo de la década del 50 y con un video interesante de un grupo de músicos tocando una de sus piezas desde unos helicópteros. Realmente desquiciado pero genial. Disfrútenlo.

Elektronische Musik (Parte 1)

Elektronische Musik (Parte 2)

Mis discos favoritos del 2007

No soy un crítico de música ni mucho menos, pero sí soy un fanático empedernido y casi dependiente de este arte, uno de los más bellos de la humanidad. Es matemáticamente imposible escuchar todas las producciones que se hacen en un año, o al menos una gran parte de ésta. Aún así, decidí escoger los cinco mejores discos que llegaron a mis manos (o directamente a mi disco duro) en estos últimos doce meses. Es una lista personal, alejada de cualquier intento de análisis profundo o crítica constructiva o destructiva. Simplemente lo que más me agrado y sonó en mi cuarto y en mi mp3.

The National – Boxer

Siguiendo los pasos de Arcade Fire y Arctic Monkeys, la banda de Brooklyn se ha convertido en la engreída de las revistas, los blogs y las radios. Pero no por eso dejan de ser una de las agrupaciones más interesantes y prometedoras del momento. Boxer es mi disco favorito del 2007 por muchas razones: por su estilo oscuro y romántico (no emo, por favor), por sus destacadas letras, por la voz de barítono del líder Berninger, por la incesante batería a lo largo del álbum y por una serie de canciones que me marcaron definitivamente. Imprescindible.
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Radiohead – In Rainbows

Una de las pocas bandas que mantienen una regularidad en toda su producción desde sus inicios; y esto, a pesar de las constantes experimentaciones de sus miembros. Sin embargo, In rainbows, a mi parecer, está por encima de sus dos anteriores discos y demuestra cierta madurez en el grupo. Además, un plus al trabajo es la decisión y el atrevimiento de haber ofrecido el disco completo en su página web, permitiendo a los fanáticos establecer el precio que deseaban pagar. Un duro golpe a las disqueras y un paso más en la llamada revolución musical.
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Arcade Fire – Neon Bible

No consiguieron la difícil tarea de superar el maravilloso Funeral del 2004 (uno de los mejores discos de la década), pero solo queda decirles “gracias”. Estos canadienses quieren apuntarse una seguidilla de discos de culto y vaya que van por buen camino. Un álbum con melodías bellísimas y letras alegóricas de crítica social, que confluyen sin ningún problema, sin estorbarse entre ellas. Grandes como Bowie confirmaron su admiración por esta súper banda y esperamos con ansias un nuevo trabajo que nos encandile y sorprenda como lo han hecho hasta el momento.
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A Place To Bury Strangers – A Place To Bury Strangers

Prometedor debut de esta banda con álbum del mismo nombre. Básicamente shoegazing, pero con mucha influencia del post punk, gótico, EBM, industrial y tantas otras etiquetas que alimentan a los críticos, pero que ayudan muchas veces con la descripción. Un disco excelente con nueve canciones plagadas de ruidos, zumbidos y distorsiones en un cuarto oscuro que asemeja el espacio infinito. No es exageración, es el efecto que produce esta impresionante agrupación que esperemos no se convierta en un one hit wonder como muchas otras.
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Ulrich Schnauss – Goodbye

El trabajo más experimental de los cinco mencionados. Shoegazing electrónico procedente de Alemania en manos de este innovador genio de la música contemporánea. Poco conocido en el medio comercial , pero muy aclamado por los conocedores, Schnauss nos entrega esta joya que se convierte en su tercer disco de estudio luego de muchos trabajos acreditados con otros seudónimos. Y lo mejor de todo es que esta semana recibiremos su visita en un concierto para no perderse. Un álbum para abrir los oídos a algo nuevo y de mucha calidad.
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Otros discos que no entraron entre mis cinco predilectos pero que debo mencionar son:

The Shins – Wincing The Night Away

A Sunny Day In Glasgow – Scribble Mural Comic Journal

Interpol – Our Love To Admire

Spoon – Ga Ga Ga Ga Ga

LCD Soundsystem – Sound Of Silver

Clap Your Hands Say Yeah - Some Loud Thunder

Obviamente, esta lista podrá variar conforme vaya descubriendo nuevos discos en un futuro muy cercano. Por el momento, espero que sirva como una recomendación para quienes deseen escuchar la nueva música que se está haciendo en el mundo. Dejo enlaces de descarga para los álbumes comentados y espero los disfruten tanto como lo hice yo.

Japancakes - Loveless

Como algunos de ustedes sabrán, la mega banda shoegazer My Bloody Valentine se reunirá el próximo año para una serie de presentaciones en el Reino Unido. Solo unas pocas fechas han sido confirmadas, pero ya hay rumores de una gira mayor y posiblemente de un nuevo álbum. Por esta razón, el redactor de este artículo derrama algunas lágrimas de emoción.

Sin embargo, el motivo de este post es presentarles otra curiosidad musical. Se trata del grupo Japancakes, unos estadounidenses con humilde trayectoria que este año se han propuesto un plan de grandes proporciones. Al parecer, estos fanáticos de My Bloody Valentine, no se conformaron con hacer un cover de los irlandeses, sino que decidieron reinterpretar el aclamado disco Loveless en su totalidad.

Así es, aunque no lo crean e incluso lo odien los fanáticos más puritanos, esta banda se ha atrevido a meterse en caminos peligrosos. Por mi parte, reconozco ser un admirador recalcitrante de MBV, y debido a esto, veo este disco como una forma de homenaje y no como un intento de emularlos. La grabación del Loveless original es un misterio aún, por los sónicos efectos conseguidos, y por eso este trabajo no llega a ser una burda imitación, sino se convierte en un resultado interesante.

En fin, para que saquen sus propias conclusiones, les dejo este curioso álbum y de paso, por si a alguien le falta, el original y maravilloso Loveless de My Bloody Valentine, un disco imprescindible. Disfrútenlos.

Descargar: Japancakes - Loveless


Descargar: My Bloody Valentine - Loveless

A grunge Supergroup - Temple of the dog

Temple of the Dog, primer y único disco homonimo de una súper banda, formada de los vestigios de Mother Love Bone, miembros de lo que sería Pearl Jam y miembros de Soundgarden.

Este proyecto fue desencadenado por un trágico suceso, a muy poco tiempo de que el primer CD de Mother Love Bone, “Apple” saliera al mercado, su vocalista, Andrew Wood, murió de una sobredosis de heroína, Chriss Cornell, (en ese tiempo vocalista de soundgarden), era amigo de Wood (eran compañeros de cuarto), a la muerte de Wood Cornell escribe dos canciones en su memoria, “say hello to heaven” y “reach down”, y planteo a Stone Gossard y Jeff Ament, miembros de Mother Love Bone, grabarlos como singles; la alineación fue completada con el baterista Matt Cameron de Soundgarden, y Eddie Vedder.

Lo que empezó como un proyecto de dos canciones terminó en un álbum entero, donde se entremezclan el típico sonido grunge, pesado y rasposo y melodías lentas, melancólicas, amargas, excelentes, y que decir de la dupla Cornell-Vedder, dos de las mejores voces del género alternándose junto a guitarras en su optimo estado de distorsión, definitivamente un disco infaltable.

Sin mas preámbulo le doy paso a “Temple of the dog” (Agradecimiento especial a Juan Carlos subir el disco al blog para obtener puntos en su cuenta de rapidshare, que Kurt te bendiga Juan Carlos) click en la portada para descargar.

Alineación:

- Eddie Vedder: voz de apoyo en los tracks "Pushin Forward Back", “Your Saviour" y “Four Walled World", voz principal en “Hunger strike”

- Chris Cornell: voz principal, voz de apoyo en “Hunger strike”, guitarra, banjo en “Wooden jesús”, harmonica en “Times of trouble”

- Jeff Ament: Bajo

- Stone Gossard: guitarra

- Mike McCready: primera guitarra

- Matt Cameron: Bateria

- Rick Parashar: teclado (All night thing) y piano ("Call Me a Dog", "Times of Trouble", "All Night Thing")

Covers

Desde hace varios años ya, la palabra cover se ha convertido en una de las más usadas entre las personas que gustan de la música en general. Debo decir que soy un defensor del uso del castellano puro; sin embargo, reconozco también que no he podido resistir a la tentación y a la fuerza de la costumbre, y he caído en el empleo del vocablo en referencia en infinidad de ocasiones. Y lo haré una vez más.

El cover es una nueva interpretación de una canción grabada anteriormente por otro artista. Y aunque las reglas digan que no hay mejor que el original, es bastante atractivo escuchar versiones de viejas canciones, ser interpretadas por distintos artistas. Muchas de estas variaciones son terriblemente malas y provocan consecuencias adversas al oyente; otros son copias fieles e insulsas que no valen un centavo; pero algunas valen la pena por la calidad del ejecutor y por el posible giro que este pueda darle, aumentando, mejorando y cambiando en general el tema original.

Es por eso que he preparado una recopilación con cobres que son de mi agrado y que podrían interesarle a los amantes de la buena música. Al existir una infinidad, he decidido excluir a los ya conocidos (como por ejemplo, las canciones de la banda Nouvelle Vague) y he seleccionado los que son de mi mayor agrado, incluyendo temas no oficiales.

Empiezo con una buena versión de This charming man, interpretada por Death cab for cutie; luego, Placebo tocando 2 buenos covers de Pixies y Depeche Mode, Bauhaus ejecutando la famosa Ziggy Stardust de David Bowie y Dinosaur Jr. con su clásico estilo ruidoso tocando Just like heaven de The Cure. También incluyo a mi banda favorita, Nirvana, versionando a tres grandes como son Led Zeppelin, The Who y The Doors, y luego a Sonic Youth interpretando la explícita Moist vagina, propiedad de Cobain y compañía. Dejo una extraña versión, típica de Bowie, tocando Alabama song y una doble interpretación de Across the universe de The Beatles, a cargo del bien ponderado Rufus Wainwright y de los geniales Smiths. Y para finalizar, otra hermosa canción del grupo de Morrissey, There is a Light that never goes out en dos versiones: la primera por parte de los estadounidenses The Ocean Blue, y la segunda, una versión adaptada al castellano y cantada por Mikel Erentxun.

Esperando que les guste, dejo un enlace de descarga y un video de uno de mis covers favoritos: Bauhaus interpretando Transmission, un clásico de la banda inglesa Joy Division. Disfrútenlo.

Descargar covers

Michael Hedges

I’m not trying to play the guitar. I’m trying to play music.

Michael
Hedges

Cuando uno toca guitarra uno enfoca su mente a la creación de música en base a acordes y riffs, consumando su talento en los diversos aspectos que brinda este instrumento, ya sea en el rasgueo o en el palm muting, incluyendo el tapping, pero siempre con el espíritu de un guitarrista, sin embargo, a veces, como elegido distinguido del tiempo, viene a dar con la música cierto individuo que no crea melodías para la guitarra, sino bellas canciones instrumentales y al ejecutarlas en esta, cambia todo para todos, este era el caso de Michael Hedges, quien no era un guitarrista sino un compositor enamorado del instrumento.
La técnica de Hedges es impresionante pues se basaba en el tapping y el slap para crear melodías experimentales en la guitarra acústica, muchas veces innovaba tocando en la “harp-guitar” que es una guitarra con 6 cuerdas en el primer mango y un segundo inmediatamente arriba del primero (con 4, 5 o 6 cuerdas a la manera de bajo), esto le daba una capacidad mayor de marcar un ritmo palpable y a la vez jugar con la melodía, también es muy destacable su uso de las notas armónicas usándolas incluso como parte primordial en canciones.
En el año 1997 Michael Hedges murió a los 40 años en un accidente de transito, su automóvil cayo a un barranco tras resbalarse por la intensa lluvia que había dejado a la pista completamente mojada.
Multifacético, poli musical, un total talento; Michael Hedges se definía a si mismo y a su estilo como ”, “heavy mental”, violent acoustic “acoustic thrash”, “new edge”, “edgy pastoral”, “savage myth”, “deep-tissue gladiator guitar”, “wacka-wacka”, sin embargo su técnica influencio a muchos guitarristas de Folk y de rock, para conocer mas sobre el pueden entrar a http://www.nomadland.com/, sin mas preámbulo les presento a Michael hedges tocando aerial boundaries, “silent anticipation”, “cello suite Nro 1 en sol mayor” de Bach, y “because It´s there”

The Velvet Underground and Nico

Como fanático del shoegazing y del rock en general me veo en la obligación de comentar y acercarles uno de los discos más perfectos de la historia musical: The Velvet Underground, ópera prima de la banda homónima, acompañados de la cantante y modelo alemana Nico.

Lou Reed, John Cale, Sterling Morrison y Maureen Tucker, junto a la ya mencionada Nico, dieron vida a uno de los álbumes más influyentes de todos los tiempos, y catalogado como un enorme paso por su calidad de experimentación, de avant garde y el espectacular concepto creado detrás de la producción, en el cual influyó de sobremanera el hecho de haber trabajado en The Andy Warhol’s Factory.

Otra vez en la década del 60, exactamente en 1967, una agrupación cambiaría el rumbo de lo hecho anteriormente y golpearía en el rostro a todos, con alevosía, rebeldía y a la vez magistral batuta, marcando un hito sorprendente. Desde la portada, el famoso plátano diseñado por Warhol, y la inscripción “Peel slowly and see” (Pele despacio y observe) podemos sentir una renovación radical (en ediciones originales, la cáscara podía retirarse y dejar al descubierto la banana pelada) muy propia de la naciente cultura pop.

La apertura es con Sunday Morning, una de las canciones más hermosas del álbum, donde la voz de Reed asemeja en efecto la suave alba dominical, introduciéndonos suavemente en el torbellino genial que engloba todo el disco. I’m waiting for the man, malinterpretada como canción homosexual, relata a un hombre a la espera de su abastecedor de drogas.

Posteriormente encontramos Venus in furs, con un extraordinario uso de la viola por parte del buen John Cale, y que aborda temas como el sadomasoquismo, sumisión, etc. Heroin, la canción más popular probablemente, es una descripción detallada de lo que siente un consumidor de esta droga, acompañada de una espectacular batería por parte de Maureen, que empieza suave, acelera y vuelve a descender, en una sucesión que asemeja los ritmos cardíacos de la persona que ingiere la sustancia.

En general, son 11 temas extraordinarios que abordan aspectos muy controversiales como el consumo de drogas, el sexo y en particular, el hecho de no condenarlas sino de tocarlas sin complejos ni tabúes, lo que originó muchos comentarios en su época. Aún así, fue una consecuencia que siempre le toca pasar a cualquier trabajo que rompe esquemas y que ahora figura entre lo más destacado de la historia del rock and roll. Espero disfruten esta joya.

Descargar The Velvet Underground (1967)

Pet Sounds

Llegamos a los cien artículos publicados después de más de cuatro meses, durante los cuales, tras muchos altibajos, hemos tratado de acercar la cultura a todo aquel que ingresaba a nuestro blog. Y humildemente seguiremos intentando ser un medio al cual puedan recurrir con algún pedido o duda.

Para esta oportunidad, he querido enfocarme en uno de los discos más espectaculares que haya podido escuchar. Ensalzado por la crítica comercial, la independiente, por gente mayor y jóvenes, quienes quedan inevitablemente maravillados con la perfección de su música. Me refiero a Pet Sounds de los Beach Boys, un disco repleto de canciones hermosas, con letras notables y un desenvolvimiento musical eximio.

Sin ánimos de desmerecer el trabajo de toda la banda, debo aclarar que todo el álbum proviene del genio creativo del grandioso Brian Wilson. Uno de los pocos magos de la música que sobreviven en la actualidad y al que muchos deben respeto y agradecimiento por semejante pieza, tan influyente en tantos estilos, y tan inspiradora para la creación en sí misma.

Conozco la música de los Beach Boys y debo confesar que no es de mi total agrado. Temas de rock and roll y surfing, música de moda en aquellos tiempos; pero fue Wilson, incluso ante la negativa de sus compañeros, quien se atrevió a dar un paso más allá, creando un disco trascendente en un intento de competir con los maravillosos Beatles. Y vaya que lo logró. En 1966 salió al mercado esta joya, que se pensó en ser lanzada como trabajo solista de su creador, pero que se mantuvo como fruto de toda la agrupación. El enorme cambio y la abismal diferencia con otros trabajos de los ‘chicos de la playa’ desencadenó un rotundo fracaso comercial, pero la total satisfacción de Wilson.

El disco fue grabado en sonido monoaural y no éstereo, debido a la sordera de un oído de Wilson, detalle que otorga mucho del característico estilo del álbum. No puedo hablar de Beach Boys como banda pues el resultado de su análisis sería negativo, pero sí puedo afirmar que Pet Sounds, como disco aparte, destaca sobre otros grandes como Sgt. Peppers o Revolver de la banda de Liverpool. Debo aclarar que hablo de gustos personales. Y tampoco puedo destacar a la banda en conjunto, pues creo que el 99% del trabajo recae en el genio al que ya hice referencia.

Quisiera destacar canciones hermosas como God only knows y I know there’s an answer, puntos álgidos dentro de la propia obra maestra y que difícilmente pueden dejar de producir sentimiento alguno en el oyente.

Es así como dejo esta maravillosa pieza para su disfrute y espero que, tras estos 100 artículos, vengan muchos más, contando con su participación en el intento de extender el arte y la cultura entre la gente. Hasta otra oportunidad.

Descargar Pet Sounds

The First Lady of Song

La primera dama de la canción


"Yo nunca sabía cómo nuestras canciones eran buenas hasta que oí cantar a Ella Fitzgerald"

Ella Fitzgerald, conocida por todos como la dama Ella, dio al mundo de la música, la realización plena, distinguiéndose en el mundo jazzista.
Cantante estadounidense, su repertorio musical se amplió de forma exorbitante, en donde incluye swing, blues, bossa nova, samba, gospel, calypso, etc.
Considerada, junto con Billie Holiday y Sarah Vaughan, como la cantante mas importante e influyente de la historia del jazz. Dotada de una voz extraordinaria, con un rango vocal de tres octavas, destacando su clara, fascinante y precisa vocalizacion, conjuntamente con su capacidad innata de improvisación, sobre todo en el scat, técnica que desarrollo en los años 40’ y que anuncio el surgimiento del bop.
Ganadora oficial, de 13 premios Grammy, fue galardonada con la Medalla Nacional de las Artes y la Medalla Presidencial de la Libertad de Estados Unidos, Ella, es todo un conjunto de improvisación y fiel don que acompaña cada segundo de alegre, melódica y dramática participación vocal.
La vida de tal iniciadora del jazz, que particularmente me atrajo, yaque, muestra el gran desempeño vivencial, de donde es participe cada minuto.

"La mujer como Ella te hacen sentir cosas que no sabía que habían desaparecido de su vida"

Nacida en Newport News, Virginia, EEUU, una situación de pobreza permanente, fue su larga acompañante desde temprana edad.
En 1932, la madre de Ella murió tras un grave accidente de tránsito.
Este ambiente dramático, condicionó el comportamiento de Ella, que tuvo frecuentes problemas con el absentismo escolar, e incluso, con la policía, lo que la llevó a ser internada en un reformatorio. A pesar de ellos, sus huidas de éste y de casa eran frecuentes.

Ya de pequeña gustaba de bailar y cantar en un club escolar y en el coro de la Bethany African Methodist Episcopal Church. Aprendió a tocar el

piano, escuchó atentamente la radio y estudió todas la grabaciones que salían de Louis Armstrong y las Boswell Sisters.

Debutó como cantante a los 16 años, en 1934, en el Harlem Apollo Theater de Nueva York, ganando el concurso Amateur Night Shows con la canción Judy interpretada al estilo de su ídolo Connee Boswell. Tras una breve colaboración con la banda de Tiny Bradshaw, Ella consiguió entrar en la orquesta de Chick Webb.
Comenzó a cantar con la banda de Chick Webb en 1935, en el Savoy Ballroom de Harlem. El crítico George T. Simon escribió en la revista Metronome en enero de 1936: "Aquí tenemos a la número uno de 1936...Ella Fitzgerald...la joya de 17 años que canta en el Harlem' Savoy Ballroom con la estupenda orquesta de Chick Webb con su gran aptitud natural para el canto...una de la mejores...no hay razón para pensar que no llegue a ser la mejor dentro de un tiempo".

Grabó una serie de éxitos con ellos, incluyendo If You Can't Sing It, You'll Have to Swing It, pero no fue hasta la grabación de su versión de la

nana A Tisket A Tasket, en 1938 cuando alcanzó directamente el estrellato. Durante esta etapa, Fitzgerald era esencialmente una cantante de pop y swing que daba lo mejor de sí en las baladas. Tenía ya una hermosa voz pero ni improvisaba ni practicaba todavía el scat, como luego se ve representando.
Comenzó su carrera en solitario en 1941. Cantó con the Ink Spots, Louis Jordan y The Delta Rhythm y en 1946 empezó a cantar con regularidad para los conciertos de Norman Granz Jazz at the Philharmonic (JAP).

Un gran cambio se produjo en el estilo de Ella durante este período. Estuvo de gira con la banda de

Dizzy Gillespie y adoptó el bebop como parte de su estilo, comenzando a incluir fragmentos de scat en sus interpretaciones.
Sus grabaciones de "Lady Be Good", "How High the Moon" y "Flying Home" durante 1945-1947 se hicieron muy populares y su estatura como una de las primeras voces del jazz se asentó exorbitantemente.

Tras aparecer en la película de 1955 Pete Kelly's Blues, Ella firmó por fin con el sello Verve de Norman Granz y durante varios años grabaría los famosos Song Books de los grandes compositores estadounidenses de música popular: Cole Porter, los Gershwins, Rodgers & Hart, Duke Ellington, Harold Arlen, Jerome Kern y Johnny Mercer. Aunque (con la excepción de los discos sobre Ellington) no fueron sus interpretaciones más jazzísticas (pues Ella se apegaba a la melodía e iba acompañada de un gran orquesta de cuerdas), el resultado fue memorable, sin lugar a dudas. Siendo en 1960, donde graba su concierto en Berlín, convirtiéndose paulatinamente en su disco más importante para Verve.

Ya ciega a consecuencia de la diabetes que le toco padecer, en 1993 perdía sus piernas, y un tiempo después fallecía en Beverly Hills, California.
De ella su compañero y amigo Duke Ellington dijo "Ella Fitzgerald está más allá de cualquier categoría". Sus restos se encuentran en el Cementerio Inglewood Park de Los Angeles, California.

En lo más alto del Olimpo de las cantantes de jazz, se encuentra una increíble iniciadora, cuyo profesionalismo y talento inigualable, han quedado asombrosamente marcados en lo que respecta los inicios de la música estadounidense. Siendo de mayor gusto mío, su fascinante improvisación en el escenario, cuya atención y demostración marcadamente de mi compás, son demostrados a cada segundo de transcurso melódico.

Warmen

Janne Vlijammi Wirman apodado “warman” es tecladista de la banda de metal fines “Children of Bodom” y uno de los mejores del mundo, creando riffs explosivos y melodicos ha venido trabajando con children of bodom desde 1995 y por el momento se encuentran preparando lo que seria su 6to álbum en estudio, sin embargo también se aventuro en un proyecto como solista donde, con la colaboración de otros músicos, Explotaría por entero el instrumento del teclado, y asi fue como el proyecto de Warmen nació, con un estilo de speed metal muy melódico las alineaciones asi como las colaboración han ido variando en los tres cds hasta ahora lanzados, cabe resaltar que los tres están basados en la película “Amadeus” y contienen frases de la misma además que cada cd contiene una canción tributo a Salieri, no pretendo efectuar criticas ni reseñas que cada uno saque sus propias conclusiones, sin embargo puedo afirmar que no los decepcionara, Disfruten (click en la portada del disco para descargarlo)

Unknown Soldier 2000

Alineación:
- Janne “warman” Vlijami Wirman – teclados.
- Sami Virtanen - guitarra.
- Mirka Rantanen - batería.
- Roope Latvala (children of bodom, sinergy, stone) – guitarra.
- Jari Kainulainen (stratovarius)- Bajo.
- Kimberly Goss (sinergy) – vocal.

Beyond Habilities 2002

"A young man trying to impress beyond his abilities, too much spice too, um...too many notes."

Alineación:
- Janne “warman” Vlijami Wirman – teclados.
- Sami Virtanen - guitarra.
- Mirka Rantanen - batería.
- Lauri Porra – bajo.
- Antti Wirman (Kotipelto) – guitarra.
- Timo Kotipelto (Stratovarius) – voz.
- Pasi Nykänen (Throne of chaos) – voz.
- Kimberly Goss (Sinergy) – voz.

Accept The Fact 2005

"If the public doesn't like one's work. one has to accept the fact, gracefully."

Alineación
- Janne “warman” Vlijami Wirman – teclados
- Sami Virtanen - guitarra
- Mirka Rantanen - batería
- Lauri Porra – bajo
- Timo Kotipelto (stratovarius) – voz
- Marko Vaara – voz
- Jonna Kosonen – voz
- Alexi Laiho (children of bodom) - voz

Ian Curtis - Control (Avance y banda sonora)

Uno de las figuras más enigmáticas dentro de la música de los últimos años fue sin duda Ian Curtis. Vocalista de la mítica banda Joy Division, se convirtieron en los más importantes representantes del post punk. Este género tomó la rabia del punk para expresar la fuerza adolescente, pero con un tono más sombrío y depresivo, llevando las notas a abismos extremos de desolación y ensimismamiento.

Curtis, quien sufría de constantes ataques epilépticos, sufrió durante mucho tiempo el martirio de los conciertos que, poco a poco, deterioraban su salud. Además de esto, los problemas en su matrimonio producto de su relación adúltera con una periodista búlgara, lo atormentaron y cargaron de remordimientos que lo alejarían de su pequeña hija, del trabajo con su banda y que, el 18 de mayo de 1980, a los 23 años, lo llevarían a suicidarse ahorcándose en su hogar luego de oír un disco de Iggy Pop y ver una película de Herzog.

En el poco trabajo que realizó con su banda, dejó un legado impresionante, con un estilo que revolucionó conceptos, un lirismo profundo y depurado en las letras y un sentimiento que sirve de influencia a muchos artista de la actualidad.

Este año se ha presentado en festivales y salas comerciales del mundo la nueva película que aborda su vida, Control, del director Anton Corbijn, una cinta que promete mucho por su temática, su ambiciosa puesta en escena, la buena reputación de Corbijn y la vida de un ícono generacional para muchos jóvenes.

Dejo el video con los avances de la película y un enlace de descarga de la banda sonora, que cuenta con temas de bandas como New Order (ex miembros de Joy Division), The Velvet Underground, David Bowie, Iggy Pop, Sex Pistols y, por supuesto, la banda del desaparecido cantante. Disfrútenlo.

Descargar soundtrack de Control

Kreator en Lima - "The rise of the Flag of Hate"

Chernovil fue sin duda una de las más grandes hecatombes nucleares de todos los tiempos, antes estuvieron Hiroshima y Nagasaki, una explosión atómica de inconmensurable y perversa energía…30 de septiembre Lima, Perú, Kreator, los padres del trash metal europeo desataron la energía de mil bombas atómicas en una explosión de energía cinética pura. Desde Finlandia, la banda del reconocido vocalista de Stratovarius, Timmo Kotipelto abrió el espectáculo, con canciones propias y algunas de su banda original, encendiendo la chispa y plantando los explosivos metaleros por todo el lugar, su gran calidad vocal y la destreza del invitado tecladista de Children of Bodom Janne Warman prepararon al público, como a oscuros guerreros antes de la batalla final; y ahora corría por nuestras venas el veneno de la destrucción y clamábamos como en infernal aquelarre, con demoníacos gritos la aparición de Kreator, implorando desde las entrañas por una Violent Revolution!.

Y así se dio, los alemanes hicieron una brutal entrada con este agresivo tema, que nos hizo apretar los dientes de emoción y belicoso placer de eufórica sed de sangre. Lo que siguió fue simplemente increíble, una descarga energética, como una tormenta eléctrica en un campo de imanes, Enemy of God, Imposible brutality, Extreme agresión, Pleasure to Hill, Betrayer, Phobia entre otras fueron la explosión volcánica dentro de cuatro paredes, donde cientos de personas, poseídas cuales guerreros berserkers desgarraban sus gargantas antes los infernales riffs de guitarra y la demencial voz de Mille Petrozza. It´s time to raise the Flag of hate! Durante esta canción seguida por la implacable y demoledora Tormentor, con la que cerraron el show, se dio el clímax definitivo, alcanzado todos la furia arcaica de Fenrir, saltando en coléricas arremetidas de ira primigenia. Entre mordiscos y atonías guturales, Kreator se despidió, no sin antes anunciar un pronto regreso, para tranquilidad de sus fans. Definitivamente uno de los mejores conciertos en años, un concierto orgásmico.

Ian Gillan & Luciano Pavarotti

¿Nunca han soñado con una dupla perfecta?, dos generos que tiene tanto en comun y sin embargo son tomados incluso a veces como antagonicos, el rock y la opera, colisiniaron y se fusionaron bajo el velo de una de las melodias mas hermosas, dos de sus mejores exponentes jugaron su talento con maestria, Ian Gillan vocalista de deep purple y Luciano Pavarotti en el concierto de "Pavarotti and friends for afghanistan", que tambien conto con la presencia de otras grandes figuras como Barry White, Steve Morse, y otros miembros de deep purple como Ian Paice, sin mas preambulo les presento a Ian Gillan y Luciano Pavarotti cantando a dupla Nessun Dorma, disfruten

Otello - Franco Zeffirelli y Plácido Domingo

Otello, ¿quien no ha oído hablar de la clásica obra de Shakespeare?, ¿quién no ha sido presa alguna vez del veneno rosa de los celos? La pasión, la traición y la muerte, bien las supo abstraer el gran Giuseppe Verdi, en la ópera Otello, que compusiera en 1887, considerada su obra maestra junto con Aída, donde el compositor logró un excelso sentido de unidad y continuidad musical.

Son estos dos, referentes para la adaptación cinematográfica de Franco Zeffirelli, de la ópera de verdi. Con un espectacular reparto, el film cuenta con Plácido Domingo, encarnando a Otello, el general moro, es aquí donde el magnífico tenor demuestra además su calidad de actor, dando vida con magnífica voz y calidad interpretativa a aquella impetuosa bestia enloquecida por los celos; el papel de Desdémona recae en una musa del bel´canto, la soprano Katia Ricciarelli, quien da vida a la angelical y fiel esposa de Otello, quien se verá envuelta en la felonía de un malvado plan; que será tramado por el venenoso Jago, interpretado por el tenor latino, Justino Díaz, quien se convertirá en la ominosa araña que tejerá una historia de celos traición y desdicha, pero también de una lírica belleza parnasiana.

El largometraje se estrenaba en los cines en 1987, exactamente cien años después del estreno de la ópera de Verdi. Con loables críticas el filme fue considerado junto con La Traviata, también de Zeffirelli, una de las mejores adaptaciones operísticas al celuloide. Una película imprescindible para los amantes de la ópera y el cine, quienes podrán ver conjugados como por una suerte de enigmática unidad espiritual, al cine y el bel´canto, juntos como hermanos en el arte.

George Harrison

Que me disculpen los fanáticos del maestro Lennon, pero se dice que todo ser humano debe tener su Beatle predilecto; y en mi caso, debo decir que es George Harrison. Por una u otra razón, siempre sentí cierta subjetiva simpatía hacia el menos resaltante de los cuatro genios de Liverpool. Quizá su acostumbrado perfil bajo o su aparente timidez lo convirtieron en un personaje con el cual me sentía identificado. Pero sin duda su partida en el 2001 dejó un amargo sabor en muchos de sus admiradores.

Canciones magníficas y que están en la lista de mis favoritas son While my guitar gently weeps, Something, Here comes the sun, Within you without you, o I me mine, y son todas, también, composiciones de Harrison. Fue según testimonios, el más espiritual y trascendental de todos, su contacto con la cultura y la religión hinduista lo influenciaron en sus letras, en su pensamiento, e incluso en el uso del sitar, instrumento típico de ese lado del mundo y con el cual distinguió su toque personal.

Pero no solo su carrera con los Beatles fue exitosa, sino que tras la separación, supo consolidar una espectacular carrera como solista (la mejor en comparación con sus otrora compañeros, claro está, según mi criterio) como el disco All things must pass, primer álbum triple de la historia.

Lamentablemente, su adicción al cigarro desencadenó en un cáncer metastásico que atacaría su boca y sus pulmones. En 1999, él y su mujer fueron atacados por un desquiciado que intentó apuñalarlo, suceso que lo dejaría traumatizado y lo alejaría aún más de la vida pública. Para el 2001, el cáncer se extendería hasta el cerebro para acabar con su vida el 21 de noviembre, a la temprana edad de 58 años.

Martin Scorsese y un nuevo documental

Sin embargo, una reciente noticia que ya mantiene en expectativas a los fanáticos es el anuncio de un documental que será dirigido por el renombrado Martin Scorsese, y según palabras del mismo director, se centrará en la espiritualidad del autor de My sweet Lord. La familia de Harrison proporcionará el material necesario para su realización y la producción empezará a fines de este año. A esperar entonces.

García Márquez y la música

"Lo único mejor que la música, es hablar de música"
Gabriel García Márquez.

Gabriel García Márquez cumplió 80 años y el mundo celebra este gran acontecimiento. El novelista y Premio Nobel de Literatura (1982) es un amante de la música, especialmente la cubana. A través de muchos años he seguido lo más cerca posible esta afición suya. El escritor colombiano vino a Cuba por primera vez el 18 de enero de 1959, con los albores de la Revolución, y quedó estupefacto con la vida festiva del país.

"Aquello daba la impresión de una pachanga fenomenal que tenía fundamento en la realidad. Todos los intelectuales de aquel tiempo sabían que Cuba había sido la colonia más culta de España, la única culta de verdad, de tradición de tertulias literarias. De folletines radiales, de música sensacional y de una intelectualidad a la altura de Lezama Lima, Alejo Carpentier, Nicolás Guillén y Fernando Ortiz, entre muchos otros".

Desde aquella primera vez se incrementó el interés del periodista por adentrarse en un mundo musical que va más allá del disco, se inserta en los rincones donde se crea frente al público: salones de bailes, clubs, cabarets, teatros, fiestas. En aquel entonces las fiestas en Cuba eran interminables, herencia que provenía desde la colonia.

La vocación de Gabo por la música le viene de su padre que tocaba muy bien el violín en las fiestas y serenatas. Las novelas del colombiano se parecen a un vallenato, otras a un bolero. "Descubrí el milagro de que todo lo que suena es música, autos de las calles, claxon, vocerío...todo".

Muchos no saben que el escritor se ganó la vida, en los años 50 cantando en cafés parisinos, cuando se respiraban en el aire las canciones de Georges Brassens (1921-1981). "Canté profesionalmente para sobrevivir, en el night club L´Scala, para ganar algo con la interpretación de canciones mexicanas, me pagaban un dólar. Por cierto, existe una grabación a dos voces con el novelista Carlos Fuentes". Gabo es amigo íntimo de músicos y cantantes, muchos de quienes, cuando visitan México, se hospedan en su casa.

"Cuando estoy con mis amigos íntimos no hay nada que me guste más que hablar de música. Soy un melómano empedernido, siempre digo mi lema. Lo único mejor que la música, es hablar de música. Sigo creyendo que es la pura verdad.

"He escuchando tanta música como he logrado conseguir. En las discotecas de New York he comprado discos caribeños que no se encuentran en ningún lugar. En México, cuando escribía Cien años de soledad, gastaba los discos de los Beatles, que escuchaba para estimularme. La apoteosis de la nostalgia de la década prodigiosa.

"Finalmente Cien años de soledad no es más que un vallenato de 450 páginas, realmente es eso. Los músicos andariegos llevaban los vallenatos que eran testimonios de acontecimientos que me dio la idea de este libro".

El bolero y la balada son algo muy querido para Gabo, quien en 1985 reveló a la revista Opina de La Habana: "el bolero expresa sentimientos y situaciones que a mí me conmueven y que se que a muchísima gente de mi generación la conmovió. "Un bolero puede hacer que los enamorados se quieran más y a mi eso me basta para querer hacer un bolero. Lograr que los enamorados se quieran más, aunque sea un momentico, es culturalmente importante es revolucionario.

"La balada española, de la década prodigiosa, es hecha a la medida, son extraordinarias piezas poéticas que se oyen en todas partes, se las sueltas a cualquier intelectual y no tiene la menor idea de quienes son. "De la calidad de esas letras no hay ninguna duda, y sobre todo creo que yo tengo suficiente autoridad para decirlo. Las melodías resisten el paso del tiempo ante toda clase de transformaciones y tratamientos".

Para concluir, pregunté en ese último encuentro con Gabo: ¿Ahora trabaja o escribe?
"Ya no trabajo con el objetivo pecuniario, sino por el placer y el deber de escribir. El escritor no debe parar nunca, porque quizás no vuelva a escribir otra vez.".

Entrevista a Gabriel García Márquez, colaborador de "Prensa Latina"

Luchiano Pavarotti, el Tenor que no murió

Luchiano Pavarotti, el solo nombre nos transporta a aquel país de ensueño llamado ópera, aquel fantasma transformado en música, un mundo ideal hecho por el hombre, para el deleite del hombre, donde líricos profetas claman las nobles notas libertarias del espíritu. El tenor barbado de entrañable figura y mirada noble de oso azul nos ha dejado huérfanos y náufragos, a la deriva en la terrible tempestad de la existencia, su voz, luminescencia sonora, exquisito bálsamo del alma, padre y guía alguna vez, cambio la luz del faro litoral por la inmortalidad de la estrella luminosa que aun nos guía a buen recaudo.

Luciano Pavarotti ah sido sin duda, uno de los más queridos personajes del siglo XX, y uno de los primeros grandes que en este funesto siglo XXI nos ha abandonado, como lo hicieran Antonioni y Bergman, tan solo para consagrarse en el dorado trono de la inmortalidad. La carrera artística del excelso tenor italiano, es ya bien conocida y de una trayectoria excepcional, habiendo superado incluso al magnifico Enrico Caruso, en las repetidas aperturas de los grandes teatros mundiales, como La Ópera de París, La Scala y Verona. Su primera y más encomiable interpretación, fue en la maravillosa pero igualmente difícil aria de La hija del regimiento, de Donizetti, en donde el insuperable octavo Do de pecho de la casi imposible aria, lo consagro como el excepcional tenor de talla mundial que fue durante más de cincuenta años. Más tarde tras realizar innumerables interpretaciones operísticas, se embarca en el proyecto “Los Tres Tenores” un intento de llevar la opera al pueblo, con sus amigos, los grandiosos Plácido Domingo y José Carreras, de cuya unión surgen temas himnos de cada uno de ellos, como lo fue el aria de Turandot, Nessun Dorma, para Pavarotti, Core 'ngrato para Carreras y la clásica Granada para Plácido. Luciano se retiró entre sentidas nostalgias en el 2004 a causa de afecciones respiratorias y un terrible cáncer nos robaría a un amigo tan querido.

Hubo una época en que los interpretes musicales, los instrumentistas, los cantantes, no tenían forma de morirse. Solo los sobrevivía su fama y su recuerdo, que con el tiempo se iban destiñendo. Ahora los sobrevive el registro de su arte, que podemos gozar para siempre. ¿Cuantas grabaciones habrá hecho Pavarotti, entre discos y videos? Todas siguen vigentes hoy y el sigue vivo en esas grabaciones. Y esa es la vida de Luciano que la gran mayoría ha gozado y que muchos otros gozarán en el futuro. En el siglo XXII, algún estudiante desprevenido contestará en un examen que Pavarotti está vivo y habrán de corregirlo. Tal vez en el futuro algún entusiasta exclamará ¡Grande Luciano! Al escuchar el octavo Do de pecho del tenor en la obra de Donizetti, grabada hace más de siglo y medio, y entonces quedará demostrado que, pese a la funesta noticia, el fallecido Pavarotti, no murió el pasado jueves, ni cosa por el estilo. Porque morirse, amigos, es otra cosa.

I'm Not There

“I’m Not There” es el último trabajo del director estadounidense Todd Haynes. La película fue presentada con éxito en el recientemente finalizado Festival de Venecia, donde fue galardonada con el premio especial del jurado y Cate Banchett fue condecorada con el premio a mejor actriz; además, será proyectada también en el Festival de Toronto que acaba de comenzar.

Haynes, quien ya había sorprendido a la crítica con “Velvet Goldmine”, una cinta que narraba la historia de una artista de rock claramente basado en el alter ego de David Bowie, Ziggy Stardust, regresa esta vez con otra producción que aborda el tema de la música y que presenta una técnica poco convencional.

Relata la vida del ícono del folk, Bob Dylan, durante seis etapas de su vida, pero estas son interpretadas por seis actores o actrices diferentes, entre ellos Cate Blanchett, Richard Gere y Christian Bale. Es realmente llamativa la forma en que será retratada la vida de este genial compositor e intérprete.

Además de la película, espero con ansias (y supongo que muchas personas también) la banda sonora de la misma. Otra vez Haynes sorprende con contribuciones artísticas de nivel superlativo. Canciones de Dylan serán interpretadas por la mega banda Million Dollar Bashers (compuesta por integrantes de Sonic Youth, Wilco, entre otros) acompañados de destacados artistas y agrupaciones como Eddie Vedder de Pearl Jam, Yo La Tengo, Karen O de Yeah Yeah Yeahs, Sufjan Stevens, Iron & Wine, The Hole Steady y, por supuesto, temas originales del grandioso Bob.

Es bueno que homenajes de esta magnitud se hagan cuando ídolos como el mencionado aún están entre nosotros. Un filme más que atractivo, yo diría que es una de esas joyas que aparecen cada cierto tiempo y que marcan un hito en la expresión artística y la cultura. A cruzar los dedos y a esperar que alguien se le ocurra traer esta magna producción a nuestras salas, para que de una vez por todas, toquemos las puertas del cielo.

Acá les dejo el trailer de la película en donde también hay una aparición, casi al final, del gran poeta Allen Ginsberg protagonizado por David Cross. Esta cinta promete. Difruten.