Naomi Kawase ... buscando recordar

Naomi Kawase es una directora japonesa con una carrera cinematográfica prolífica, fue premiada con la camara de oro en Cannes por su primer film Moe no Suzaku siendo la mas directora mas joven en obtenerla y recientemente con el Grand prix en el mismo festival por su película Mogari no Mori.
Hace poco asistí a una un función especial donde transmitieron dos de sus cortos, por muchos considerados como dos de sus mas personales, me refiero a Embracing (1992) y Cielo, viento, fuego, agua, tierra (2007) en ambos toma como temática principal a ella y a su padre.
En Embracing Kawase toca el tema de la búsqueda de su padre, al cual solo conoce por fotos, trata de una forma muy personal los diversos aspectos emotivos que presenta la búsqueda de su padre así como su relación con sus abuelos, cual álbum de fotos repleto de recuerdos comparte con el espectador aquella vulnerabilidad de niña presente aun hasta hoy, a mi parecer el momento de clímax fue la ultima escena cuando, por fin, logra hablar con su padre por teléfono, enfocando tan solo sus manos uno puede sentir en el tono de voz ese alivio, se puede compartir aquella pasajera felicidad que por unos instantes parece llenar en su totalidad el vació existente en ella.

El segundo documental, Cielo, viento, fuego, agua, tierra lanzado 13 años después trata el tema de la muerte de su padre y como ella asimila el hecho, además denota como las experiencias basadas en su infancia y vida son plasmadas en su obra, mostrando escenas y fotos de su vida como directora (como su premiación en Cannes) , el documental comienza con un grupo de jóvenes (entre las cuales se encuentra Kawase) viendo “embracing”, así como el primer documental la escena de clímax sería el final, cuando en honor al recuerdo de su padre se tatúa toda la espalda y corre desnuda en el campo, es como expresar la libertad que ahora posee su alma tras haber superado aquella búsqueda, tras por fin haber dejado seguir al espíritu del recuerdo que la inspiraba y marcar el fin de algo y comienzo de otra vida con completo conocimiento de su realidad.

Completamente impresionado por la honestidad de esta directora recomiendo totalmente a cualquier lector el ahondar mas en la obra de Kawase, no como crítico sino como espectador, pues al final todos buscamos algo ya sea el recuerdo o alguna memoria perdida, mas plasmarlo al punto de crear reflexión es don de pocos y satisfacción de tantos.

El viento que agita la cebada

Compro mi entrada con media hora de anticipación y me siento a esperar. Me dispongo a leer la interesante programación del Festival de Cine Europeo que permanecerá hasta el 11 de noviembre en Lima. Cinco minutos después veo que la cola para ingresar ya se alarga hasta la calle. Inmediatamente me uno y veo la gran acogida que tendrá la película. Sentimientos encontrados: tendré que conformarme con el mejor asiento que pueda encontrar después de que aproximadamente 30 personas entren antes que yo; pero saber que tanta gente asiste a ver cine de calidad también me entusiasma.

En fin, un crítico de cine que he visto un par de veces en la televisión empieza a recomendarme películas. Pongo cara de interés y abren las puertas de la sala. Huyo del curioso personaje y encuentro un sitio cómodo. La cinta que veré es El viento que agita la cebada del británico Ken Loach.

La película aborda el tema de la Guerra de Independencia desatada en 1919 entre el Reino Unido y el ejército de la República de Irlanda (IRA, por sus siglas en inglés). La acción es vista desde el punto de vista irlandés, siguiendo las peripecias de dos hermanos pertenecientes a IRA. El mayor es el líder de la incipiente organización y el menor es un médico que piensa ir a Londres a trabajar como maestro, pero que finalmente decide luchar junto a sus compatriotas.

El filme se enfoca en la cruenta lucha entre los dos bandos y las ansias de los irlandeses por alcanzar la independencia. El ritmo de la película es intenso y plasma, por momentos crudamente, las atrocidades vividas durante el conflicto. Sin embargo, la película da un giro cuando cesa la guerra y se firma el tratado de paz que otorga mediana independencia a los irlandeses. Este hecho será tomado de diferente manera por algunos grupos, lo cual desatará una tan o más terrible guerra civil.

Loach refleja extraordinariamente las circunstancias sociales de un pueblo oprimido por otro. Es inevitable colocarse del lado de la población irlandesa al presenciar los abusos cometidos por el escuadrón inglés. La acción es permanente y el director la sabe llevar con buena mano, sin llegar a ridículas escenas patrioteras ni sentimentalismos pornográficamente conmovedores.

Pero el cambio que implica el paso de la guerra entre naciones a un enfrentamiento civil es el mayor punto a favor de la película. Percibimos el revés moral en los personajes, la confrontación entre ideales nacionalistas o ideológicos y las relaciones familiares o amicales. Allí reside la magistral mano del realizador, que con algunos diálogos o expresiones nos permite entender las desgracias sociales que acarrea toda disputa.

Sería impertinente seguir narrando la historia, pero es realmente destacable la ambiciosa producción que tan bien representa a la Gran Bretaña de aquellos tiempos. Esto, en conjunto con una estupenda fotografía, y actuaciones notables completan un trabajo que le valió la Palma de Oro del Festival de Cannes, y que tenemos la oportunidad de disfrutar en nuestra capital por unos cuantos días. Para no perdérsela.

Dogma 95

Pasan los años y todo cambia, para bien o para mal, algunos cambios son mejores que otros, algunos se mantienen y otros se descartan y pasan al olvido; algunos los admiran y otros los odian. Pero es así, el mundo es un proceso, la existencia misma es una constante variación. Y como todo, el cine también innova.

Lo hizo Griffith, Chaplin, los vanguardistas, los rebeldes jóvenes de la Nouvelle Vague, la generación perdida, el gran maestro Lynch y muchos más. Es por eso que quisiera tocar el tema de una nueva propuesta que nació a mediados de la década pasada en Europa: Dogme 95.

Su origen está en Dinamarca, en el año 1995, y en la mente de Lars Von Trier y Thomas Vinterberg. Como diversos movimientos en el mundo, y aunque muchas veces lo nieguen, es indudable que surge como un golpe al idiotizante cine comercial hollywoodense. Estos autores plantean una serie de normas con las cuales se busca hacer un cine independiente, de bajo costo de producción y con una tendencia muy personal. ¡Adiós la post producción! El director es el artista y todo su estro debe surgir en el mismo instante de inspiración, en este caso, durante la filmación.

Dogme 95 posee mucho del espíritu radical de la nouvelle vague, ésto en cuanto al deseo de cambio. Sin embargo, un aspecto en el cual ambas corrientes difieren abismalmente es el hecho de seguir reglas. Si bien el movimiento francés se liberó de todas las ataduras de la época y propuso una casi total libertad para los realizadores, lso miembros del Dogme 95 tienen muy claro una serie de pautas a seguir, irrenunciables, para las cuales existe incluso un juramento o voto de castidad, que consiste principalmente en las siguientes 10 premisas:

1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).
2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
3. La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.
4. La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).
5. Los trucajes y filtros están prohibidos.
6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).
8. Las películas de género no son válidas.
9. El formato de la película debe ser en 35 mm.
10. El director no debe aparecer en los créditos.

Con el correr del tiempo, algunas de estos cánones se han hecho un poco más flexibles, pero mantienen la esencia que los distingue de cualquier otra producción. Poseen una página de Internet en la cual se pueden inscribir aquellas películas cuyo director considere siguen las indicaciones de este movimiento.

A pesar de su reglas tan rígidas (por las cuales el propio Lars Von Trier ha tenido que alejarse para realizar películas como Dogville o Dancer in the dark), el proyecto es bastante innovador, y consigue una fusión más que interesante entre el cine de ficción y la estética documental. Algunas cintas que representan fielmente al Dogme 95 serían La Celebración o Los Idiotas, de Vinterberg y Von Trier respectivamente. La lista completa de películas puede ser encontrada en la página oficial.

Más allá de si sea del agrado de los fanáticos del séptimo arte, soy de la opinión que proyectos como éste ayudan al óptimo avance del cine y pueden servir de cimiento para estilos venideros que podrían fácilmente marcar un hito en la historia cinematográfica mundial. No queda más que ahondar más en el Dogme 95 y sacar nuestras propias conclusiones.

Frases Célebres de Homero Simpson

Yo no soy una persona que se impresiona facilmente… !mira, un coche azul!”
“vivir cada día como si fuera el ultimo… buaaa voy a morir”
“tendrá todo el dinero del mundo… pero hay algo que jamás podrá comprar…. Un dinosaurio”.
“qué quiere de cenar, una o dos chuletas? Ambas cosas”.
“tengo dos preguntas, uno, dónde está la flauta, y dos, démela”.
(rezando) “se que nunca me acuerdo de ti, pero si estás ahí arriba, ¡¡¡ salvame superman!!!”
”hijo, sin la presencia de un hombre en la casa, puedes volverte afeminado en un segndo… ¡ay, esta grasa no se quita!”
”una mujer es como una cerveza… suave… burbujeante… ¡y puedes matar a tu madre por una”
”no dejes que la muerte de krusty te hunda muchacho. La gente siempre acaba muriéndose. Es así de simple. Es mas, mañana tu podrías amanecer muerto. Bueno… buenas noches.”
”en mi familia somos cinco personas: marge, bart, la niña bart, la que nunca habla y ese tipo gordo… como lo odio !!!”
”ohh marge, mi gran reina.. Y lisa.. Mi amada princesa… y como olvidarme del niño rata…”

-bart: estamos organizando excursiones para padres e hijos
-homero: je je…tú no tienes hijos!

-agente del fbi (scully): esto es un detector de mentiras, si usted dice una mentira, la máquina lo notará y nos avisará…. ¿comprende?
-homero: ¡si! (y la maquina explota)

-marge: homero!,homero!.
-homero: aalo
-marge: homero, hay un hombre que puede ayudarte
-homero: batman!?
-marge: no, es un cientifico
-homero: batman es un cientifico
-marge: que no es batman!!!

Homero: ya llegamos a la india?Apu: no!Homero: ya llegamos a la india?Apu: no!Homero: ya llegamos a la india?Apu: no!… aveeeer. Ya!

Homero: oiga, uno de estos dias nosotros los ciudadanos vamos a enfrentarnos a ustedes policias corruptos..- jefe gorgori: ¿en serio?…. ¡¡oh no!!…..¿ya fijaron la fecha?
Dra:” esta operacion le puede aumentar su capacidad mental o lo puede matar ”” mmmmmm…. Aumentar mi capacidad para matar, trato hecho! “
Quien es usted?(no le digas, di un nombre falso)homero simpsond’ou!Ah… simpson…
Borrate flanders!

Marge: homero tienes una familia de sarigueyas aqui
Homero: a la grande le puse cuca

Jefe gorgory: vamos a ponerlo asi…… mi amigo se llama billetin !!!! Ha visto algun billetin por aquiiiiiii ?????
Homero: noooooooo el es bart

Jefe gorgory: hmmmmmmmm…………ponga mucha atencion y vea como guiño el ojo al hablar …..de acuerdo?
Homero: si señor !!!!
Jefe gorgory: el hombre que busco en realidad ……….guiño………es Donsoborno …….guiño …guiño….
Homero: hay que lanzar los aaaaros
Jefe gorgory: bueno se acabo !!!!! Este juego se cierra

Homero: vaya…..jamas bebere una cerveza
Venderor ambulante: cervezaaaaaaaa !!!!!!!!!!
Homero: deme dieeeeeeez!!!!!!!!!

Lisa: no debes hacer lo que burns te diga solo por dinerohomero: señor burns, no seguiré haciendo lo que me diceburns: y si le doy … estohomero: mmmmlisa: como puedes vender tu dignidad asíhomero: shh lisa, los adultos están hablando.

Examen para que homero se gradue de la secundaria: homero para sus adentros: cerebro yo no te agrado ni tu a mi , asique hagamos esto y seguire matandote con cerveza.Conciencia:hecho!
Homero: muchacho, como le rompiste los dientes a tu abuelo, ahora él te va a romper los tuyos!!
Marge le pide a homero q deje de tomar cerveza…..
Homero: hecho, desde mañana ni una cereza mas.
“hola vengo a recoger un paquete, me llamo señor burns”y digame señor burns cual es su primer apellidoah se me olvido
Marge: tenemos 4 hijoshomer: marge, el perro no cuenta.Marge: homero!!! Maggie…
Bart y lisa : que nos traeras de cenarhomero : si se portaron bien pizza , si se portaron mal emm….veneno !
- “ya tengo suficientes cosas que recordar.” Se mira la mano y tiene escrito lenny = blanco carl = negro
“niños les voy a contar de otro hombre malo… tenia el cabello largo e ideas extrañas y el no sabia porque la gente decia que era extraño, ese hombre se llamaba.. Ah.. Eh… se me olvido, pero el caso es que… se me olvido tambien… marge tu sabes a que me refiero, el que tenia un auto azul…”
Marge, sabes cuántos recuerdos tengo? Tres: formarme para ver una película, hacer la copia de una llave y estar aquí hablando. En 38 años solo eso he logrado- tienes 39- ahhhhhhhh
Homero: estúpidas películas. Quién inventó estas cosas tan ridículas? Fuiste tu bart?Lisa: fue thomas edison papábart: él inventó la bombilla?Lisa: eso también. Él inventó el fonógrafo, el micrófono y el auto eléctrico.Homero: ningún hombre puede hacer todo eso. Eres una embustera, asquerosa y tramposa.
Robar? Cómo pudiste? No has aprendido nada del que nos da los sermones en la iglesia, ese capitán no se qué? Vivimos en una sociedad de leyes. Por qué crees que alquilo las películos de academia de policias? Por diversión? Pues no, yo no oí reir a nadie. Y tu? Solo con ese de los ruidos. Bbbrbrbrbr iiiirrhh ,brbababrba jajajaj, arrrhhhghghg. En que estaba? Ah, sí, no te robes mi cerveza.
Homero: hay dos maneras de hacer la cosas marge .. La incorrecta y al estilo max power ..Bart: esa no es la incorrecta ?Homero: si pero es mas rapida.
El abuelo sentado en la mesa con lisa despues de q lisa dice lo q va a hacer (”lisa contra la baby malibu”)abuelo: voy a salir de mi retiro, conseguir trabajo y la malibu, y la baby maaaa….señora….invento…..yo….joven…..auxilio
Bart preparandose para la cita con la hija del reverendo alegria, homero y marge mirandolo:marge: es incrible que nuestro chiquitin ya tenga una cita:homero: amanecer, ocaso, amaneceeer ocaaaso… los pastorcitos de belen corren presurosos, llevan de tanto correr sus zapatos rotos…marge (consolandolo): ya esta bien homerohomero: no entiendes marge,, tienen los zapatos rotos,,, pobres pastorcitos!!!!
Estaban los simpson en el helicoptero de tomy y daly y el piloto dice:bienvenidos a la tierra de tomy y daly, donde nada puede malir sal. Digo, salir mal. Es lo primero que sale mal.
Homero:soy “don barredora” y le vengo a limpiarla puerta de su casa pa’que pueda trabajartengo un camión que mueve toneladasyo soy un campeón para las heladas.-lisa: papá, prométeme que nunca lo volverás a hacer.-homero: bueeno.
Homero había pasado toda la noche comiendo queso
Marge (a la mañana siguiente) - homero! Estuviste toda la noche aquí comiendo queso amarillo?Homero - creo que estoy ciego…ou….
Hmmmmmmmmmmmm crimen organizado“bart seria juez de la suprema corte, podria recorrer el mundo, londres, las filipinas…hamburgo…….hmmmmm,*babeo* hamburguesas”
El detective le pregunta a flanders:-es usted el varon de la cerveza?-de la cervecirijilla de raiz culpabilillo pillo amigocho ocho.-llevenselo, esta ebrio.
Homero cominedo mani en el sillon, de repente se le cae uno, revisa debajo y encuentra 20 dolares.
Ayyyy yo quería mani. El dinero puede comprar mucho maní, explica cómo? El dinero se cambia por productos y servicios. Ahhh. Pero yo quería manii
…yo se como te sientes bart a tu edad quería un futbolito eléctronico con todas las ganas, mis padres me los compraron y fue el mejor día de toda mi vida
- reverendo alegria: ‘te gustaria ser misionero’ llevarás la palabra de jesús. Subiendolo al avionhomero: ‘misionero!?! Pero si yo ni siquiera creo en jebús!’
Reberendo alegría: ves una luz homero?Homero: sireberendo alegría: ve hacia la luz hijo miohomero: auuuuuuuuu!!!
Para iniciar presione una tecla cualquiera¿cual es cualquiera?Veo la esc, ctrl, imprpantno tiene tecla cualquiera!!!Ay, tanta computacion me dio sedcreo que aqui hay cerveza tab
Lisa: recuerden, es mejor estar callado y ser tomado por tonto que abrir la boca y despejar las dudashomero: ¿que dijo?Cerebro de homero: ¡di algo o van a creer que eres un idiota!Homero: a lo hecho, pecho.Cerebro de homero: muy bien
Cuando va con apu a la india a buscar al rey de los supermercados….Despues de que homero preguntó mil veces si ya habian llegado a la india.. Por fin llegan… y:
Rey: por haber venido hasta acá les concederé 3 preguntas.Apu: que bueno porque solo necesitamos una.Homero: es usted el rey de los supermercados?Rey:sihomero: de veras?Rey: sihomero: usted?Rey: asi es. Espero haberlos iluminado….hasta luego vuelvan pronto…homero: no le veo lo grandioso, en serio es el jefe de los minisuper?
Cuando acusan a homero de comunista:abuelo: mi homero no es comunista !!Podrá ser ladrón, homosexual,comunista, pero nunca unaestrella porno
Cuando homero se choca viendo esquiar a flanders en pantalones ajustados¡¡¡¡¡estupido y sensual flanders!!!!!!

Homero: bien hijo en tu primer dia de escuela te voy a pasar el gran consejo que mi padre me dio(homero se imgaina a su padre y el de niño)abe simpson: homero eres tonto como una piedra y feo como una blasfemia, si un extraño ofrece llevarte….te subes!!!Homero: malditos traumas de la niñez!!!!!
Homero: primero se lo hicieron a jesus y ahora a mimarge: te atreves a compararte con el señor?Homero: en como juego a los bolos si.
En el capitulo que homero va al pasado
Homero: voy a seguir los consejos que me dio mi padre el dia que me case.Abraham en recuero: si llegas a viajar al pasado no toques nada!!
No es erudito hijo, “eructito hijo, se dice eructito.”
Cuando homero conoce a los smashing pumpkins:
Hola “soy homero simpson, de los simpsonitos.”
Homer: ay! Como me gustan los sábadosmarge: ¡es miércoles!Homer: ahhhh ( y sale corriendo)homer: ay! Como me gustan los sábados…no como ese miércoles-sábado en el que casi me echan de la central
Homer: ay! Como me gustan los sábadosmarge: ¡es miércoles!Homer: ahhhh ( y sale corriendo)homer: ay! Como me gustan los sábados…no como ese miércoles-sábado en el que casi me echan de la central

Aquí un video, podria poner cientos...pero lamentablemente la Twentieth Century Fox, ha decidido reclamar el copyright y hacer retirar la mayoria de videos de los Simpson en youtube. Más aquí va un recopilatorio del buen Homero:

Michael Hedges

I’m not trying to play the guitar. I’m trying to play music.

Michael
Hedges

Cuando uno toca guitarra uno enfoca su mente a la creación de música en base a acordes y riffs, consumando su talento en los diversos aspectos que brinda este instrumento, ya sea en el rasgueo o en el palm muting, incluyendo el tapping, pero siempre con el espíritu de un guitarrista, sin embargo, a veces, como elegido distinguido del tiempo, viene a dar con la música cierto individuo que no crea melodías para la guitarra, sino bellas canciones instrumentales y al ejecutarlas en esta, cambia todo para todos, este era el caso de Michael Hedges, quien no era un guitarrista sino un compositor enamorado del instrumento.
La técnica de Hedges es impresionante pues se basaba en el tapping y el slap para crear melodías experimentales en la guitarra acústica, muchas veces innovaba tocando en la “harp-guitar” que es una guitarra con 6 cuerdas en el primer mango y un segundo inmediatamente arriba del primero (con 4, 5 o 6 cuerdas a la manera de bajo), esto le daba una capacidad mayor de marcar un ritmo palpable y a la vez jugar con la melodía, también es muy destacable su uso de las notas armónicas usándolas incluso como parte primordial en canciones.
En el año 1997 Michael Hedges murió a los 40 años en un accidente de transito, su automóvil cayo a un barranco tras resbalarse por la intensa lluvia que había dejado a la pista completamente mojada.
Multifacético, poli musical, un total talento; Michael Hedges se definía a si mismo y a su estilo como ”, “heavy mental”, violent acoustic “acoustic thrash”, “new edge”, “edgy pastoral”, “savage myth”, “deep-tissue gladiator guitar”, “wacka-wacka”, sin embargo su técnica influencio a muchos guitarristas de Folk y de rock, para conocer mas sobre el pueden entrar a http://www.nomadland.com/, sin mas preámbulo les presento a Michael hedges tocando aerial boundaries, “silent anticipation”, “cello suite Nro 1 en sol mayor” de Bach, y “because It´s there”

Historia de la Espadas más Famosas

Las espadas siempre han estado en la mente de todo niño o niña que alguna vez haya imaginado las leyendas de los caballeros, reyes, samuráis, etc. Su majestuosidad de gran belleza y su uso letal han llamado la atención del hombre, desde que el mismo concibió aquel bello y terrible instrumento. A Continuación una breve reseña de las espadas más famosas y un pequeño intento taxonómico de estas tan solo a grandes rasgos.

Florete Francés – Mosqueteros

El cuerpo especial de los mosqueteros fue creado en 1622 por Luís XIII, exclusivamente para el servicio y protección del rey. Más tarde Alejandro Dumas se inspiraría en esta guardia real, para escribir “Los tres Mosqueteros”, la historia de los entrañables Athos, Portos, Aramis y…D`Artagnan.


Mandoble español – El Cid

“Tizona" y "Colada", son un ejemplo de típica espada española o mandoble que pertenecieron al "EL CID CAMPEADOR" el Caballero castellano Rodrigo Díaz de Vivar durante el Siglo XI. Al servicio del rey Alfonso VI se convirtió en Prototipo del caballero justo y leal.

Claymore – Britania y Alemania

Esta sea probablemente el tipo de espada más famoso, conocido por todos en la figura de Excalibur, la legendaria espada del Rey Arturo. La claymore era larga y pesada, y requería una gran fuerza. Fue usada por los bárbaros celtas y posteriormente durante la edad media en Europa central y Britania.

Espada Vikinga – Bárbaros y Nórdicos

Se trata de una espada diseñada para infringir el terror absoluto, su brutal tamaño de ancho y longitud, solo podía ser soportado por un guerrero con las mismas cualidades. Su maniobrabilidad no era fácil, más su peso la hacia ideal para un solo y certero golpe.

Cimitarra – Espada Árabe

La cimitarra o alfanje, fue la espada más usada por los árabes, poseía buena maniobrabilidad y un corte limpio, la afilada hoja era liviana, pero certera. Más su característica principal sin duda era su pronunciada curvatura y ensanchamiento hacia la punta, propiedad que la hacía un arma de temer.

Gladius – Espada Romana

El gladius fue el arma romana por excelencia, su poco tamaño era ideal para el combate cuerpo a cuerpo y el complemento perfecto para las falanges. El escudo completaba la utilidad de la gladius, una espada ancha y puntiaguda, diseñada para el estique directo, causando grandes daños.

Espada Templaria

Su diseño era básicamente igual al de las Claymore, siendo algo más anchas, eran precisas para el corte y estoque. Durante las cruzadas el oficio de armero ganó gran fama y prestigio, de esta época datan algunas de las espadas mas finamente acabadas, con bellos arabescos.












Katana – La espada del Samurai

La Katana es la espada por excelencia, posee el corte perfecto, siendo capaz de cortar con presición mecánica a un ser humano desde el cuello hasta la ingle un solo y limpio trazo. Su elaboración de aleación de acero y carbón la hacen flexible y le confiere una propiedad casi irrompible. Las katanas fueron el arma principal del ejército y guardia real japonesa, durante siglos, de un carácter sagrado, la espada aun se sigue usando en ceremonias de importancia.

The Velvet Underground and Nico

Como fanático del shoegazing y del rock en general me veo en la obligación de comentar y acercarles uno de los discos más perfectos de la historia musical: The Velvet Underground, ópera prima de la banda homónima, acompañados de la cantante y modelo alemana Nico.

Lou Reed, John Cale, Sterling Morrison y Maureen Tucker, junto a la ya mencionada Nico, dieron vida a uno de los álbumes más influyentes de todos los tiempos, y catalogado como un enorme paso por su calidad de experimentación, de avant garde y el espectacular concepto creado detrás de la producción, en el cual influyó de sobremanera el hecho de haber trabajado en The Andy Warhol’s Factory.

Otra vez en la década del 60, exactamente en 1967, una agrupación cambiaría el rumbo de lo hecho anteriormente y golpearía en el rostro a todos, con alevosía, rebeldía y a la vez magistral batuta, marcando un hito sorprendente. Desde la portada, el famoso plátano diseñado por Warhol, y la inscripción “Peel slowly and see” (Pele despacio y observe) podemos sentir una renovación radical (en ediciones originales, la cáscara podía retirarse y dejar al descubierto la banana pelada) muy propia de la naciente cultura pop.

La apertura es con Sunday Morning, una de las canciones más hermosas del álbum, donde la voz de Reed asemeja en efecto la suave alba dominical, introduciéndonos suavemente en el torbellino genial que engloba todo el disco. I’m waiting for the man, malinterpretada como canción homosexual, relata a un hombre a la espera de su abastecedor de drogas.

Posteriormente encontramos Venus in furs, con un extraordinario uso de la viola por parte del buen John Cale, y que aborda temas como el sadomasoquismo, sumisión, etc. Heroin, la canción más popular probablemente, es una descripción detallada de lo que siente un consumidor de esta droga, acompañada de una espectacular batería por parte de Maureen, que empieza suave, acelera y vuelve a descender, en una sucesión que asemeja los ritmos cardíacos de la persona que ingiere la sustancia.

En general, son 11 temas extraordinarios que abordan aspectos muy controversiales como el consumo de drogas, el sexo y en particular, el hecho de no condenarlas sino de tocarlas sin complejos ni tabúes, lo que originó muchos comentarios en su época. Aún así, fue una consecuencia que siempre le toca pasar a cualquier trabajo que rompe esquemas y que ahora figura entre lo más destacado de la historia del rock and roll. Espero disfruten esta joya.

Descargar The Velvet Underground (1967)

The Diablo Swing Orchestra-"The butcher´s ballroom"

The Diablo Swing Orchestra, una banda con una propuesta diferente, logran mezclar de forma excelente tanto el metal como ritmos clásicos incluyendo el swing, el blues, e influencias flamencas; en una realidad donde las bandas de fusión invaden las diversas escenas, esta agrupación sueca destaca.
La historia del nombre se remonta hasta el siglo 16 donde existía una orquesta que embelezaba a las masas, se les dio el nombre de la orquesta del demonio, por idea de la iglesia, la cual la atacaba por la forma en la que expresaban ideas subliminales en su música, la persecución de la iglesia llego a tal punto que resolvieron en matar a los miembros de la orquesta, por lo que estos decidieron dar un ultimo concierto con asistencia masiva, una vez terminado el concierto los miembros fueron apresados y condenados a la horca, esto le da justificación al curioso estilo rustico y fuerte que destaca a DSO, hasta la fecha solo han publicado un EP, “Borderline Hymns” (2003) y un cd, “The Butcher´s Ballroom” (2006) (click en la imagen para descargar)

Alineación:
- Andy Johansson - bajo
- Johannes Bergion - cello
- Annlouice Loegdlund - voz soprano
- Andreas Halvardsson - batería
- Daniel Håkansson – guitarra, voz
- Pontus Mantefors – guitarra, efectos

Pet Sounds

Llegamos a los cien artículos publicados después de más de cuatro meses, durante los cuales, tras muchos altibajos, hemos tratado de acercar la cultura a todo aquel que ingresaba a nuestro blog. Y humildemente seguiremos intentando ser un medio al cual puedan recurrir con algún pedido o duda.

Para esta oportunidad, he querido enfocarme en uno de los discos más espectaculares que haya podido escuchar. Ensalzado por la crítica comercial, la independiente, por gente mayor y jóvenes, quienes quedan inevitablemente maravillados con la perfección de su música. Me refiero a Pet Sounds de los Beach Boys, un disco repleto de canciones hermosas, con letras notables y un desenvolvimiento musical eximio.

Sin ánimos de desmerecer el trabajo de toda la banda, debo aclarar que todo el álbum proviene del genio creativo del grandioso Brian Wilson. Uno de los pocos magos de la música que sobreviven en la actualidad y al que muchos deben respeto y agradecimiento por semejante pieza, tan influyente en tantos estilos, y tan inspiradora para la creación en sí misma.

Conozco la música de los Beach Boys y debo confesar que no es de mi total agrado. Temas de rock and roll y surfing, música de moda en aquellos tiempos; pero fue Wilson, incluso ante la negativa de sus compañeros, quien se atrevió a dar un paso más allá, creando un disco trascendente en un intento de competir con los maravillosos Beatles. Y vaya que lo logró. En 1966 salió al mercado esta joya, que se pensó en ser lanzada como trabajo solista de su creador, pero que se mantuvo como fruto de toda la agrupación. El enorme cambio y la abismal diferencia con otros trabajos de los ‘chicos de la playa’ desencadenó un rotundo fracaso comercial, pero la total satisfacción de Wilson.

El disco fue grabado en sonido monoaural y no éstereo, debido a la sordera de un oído de Wilson, detalle que otorga mucho del característico estilo del álbum. No puedo hablar de Beach Boys como banda pues el resultado de su análisis sería negativo, pero sí puedo afirmar que Pet Sounds, como disco aparte, destaca sobre otros grandes como Sgt. Peppers o Revolver de la banda de Liverpool. Debo aclarar que hablo de gustos personales. Y tampoco puedo destacar a la banda en conjunto, pues creo que el 99% del trabajo recae en el genio al que ya hice referencia.

Quisiera destacar canciones hermosas como God only knows y I know there’s an answer, puntos álgidos dentro de la propia obra maestra y que difícilmente pueden dejar de producir sentimiento alguno en el oyente.

Es así como dejo esta maravillosa pieza para su disfrute y espero que, tras estos 100 artículos, vengan muchos más, contando con su participación en el intento de extender el arte y la cultura entre la gente. Hasta otra oportunidad.

Descargar Pet Sounds

En lo absoluto.

Dejándose llevar a un laberinto de traiciones.

En donde el eslabón oculto, fue encontrado ante un destrozo inminente.

Apartándose entonces de una esperanza fugaz.

Una confesión superflua,

Una explicación innecesaria,

Un acto tan prolijo.

Cavaron un hoyo...

Solo, ahonda su propia tumba,

Solo, esperando que las insinuaciones se conviertan en pasado...

Sola, esperando una ultima caricia, antes de adueñándose de aquella tumba,

Sola, no busca solución,

Sola, soñando en el ultimo recóndito compartido.

Queriendo cambiar esta pesadilla por la utopía antigua...Adueñándose de la expectativa de no cambiar su realidad, en lo absoluto!...

The First Lady of Song

La primera dama de la canción


"Yo nunca sabía cómo nuestras canciones eran buenas hasta que oí cantar a Ella Fitzgerald"

Ella Fitzgerald, conocida por todos como la dama Ella, dio al mundo de la música, la realización plena, distinguiéndose en el mundo jazzista.
Cantante estadounidense, su repertorio musical se amplió de forma exorbitante, en donde incluye swing, blues, bossa nova, samba, gospel, calypso, etc.
Considerada, junto con Billie Holiday y Sarah Vaughan, como la cantante mas importante e influyente de la historia del jazz. Dotada de una voz extraordinaria, con un rango vocal de tres octavas, destacando su clara, fascinante y precisa vocalizacion, conjuntamente con su capacidad innata de improvisación, sobre todo en el scat, técnica que desarrollo en los años 40’ y que anuncio el surgimiento del bop.
Ganadora oficial, de 13 premios Grammy, fue galardonada con la Medalla Nacional de las Artes y la Medalla Presidencial de la Libertad de Estados Unidos, Ella, es todo un conjunto de improvisación y fiel don que acompaña cada segundo de alegre, melódica y dramática participación vocal.
La vida de tal iniciadora del jazz, que particularmente me atrajo, yaque, muestra el gran desempeño vivencial, de donde es participe cada minuto.

"La mujer como Ella te hacen sentir cosas que no sabía que habían desaparecido de su vida"

Nacida en Newport News, Virginia, EEUU, una situación de pobreza permanente, fue su larga acompañante desde temprana edad.
En 1932, la madre de Ella murió tras un grave accidente de tránsito.
Este ambiente dramático, condicionó el comportamiento de Ella, que tuvo frecuentes problemas con el absentismo escolar, e incluso, con la policía, lo que la llevó a ser internada en un reformatorio. A pesar de ellos, sus huidas de éste y de casa eran frecuentes.

Ya de pequeña gustaba de bailar y cantar en un club escolar y en el coro de la Bethany African Methodist Episcopal Church. Aprendió a tocar el

piano, escuchó atentamente la radio y estudió todas la grabaciones que salían de Louis Armstrong y las Boswell Sisters.

Debutó como cantante a los 16 años, en 1934, en el Harlem Apollo Theater de Nueva York, ganando el concurso Amateur Night Shows con la canción Judy interpretada al estilo de su ídolo Connee Boswell. Tras una breve colaboración con la banda de Tiny Bradshaw, Ella consiguió entrar en la orquesta de Chick Webb.
Comenzó a cantar con la banda de Chick Webb en 1935, en el Savoy Ballroom de Harlem. El crítico George T. Simon escribió en la revista Metronome en enero de 1936: "Aquí tenemos a la número uno de 1936...Ella Fitzgerald...la joya de 17 años que canta en el Harlem' Savoy Ballroom con la estupenda orquesta de Chick Webb con su gran aptitud natural para el canto...una de la mejores...no hay razón para pensar que no llegue a ser la mejor dentro de un tiempo".

Grabó una serie de éxitos con ellos, incluyendo If You Can't Sing It, You'll Have to Swing It, pero no fue hasta la grabación de su versión de la

nana A Tisket A Tasket, en 1938 cuando alcanzó directamente el estrellato. Durante esta etapa, Fitzgerald era esencialmente una cantante de pop y swing que daba lo mejor de sí en las baladas. Tenía ya una hermosa voz pero ni improvisaba ni practicaba todavía el scat, como luego se ve representando.
Comenzó su carrera en solitario en 1941. Cantó con the Ink Spots, Louis Jordan y The Delta Rhythm y en 1946 empezó a cantar con regularidad para los conciertos de Norman Granz Jazz at the Philharmonic (JAP).

Un gran cambio se produjo en el estilo de Ella durante este período. Estuvo de gira con la banda de

Dizzy Gillespie y adoptó el bebop como parte de su estilo, comenzando a incluir fragmentos de scat en sus interpretaciones.
Sus grabaciones de "Lady Be Good", "How High the Moon" y "Flying Home" durante 1945-1947 se hicieron muy populares y su estatura como una de las primeras voces del jazz se asentó exorbitantemente.

Tras aparecer en la película de 1955 Pete Kelly's Blues, Ella firmó por fin con el sello Verve de Norman Granz y durante varios años grabaría los famosos Song Books de los grandes compositores estadounidenses de música popular: Cole Porter, los Gershwins, Rodgers & Hart, Duke Ellington, Harold Arlen, Jerome Kern y Johnny Mercer. Aunque (con la excepción de los discos sobre Ellington) no fueron sus interpretaciones más jazzísticas (pues Ella se apegaba a la melodía e iba acompañada de un gran orquesta de cuerdas), el resultado fue memorable, sin lugar a dudas. Siendo en 1960, donde graba su concierto en Berlín, convirtiéndose paulatinamente en su disco más importante para Verve.

Ya ciega a consecuencia de la diabetes que le toco padecer, en 1993 perdía sus piernas, y un tiempo después fallecía en Beverly Hills, California.
De ella su compañero y amigo Duke Ellington dijo "Ella Fitzgerald está más allá de cualquier categoría". Sus restos se encuentran en el Cementerio Inglewood Park de Los Angeles, California.

En lo más alto del Olimpo de las cantantes de jazz, se encuentra una increíble iniciadora, cuyo profesionalismo y talento inigualable, han quedado asombrosamente marcados en lo que respecta los inicios de la música estadounidense. Siendo de mayor gusto mío, su fascinante improvisación en el escenario, cuya atención y demostración marcadamente de mi compás, son demostrados a cada segundo de transcurso melódico.

Guillaume Apollinaire

La escuela francesa ha sacado a la luz una cantidad enorme de artistas, entre éstos, maravillosos literatos. Pues bien, tras sendos homenajes a Baudelaire, Verlaine y Mallarme y ad portas de un especial de Rimbaud, quiero presentar a Guillaume Apollinaire, poeta, novelista, dramaturgo, ensayista, pintor y crítico de arte nacido en Roma pero criado en Francia desde muy temprana edad.

Tuvo una vida agitada: participó en la I Guerra Mundial, en donde resultó herido; fue implicado junto a su amigo Picasso en el robo de la Monalisa, por lo que estuvo preso una semana. Además, en 1917, dos años después de ser herido, murió víctima de la epidemia de gripe española.

Su obra está muy influenciada por el simbolismo, sin embargo, su talento le permitió integrar en gran manera la literatura clásica con toques muy modernos. Se desenvolvió en círculos intelectuales y mantuvo amistad con personajes como Pablo Picasso, Andre Breton, Jean Cocteau, Marc Chagall o Marcel Duchamp. Su conocimiento del arte le permitió colaborar con la formación del cubismo (es famoso su ensayo Los pintores cubistas), acuñar términos y estilos en el surrealismo y el dadaísmo (con inspiración del Marqués de Sade, a quien admiraba) y muchas otras corrientes de revolución artística.

Escribió poemarios célebres como Alcoholes, dramas como Las tetas de Tiresias y novelas eróticas entre las que encontramos Las explosiones de un joven Don Juan y Las once mil vergas, obras que dieron cabida a censuras y polémicas extremas en la época.

Pero una de las cosas más llamativas de Apollinaire, y la que más me atrajo hacia la investigación de su trabajo, fueron sus famosos, y póstumamente publicados, caligramas, donde la disposición de los versos toman una forma gráfica que dotan de mucha expresión al poema. Obviamente él no los creo, sino que los tomó de influencias hindúes y helenísticas, pero su aplicación aceleró el gran giro que tuvo el arte en el siglo XX.

Apollinaire se convierte así en un referente para la vanguardia y la literatura contemporánea, y un artista que vale la pena estudiar en aras de un desarrollo cultural además de un goce espiritual que solo el arte puede ofrecer.

Fotografía

Tu sonrisa me atrae como
Me atraería una flor

Fotografía tú eres el hongo oscuro
De la selva
Que es su belleza
Los blancos ahí están
Claro de luna
En un jardín pacífico
Lleno de aguas vivas y de jardineros endiablados

Fotografía tú eres el humo del ardor
Que es su belleza
Y hay en ti
Fotografía
Lánguidos tonos
Donde se oye
Una melopea

Fotografía tú eres la sombra
Del Sol
Que es su belleza.

Warmen

Janne Vlijammi Wirman apodado “warman” es tecladista de la banda de metal fines “Children of Bodom” y uno de los mejores del mundo, creando riffs explosivos y melodicos ha venido trabajando con children of bodom desde 1995 y por el momento se encuentran preparando lo que seria su 6to álbum en estudio, sin embargo también se aventuro en un proyecto como solista donde, con la colaboración de otros músicos, Explotaría por entero el instrumento del teclado, y asi fue como el proyecto de Warmen nació, con un estilo de speed metal muy melódico las alineaciones asi como las colaboración han ido variando en los tres cds hasta ahora lanzados, cabe resaltar que los tres están basados en la película “Amadeus” y contienen frases de la misma además que cada cd contiene una canción tributo a Salieri, no pretendo efectuar criticas ni reseñas que cada uno saque sus propias conclusiones, sin embargo puedo afirmar que no los decepcionara, Disfruten (click en la portada del disco para descargarlo)

Unknown Soldier 2000

Alineación:
- Janne “warman” Vlijami Wirman – teclados.
- Sami Virtanen - guitarra.
- Mirka Rantanen - batería.
- Roope Latvala (children of bodom, sinergy, stone) – guitarra.
- Jari Kainulainen (stratovarius)- Bajo.
- Kimberly Goss (sinergy) – vocal.

Beyond Habilities 2002

"A young man trying to impress beyond his abilities, too much spice too, um...too many notes."

Alineación:
- Janne “warman” Vlijami Wirman – teclados.
- Sami Virtanen - guitarra.
- Mirka Rantanen - batería.
- Lauri Porra – bajo.
- Antti Wirman (Kotipelto) – guitarra.
- Timo Kotipelto (Stratovarius) – voz.
- Pasi Nykänen (Throne of chaos) – voz.
- Kimberly Goss (Sinergy) – voz.

Accept The Fact 2005

"If the public doesn't like one's work. one has to accept the fact, gracefully."

Alineación
- Janne “warman” Vlijami Wirman – teclados
- Sami Virtanen - guitarra
- Mirka Rantanen - batería
- Lauri Porra – bajo
- Timo Kotipelto (stratovarius) – voz
- Marko Vaara – voz
- Jonna Kosonen – voz
- Alexi Laiho (children of bodom) - voz

Hellraiser - Clive Barker´s Hellbound Heart

Todo aquel que haya leído la obra del escritor británico Clive Barker sabe que hay una serie de temas que se repiten constantemente: realidades paralelas, estética sadomasoquista, y la inevitable e indisoluble unión del sexo con la violencia física y la perversión moral. Todos esos temas están presentes en su primer (y hasta la fecha, mejor) esfuerzo como director, Hellraiser (1987), innegable clásico ochentero y una de las películas de terror más paradigmáticas de todos los tiempos.

La trama de Hellraiser gira alrededor de un artilugio: la Configuración de los Lamentos, un puzzle cúbico que abre las puertas del Infierno y permite la entrada de los Cenobitas, habitantes y señores de un universo de dolor eterno. El último en resolver el puzzle y caer víctima de sus guardianes, es una escoria humana llamada Frank Cotton, quien logra escapar de su prisión infernal y regresar a la tierra en la forma de un cadáver viviente. Una vez libre, se pone en contacto con su cuñada y amante clandestina, Julia, quien debe proporcionarle víctimas frescas para que pueda regenerar su perdido cuerpo. Pero Frank no sabe que los Cenobitas siempre están al acecho, y que no piensan dejarle escapar con facilidad.

Dos cosas son las que hacen de esta película un clásico. La primera de ellas es sin duda su estética, un elemento muy cuidado en todas las películas de Clive Barker. Desde la enigmática forma de la Configuración (ya en sí misma todo un icono del género fantástico) hasta la apariencia sexualmente ambigua y fetichista de los Cenobitas, el mundo de Hellraiser se nos presenta como un lugar oscuro pero a la vez hermoso.

La obsesión por las perforaciones, la profanación de la carne por el metal y la plasmación visual del dolor constante es algo que está presente en toda la película, y ciertamente ayuda mucho el hecho de que, incluso tras casi veinte años de su estreno, los efectos especiales sangrientos están muy bien hechos (la secuencia en la que vemos a Frank Cotton regenerarse a partir de una mancha de sangre en el suelo sigue siendo tan increíble como entonces), si bien algunos efectos digitales del final (rayos eléctricos más que nada) son realmente malos al punto de la risa. Pero sin duda, el centro neurálgico de la cinta lo constituye el inmenso Doug Bradley, que interpreta al líder de los Cenobitas (Pinhead, para los fans), auténtico ídolo del cine de terror y la mayor presencia de toda la saga, a pesar de que en la cinta su presencia es mínima. Bradley (amigo de Barker de toda la vida) ha hecho de este personaje una auténtica gloria para siempre asociada a él, siendo el único personaje que se ha mantenido a lo largo de las ocho entregas.

El otro elemento que define el éxito de la película es su genuina perversidad. Desde el inicio de la historia, lo que nos muestra Clive Barker es una situación doméstica en la que dos personas inocentes (Larry Cotton y su hija Kristie) son auténticas presas del Mal, un mal que sólo puede ser combatido por medio de la intercesión de uno mayor. Los personajes de Frank y Julia son auténticas plagas humanas, seres pervertidos y malévolos sin ningún tipo de lealtad más que hacia su sadomasoquista relación; el carácter del sadomasoquismo es crucial para la película, ya que desde el principio hemos visto como el principal atractivo que Julia ve en Frank es el hecho de que él la trata como basura. Es obvio que todo el esfuerzo narrativo de Clive Barker está centrado en estos dos personajes, ya que los "héroes" (Kristie y su novio) son un par de tortolitos atolondrados cuya única posibilidad de éxito yace en su alianza con las fuerzas de las tinieblas.

Tras casi veinte años, Hellraiser continúa siendo un clásico, a pesar de las realmente malísimas secuelas realizadas por directores que no podemos llamar más que amateurs y que no hacen sino dar mala fama a un clásico del cine de horror. Barker dirigiría la secuela Hellraiser II-The Hellbound Heart, muy recomendable tambien, pero sin llegar a superar la primera y dos películas más, Razas de noche (1990) y El señor de las ilusiones (1995), que no lograrían alcanzar el nivel de su ópera prima. Está claro que sus mayores talentos son como escritor, pero con esta película coincidieron todos los elementos necesarios para obtener una obra maestra que todavía tiene que superar, o al menos, igualar.

Ian Curtis - Control (Avance y banda sonora)

Uno de las figuras más enigmáticas dentro de la música de los últimos años fue sin duda Ian Curtis. Vocalista de la mítica banda Joy Division, se convirtieron en los más importantes representantes del post punk. Este género tomó la rabia del punk para expresar la fuerza adolescente, pero con un tono más sombrío y depresivo, llevando las notas a abismos extremos de desolación y ensimismamiento.

Curtis, quien sufría de constantes ataques epilépticos, sufrió durante mucho tiempo el martirio de los conciertos que, poco a poco, deterioraban su salud. Además de esto, los problemas en su matrimonio producto de su relación adúltera con una periodista búlgara, lo atormentaron y cargaron de remordimientos que lo alejarían de su pequeña hija, del trabajo con su banda y que, el 18 de mayo de 1980, a los 23 años, lo llevarían a suicidarse ahorcándose en su hogar luego de oír un disco de Iggy Pop y ver una película de Herzog.

En el poco trabajo que realizó con su banda, dejó un legado impresionante, con un estilo que revolucionó conceptos, un lirismo profundo y depurado en las letras y un sentimiento que sirve de influencia a muchos artista de la actualidad.

Este año se ha presentado en festivales y salas comerciales del mundo la nueva película que aborda su vida, Control, del director Anton Corbijn, una cinta que promete mucho por su temática, su ambiciosa puesta en escena, la buena reputación de Corbijn y la vida de un ícono generacional para muchos jóvenes.

Dejo el video con los avances de la película y un enlace de descarga de la banda sonora, que cuenta con temas de bandas como New Order (ex miembros de Joy Division), The Velvet Underground, David Bowie, Iggy Pop, Sex Pistols y, por supuesto, la banda del desaparecido cantante. Disfrútenlo.

Descargar soundtrack de Control