Gustav Klimt

Durante sesudas cavilaciones me percaté de mi afición por el arte etéreo, difuminado; también noté el gusto que tengo por las diversas representaciones de la figura femenina en la pintura y los niveles de experimentación que puede alcanzar el artista, siendo radicalmente innovador o manteniendo un clasicismo que no caiga en la pérdida de autenticidad.

Y es así como me di cuenta que uno de mis pintores favoritos (y que, por supuesto, reúne las condiciones ya mencionadas) es el austríaco Gustav Klimt. Miembro sumamente destacado del Art Noveau y fundador de la Secesión de Viena, se desenvolvió magistralmente en su trabajo, primordialmente a fines del siglo XIX.

Aunque el movimiento denominado Secesión de Viena no poseía un estilo propio que uniera a sus representantes, se caracterizaba por su autonomía en cuanto estética en relación a otros grupos. Su audacia era de destacar y quien mejor que Klimt para convertirse en iniciador y primer presidente de dicha organización. Viajó por Europa para tomar influencias quizá inconscientemente de artes como el bizantino, en lo que fue una experiencia ecléctica fabulosa. Estas experiencias le sirvieron en demasía para lo que fue su etapa dorada, donde usó el oro como material de sus trabajos, otorgándoles una belleza inusitada.

En sus inicios, pintó muchos paisajes impresionistas, casi abstractos, pero con el pasar del tiempo su obra desembocaría en una temática más personal. La mujer sería el tema principal; retrataría a féminas pertenecientes a la burguesía vienesa, e incluso a prostitutas y amantes ocasionales, pero que en todos sus trabajos dejarían una gran huella.

Antes de alcanzar la fama y el elogio, Klimt se encontraría con numerosos problemas provenientes de las acusaciones que se le hacían de pornográfico o pervertido. Ataques insulsos y propios de una sociedad que no comprende al artista. La mujer en sus pinturas expresan una belleza, como ya dije, etérea, pero a la vez decidida, repleta de fortaleza. Las miradas y los gestos son de gran importancia por su significado y por la estrecha aproximación que logra con el espectador. Su decoración es hermosa y deja entrever mucho de la personalidad del autor.

Pero, aunque suene redundante, es el erotismo el punto más alto en sus obras. Las posturas y las formas distorsionadas pero a la vez sugerentes, nos sitúan en una posición de hombre que se deleita, pero que a la vez es dominado por la maliciosa belleza de la mujer. Esta sensualidad está muy presente en las pinturas y también en sus dibujos, como aquel llamado Mujer sentada.

Sin duda, su obra El Beso es la más apreciada hasta nuestros días y la que más lo representa, pero muchos de sus trabajos fueron destruidos durante la II Guerra Mundial. No obstante, un sinnúmero de sus joyas pictóricas sobreviven para suerte nuestra y algunas de las más interesantes pueden ser apreciadas en el siguiente video o siguiendo el vínculo para descargar una carpeta con lo mejor de su producción. Espero sea de su agrado.

Más obras de Gustav Klimt

Pieter Brueghel, El viejo

Pieter Brueghel apodado el Viejo, nació en Holanda en 1525 empezó su adiestramiento como pintor bajo la tutela de Pieter Coecke van Aelst, quien fue un celebre artista, traductor, y editor flamenco, destacado por sus testimonios sobre la cultura turca-otomana (debido a sus viaje a Constantinopla) y sus traducciones. Brueghel compartió su educación artística con otros pintores de la talla de Michiel Coxcie, Hans Vedreman de Vries y Gillis van Coninxloo.

Al poco tiempo viajo a Italia para terminar de pintar diversos cuadros de paisajes incompletos, regreso a los Países Bajos en 1553 y se instalo en la ciudad de Amberes, sin embargo, 10 años después, decidiría trasladarse a Bruselas, en ese mismo año se caso con la hija de su maestro Pieter Coecke, Mayke Coecke.

Brueghel fue uno de los máximos representantes de la escuela flamenca, poseía una técnica increíble lo cual fue elemental en plasmar lo exacto de los paisajes a los cuales se dedicaba, durante toda su carrera mostró una preferencia por pintar paisajes y escenas de la vida cotidiana, lo cual hace de muchas de sus pinturas un manifiesto histórico en lo que respecta a costumbres de la plebe en los Países Bajos en el Siglo XVI

En lo que respecta a paisajes, sus viajes a Italia le sirvieron de notable inspiración para perfeccionar su obra y especializarse en plasmar las condiciones atmosféricas así como en impregnar a la obra de un aura acorde a la escena pintada, aparte de su característico perfeccionismo. Muchos consideran a Brueghel como un paisajista por excelencia que se dedicaba a transcribir la realidad a sus cuadros, pero es importante notar que sus obras poseen mucho mas que simple realidad sino un estado superior a la misma que les brinda una hermosura de ensueño

Es importante distinguir la influencia del Bosco en su obra (el uso de la técnica alla prima) Brueghel trabajó para el taller del Bosco y en muchas de sus obras se puede apreciar la influencia en lo que respecta a los personajes retratados además del estilo perfeccionista y detallado en el resultado final, y el alternamiento de una gran cantidad de seres y situaciones que dan a ver un cuadro exquisitamente realizado y profundo.

“El triunfo de la muerte” considerada por muchos una de las mejores obras de Brueghel, pintada desde la perspectiva caballera (vista de pájaro) en ella se presenta un escena apocalíptica donde la muerte ha surgido desde el mismo infierno y ahora se regocija destruyendo todo vestigio de raza humana, bajo la forma de miles de esqueletos asesina y tortura a todos los hombres y mujeres, los cuales huyen despavoridos hacia una entrada, en el fondo se pueden ver navíos siendo destruidos así como ejércitos siendo diezmados, en esta obra se puede apreciar diversos simbolismos, por ejemplo al rey muerto, lo que expresa a la muerte como enteramente justa porque no distingue entre ricos, poderosos, o pobres y desvalidos; a la pareja de jóvenes amantes que representan la despreocupación con la cual se vive una vez que se esta enamorado; la fútil resistencia que hace un soldado al desenvainar su espada que representa la terquedad con la cual los humanos vivimos; además introduce el concepto de la rueda como instrumento de tortura (La tortura con rueda consistía en romperle las articulaciones a la víctima excepto las piernas, luego, una vez dislocadas las piernas cruzarlas encima de la cabeza, para lo cual primero debían romper las costillas, y amarrarlo en esa posición a una rueda, la cual era encajada en un poste de madera a muchos metros de altura, esta forma de tortura mataba a la victima por dolor así como por asfixia, ya que las costillas rotas dificultaban la respiración)

Brueghel fue uno de los máximos representantes de esta escuela, y sus obras que hasta hoy son admiradas y estudiadas son de básico conocimiento en lo que respecta a perspectiva además de su maestría en plasmar paisajes con el óleo y de, en cuadros complejos, dar a entender sutilmente su forma de ver el mundo, la visión que aquella época en su contexto le inspiraba y que ahora nosotros podemos sentir bajo nuestro libre albedrío.

Quentin Metsys en la Escuela Flamenca

Quentin Metsys

Una de las características principales de la escuela flamenca, ala que pertenecio tan distinguido pintor que me es grato presentar, fue la falta de relatos sobre la vida propia de los autores; siendo desconocido en cierta perspectiva, la vida misma de este intachable pintor.
Se le considera como el verdadero fundador de la escuela pictórica de Amberes, aunque nació en Lovaina en 1466, gran parte de su vida se desenvolvió como maestro en Amberes en 1491 en donde murió en 1530.
Recogió la herencia de las tradiciones artísticas del S.XV e introdujo en su pintura, con discreción las novedades importadas desde Italia, especialmente las debidas a Leonardo y a Rafael. Al igual que su amigo Erasmo de Rótterdam, Matsys, no dudó en romper con su propia forma de pintar, en revolucionar.
Sus primeras crucifixiones y Madonas son todavía góticas. En sus grandes trípticos, el del linaje de Santa Ana (1510, museo de Bruselas) y el del entierro de Cristo (1509-1511, museo de Amberes), la plasticidad de las figuras, los tipos femeninos de bellos y regulares rasgos, las arquitecturas de carácter clásico, las azuladas lejanías, la fluidez del colorido, son testimonio del rejuvenecimiento de su pintura, del que ofrece buena prueba su Magdalena (museo de Amberes).
El elevado nivel cultural del medio en el que se desnvolvió se refleja en sus retratos: Erasmo (palacio Barberini, Roma), Pierre Gilles (Longford castle), el Canonigo de la galería Liechtestein (Viena). En El banquero y su esposa (Louvre) el autor parece recordar una obra perdida de Van Eyck, e inicia el desarrollo de un gran género, que alcanzará gran boga en la siguiente centuria.

Su estilo particular se reduce exorbitantemente en un arte refinado y espiritual, especialmente en sus obras religiosas y en sus retratos. Este tuvo grandes repercusiones sobre los artistas de tendencia italianizante de los Países Bajos, que buscaban una mayor suavidad e idealización en sus pinturas. La otra cara de la moneda de esta pintura sensible la constituyen sus dibujos caricaturescos, o los personajes que rodean e imprecan a sus Ecce Homo, como en el que podemos contemplar en el Museo de prada.

Estilísticamente, se le puede relacionar con autores como Van Eyck, Petrus Christus, Joachim Patinir o Marinus van Reymerswaele.

Entre sus obras mas destacadas tenemos:

Francis Bacon

El horror completo, la putrefacción progresiva del ser humano, la muerte en vida, esa fue la temática que Bacon eligió para representar en sus obras, las cuales reflejan fielmente esas sensaciones, su estilo, que si bien esta influenciado por Picasso, tiene muchos rasgos en lo que respecta a la tecnica similares a Munch, puede ser considerado un simbolista por algunos o surrealista para otros, mas para mi es un fatalista total pues en sus cuadros plasmo horror y humanidad.

Si bien de entre todas sus obras la que alcanzo mayor notoriedad fue “three studies for figures at the base of a crucifixión” considero, por supuesto sin desvirtuar a la ya mencionada, a Painting de 1946 mi favorita, el mismo Bacon asevero que fue su obra mas “inconsciente”, lo que empezó como una pintura de un chimpancé termino en una vision retorcida de una especie de carnicería de cuerpos amorfos.
Un dato curioso en lo que respecta a el estilo de Bacon es que se vio influenciado por Eisenstein y su película “el acorazado Potemkin” en especifico por la escena de las escaleras Odesa, el rostro de la mujer, su expresión de terror y aquella mueca de su boca fue plasmado en varias obras de Bacon como por ejemplo “Estudio de Velásquez” (basado en el cuadro del Papa Inocente X de Diego Velásquez)

Invito a cualquier lector que se interesa por la obra de este pintor que profundice en el estudio de su arte y técnicas, y también a que interpreten el horror a su forma personal

Jeanne Hébuterne, musa por excelencia

Podemos hablar de artistas y de arte, pero en esta ocasión quisiera tocar el tema de la inspiración. Pues las musas son las que dotan al creador de la magia que los hace plasmar la belleza más grandiosa en su obra. Porque representan el manantial creativo que otorga la pureza y los sentimientos que impregnan su trabajo. Y no hay duda de que es la mujer una de las mayores inspiraciones en el arte.

Amedeo Modigliani, pintor y escultor italiano, pasó la mayor parte de su corta vida enamorado de Jeanne Hébuterne. Esta francesa, también pintora, ocupó la mente y el corazón de su amado dejando su huella en numerosas obras donde su hermosura destila como corriente de colores y su mirada copia, casi fielmente, la fuerza que podemos ver en alguna de las pocas fotografías que quedan de ella.

Ambos tuvieron un hijo juntos, sin embargo, Modigliani falleció víctima de meningitis. Durante este nefasto hecho, Jeanne se encontraba encinta de su segundo hijo. Fue así como, cargando la insoportable desolación de haber perdido a su esposo, se suicidó a la edad de 22 años, lanzándose de un quinto piso y muriendo junto a su hijo no nacido.

Basta hacer una comparación entre el retrato y la foto para poder apreciar su magna belleza. En una mirada profunda, que transmite tristeza, timidez, enigma, sensualidad y muchas otras sensaciones, podemos intentar encontrar las razones de su funesta decisión. Una mujer vapuleada por la pasión y el arte; una mujer que, como pocas, se dejó llevar por la expresión de las verdaderas emociones, sin temor a reprimirlas por la sociedad que la rodeaba.

No puedo asegurar que usted, estimado lector, sentirá los mismos efectos que la imagen de esta muchacha y su historia sembraron en mí. Pero si los sentimientos no son de su interés, deléitese ahora con sendas representaciones maravillosas de Hébuterne: la primera, obra de Modigliani; y la segunda, un autorretrato. Simplemente, poemas sin palabras.

Manuel Domingo Pantigoso - Ultraorbicismo Holístico

Vida, cromatismo y ritmo del arte en un notable pintor

Manuel Domingo Pantigoso (1901-1991) el pintor arequipeño; pinta en Cuzco, Lima y Europa. Amigo de escritores y poetas antes que pintores, transcribió al óleo los versos. Fue un autodidacta y con un tenaz trabajo y vigoroso genio, triunfó en La Paz, Montevideo, Buenos Aires y París. Y ahora y para siempre, en el Perú. Se trata de un pintor independiente, vale decir individual y único. No tuvo maestros ni discípulos directos. Su auténtica creación permanece, por encima de épocas y tendencias, para el goce estético de todo aquel, que en el arte halle un propósito en la vida.

En cuanto comencé a sentir el encanto y la belleza de la naturaleza-casi un niño-ya no soltaría el papel y los colores de la acuarela. Las mañanitas de sol eran mi preferencia; las tardes con el sol dorado y rojo. El amarillo fue y es mi color. Luego llego la témpera y el óleo, pero mientras los delicados tonos inundaban la acuarela, en el óleo encontré lo violento, todas las audacias. Los contrastes eran y son mis aliados. En el óleo siempre gusté de los grandes espacios: lo mural pero simple, sintético, pocas figuras para no perder la belleza del conjunto y para estar por encima de lo anecdótico. M.D.P

La pintura de Manuel Domingo Pantigoso es representativa de la alta estirpe artística que privilegia al mundo de la creación pictórica. Su pasión, originada en su infancia a manera de un deslumbramiento y una revelación, lo acompañará como un ángel los largos noventa años de su vida. Preeminentemente visual, su don sin embargo, despierta en él los ecos armónicos de la música en sus colores, la ciencia en su perceptiva observación de la naturaleza y la clarividencia en su culto a la luz, como un vértigo expresado en la espiral de oro que se desprende de su corazón de hombre a lo universal. Visión expresada en sus códigos personales y en su adhesión a las propuestas ultraórbicas. Imposible, no obstante, encasillar al artista en los preceptos ideológicos con los que su pintura coincide. Su alma responde primigeniamente a sus raíces, precediendo a las elaboraciones culturales en torno a su creación.

Con la incomparable pasión de un autodidacta, Manuel Domingo Pantigoso, ha de recoger en su peregrinaje al sur del continente y a Europa los ecos imperecederos de los grandes hombres afines a su espíritu. Cristo, Moisés, Miguel Ángel, Beethoven, se ven retratados en sus lienzos junto a las nobles imágenes de la negritud en la ciudad de Lima, intercalados en el tiempo alrededor del cenit de su inspiración en el altiplano.

En su pintura de temática variada y en su estética innovadora, este gran creador de visiones inagotables formaliza las categorías míticas y rituales del “ultraorbicismo” en la vida y el arte. Esta vanguardia indianista o andinista, independiente del indigenismo, surgió en las primeras décadas del siglo XX, para expresar el esencial enlace del ser del hombre con la retroactividad del cosmos. Unificando y estilizando armoniosamente lo nacional y lo universal, lo natural y lo humano, lo estático y lo dinámico, la visualidad y el ensimismamiento, lo decorativo antiguo y lo gráfico moderno, su obra amalgama lo más hondo del carácter holístico, metafísico y circular de la cosmovisión andina, con la expresión vital y la síntesis sugestiva y trascendente de los elementos pictóricos, en especial los espaciales y cromáticos. En la raíz y estructura de su estilo inconfundible, Pantigoso, “El poeta del color”, une en el pincel y la luz que lo sustenta, el clima, el carácter psicológico, la visión y el sentimiento de su pensamiento artístico, agitado por un ritmo y timbres delicados, que se unen al unísono.

La universidad Ricardo Palma y el museo Pedro de Osma rinden homenaje a Manuel Domingo Pantigoso. La exposición en el centro cultural Ccori Wasi (Miraflores) será hasta el nueve de septiembre. A continuación algo de la muestra tomada por mi propio lente.

Edward St. John Gorey, los grises cuentos para pequeños

"if you're doing nonsense it has to be rather awful,

because there'd be no point.

I'm trying to think if there's sunny nonsense.

Sunny, funny nonsense for children

oh, how boring, boring, boring."

Edward Gorey

El obrar de volver pesadillas oscuras y fantasías macabras, historias grises en cuentos infantiles, inocentes como los espectadores a los cuales va dirigida; pero si uno logra hundirse en ellos (como hice) su niño interior arderá en miedo e intriga, asi considero la obra de Edward St. John Gorey
Nacido un 22 de febrero de un 1925 en Chicago, su infancia transcurrió en diversas escuelas primarias, para luego desembocar en el Francis W. Parker School como sede de su estancia en la secundaria, en 1946 después de servir al ejercito por un tiempo ingresó a Harvard, donde compartió habitación y lo mas probable, ideas, argumentos, situaciones y maldiciones con Frank O´Hara, poeta por supuesto
En 1943 estudio un semestre en Chicago Art institute, un tiempo que Gorey consideraba perdido, desde el 53 hasta el 60 residió en new york trabajando para el “departamento de arte de Doubleday anchor” ilustrando portadas de libros
El estilo de Gorey fue el uso de ambientes clasicos de epocas victorianas, oscuros personajes estilizados a la manera de la época ya mencionada además de la publicación de libros a veces sin ni una sola palabra, para que si sus historias se daban en la mente del lector (o en este caso observador) al unir las imágenes,
A pesar de que la obra de Gorey es de tal calidad que se lo considera de culto se hizo conocido recién por su trabajo en la animación de entrada de la serie MISTERY! de la cadena americana PBS así como sus diseños de vestuario para la obra de broadway DRACULA con la cual se hizo merecedor de un Tony award.
Incursiono en el teatro con su libreto para "The white canoe" una opera de marionetas basada en la leyenda de la dama del lago (personaje que aparece en la leyenda del rey Arturo desempeñando diversos roles), la cual fue estrenada después de su deceso en el año 2000, y con su obra “lost shoelaces” estrenada en 1987, Gorey escribió el libreto de una película muda llamada “the black doll” que nunca llego a ser producida.
Adicto al ballet y a los gatos, asceta por elección, frió e indiferente, posible asexual, amable a la vista, solitario por excelencia, algunos lo llaman un escritor que dibujaba, otros un dibujantes que escribía, cuentos para niños apreciados por adultos pero tal vez no completamente entendidos, cuenta con un repertorio mayor a las 100 libros de los cuales la mayoria son muy difíciles de conseguir, aunque existen 4 libros recopilatorios publicados (amphigorey, amphigorey too, amphigorey also y amphigorey again)
Aquí les dejo una animación basada en The Gashlycrumb Tinies obra de gorey, la cual es mi favorita, les invito a investigar y buscar más sobre este genial dibujante, narrador y artista

Rob Gonsalves... ¡Inquietantemente increible!

Rob Gonsalves "Realismo Mágico"

Haciendo un breve paseo por uno de los grandes medios de información, la Internet, me tope con una maravilla artística que me llevo al estupor profundo, una técnica extremadamente exquisita, unos efectos deliberadamente asombrosos, llenos de ilusiones visuales; en definitiva, la calidad perfecta para una obra de arte.
Aquel autor que dormitaba mi atención es el talentoso incursionador; del denominado Realismo Mágico, Rob Gonsalves.

Nació en Toronto – Canadá en 1959; desde muy niño desarrollo un cierto interés en el dibujo de la imaginación usando varios medios.

Influenciado por uno de los artistas más relevantes del surrealismo, Salvador Dalí, Gonsalves comenzó sus primeras pinturas surrealistas. El acercamiento del “realismo mágico” de otro grande, como lo es Magritte, juntos con las ilusiones exactas de la perspectiva de Escher, fueron tomados de importantes influencias en su trabajo futuro.

Trabajando a tiempo completo como arquitecto, y sumándose a innumerables participaciones en exposiciones, fue que, en 1990 tras la respuesta entusiasta en la exposición de arte al aire libre de Toronto, Gonsalves se dedico a la pintura a tiempo completo.

Aunque el trabajo de Gonsalves se categoríza a menudo como surrealista, debido al hecho de que las imágenes están planeadas deliberadamente, resultando además del pensamiento consciente. Las ideas son generadas en gran parte por el mundo externo e implican actividades humanas reconocibles, usando además los dispositivos cuidadosamente previsto de la ilusión; Gonsalves inyecta un sentido de la magia en escenas realistas, siendo consecuentemente, el término “realismo mágico” el único que describe su trabajo exactamente.

Sin lugar a dudas, sus obras son un camino a la ilusión y a la quimera, en el que persisten los mundos que solemos ver en sueños, las pesadillas que a veces se nos antojaría vivir; dejándonos llevar por la perfección, es así como Rob Gonsalves genera en sus obras, mágicas estampas de colección; estampas que nos motivan contemplar una y otra vez hasta embriagarse en una naturaleza que solo existe en la imagen.

Algunas obras de mayor relevancia.

Vermeer, un artista en Delft

Johannes Vermeer (1632-1675), brillante pintor holandés del siglo XVII, poco conocido en vida y apreciado recién a partir del siglo pasado. Llevó una vida moderada dentro de su provincia y falleció en medio del desconocimiento de su escueta obra.

Es considerado el más grande pintor holandés de su siglo sólo por detrás de Rembrandt. Pintó muy pocos cuadros e incluso se le han atribuido muchas obras falsas cuyo origen posteriormente fue aclarado. Como dato curioso cabe afirmar que a inicios del siglo XIX apareció un falsificador de su obra que llegó a vender copias artísticas a los nazis debido a su extraordinaria destreza para copiar el estilo del artista original.

Vermeer se destaca y se convierte en uno de mis pintores favoritos por su excelente juego y uso de la luz. Su temática está basada principalmente en la vida doméstica de su ciudad, Delft, y fue dentro de este lugar donde alcanzó cierta fama como innovador y experto en obras. No usó el trazo previo en sus al momento de pintar, todo fue hecho sólo con pintura. Por esta razón es de admirar la armonía de los colores y la textura de sus imágenes.

Destacó también en la perspectiva y es este fascinante dominio lo que lleva a investigadores a asociarlo con el uso de la cámara oscura, caja herméticamente cerrada que permite obtener una pauta de la imagen enfocada para ser plasmada en un dibujo. Se puede decir que este instrumento es parte del desarrollo de lo que sería la fotografía.

No sé si es otra de mis rarezas, pero Vermeer es a mi criterio, uno de los mejores pintores de la historia. Eso se ve en la perfección de su obra, el impresionante realismo y el estilo tan característico de su época pero a la vez tan particular, peculiar e innovador. Coloco algunas de sus obras y como vuelvo a repetir, Vermeer no fue demasiado prolífico, es más, sus trabajos alcanzan sólo una treintena, por lo que no he obviado muchos de ellos. Espero las disfruten.