Michelangelo Antonioni 1912 - 2007

No es agradable ciertamente verme obligado a escribir acerca de más decesos y que el blog se convierta en una especie de gran obituario, pero las circunstancias lo mandan así. El cine anda de duelo, ahora doblemente. Ayer, horas después del deceso del cineasta sueco Ingmar Bergman, falleció otro de los grandes realizadores del siglo pasado. Se trata del italiano Michelangelo Antonioni.

Nació el 29 de setiembre de 1912 en Ferrara. Se graduó como economista en la Universidad de Bologna, sin embargo, se desempeñó como periodista de cine. Llegó a trabajar en la revista Cinema, editada por Benito Mussolini. Después de esto estudió cinematografía y se volcó a su carrera de director.

Trabajó al lado de Marcel Carné y Roberto Rossellini, no obstante, su estilo se desentendió prontamente del llamado neorrealismo italiano. Es quizá considerado, unicamente por detrás de Fellini, como el más grande representante del modernismo, aunque, paradójicamente, sus respectivos estilos distaban mucho uno del otro.

Antonioni se caracterizó por la sobriedad de sus películas, enfocadas en las preocupaciones internas de sus personajes. Ahonda en la soledad, el silencio, la reflexión, la incomunicación. La vacuidad del alma humana por excelencia. Todo plasmado en su técnica caracterizada por planos largos, pocos diálogos. En general, un mundo de subconsciencia bellamente dibujado que nos sumerge en la introspección y el análisis de nuestro ser.

Dentro de su filmografía caben destacar grandes obras maestras como La aventura, La noche, El eclipse, El reportero y Blow up, considerado su trabajo más logrado y basado en un relato de Julio Cortázar.

En 1985 sufre un derrame cerebral que lo deja inmovilizado y sin habla. A pesar de esto dirigió algunas películas más, hasta el día de ayer, en que murió a la edad de 94 años en la ciudad de Roma. Sin duda deja un lugar imperecedero a los amantes del cine y también a quienes trascienden este arte y exploran la sensibilidad de la vida.

Ingmar Bergman 1918 - 2007

Uno de los más notables directores de cine y teatro de la historia se fue de este mundo el día de hoy: Ingmar Bergman. Prodigioso, innovador, perfeccionista, nació en Uppsala, Suecia en 1918.

Desde chico vivió un mundo repleto de fantasías, un arma que lo ayudó a escapar de ese entorno de represión dentro del cual fue criado. Estudió Arte y Literatura en la Universidad de Estocolmo, pero pronto volcó su interés en las tablas y posteriormente al cine. Poco a poco fue creando ese estilo que le hizo destacar por sobre muchos otros y le otorgaron el reconocimiento debido.

No hace falta ahondar demasiado en describir su genialidad, que ha quedado marcada en obras maestras de la pantalla grande: El séptimo sello, Persona, Fresas salvajes, Fanny y Alexander, El silencio, Gritos y susurros, entre muchas otras, películas imprescindibles para los cinéfilos y que nos muestran esa preocupación existencial que aqueja al hombre, el traspaso de los límites del pensamiento y el sentimiento y que con magistral calidad nos invitó a un paseo casi filosófico de lo que es la vida desde sus mayores problemas, hasta sus aspectos más mundanos.

Trabajó también en películas exclusivamente hechas para la televisión, y se retiró a vivir a la isla de Farö, donde realizó muchos trabajos. Es también esta actitud de soledad la que se refleja en sus filmes, la vulnerabilidad de la persona, su psicología, el a veces mal llamado mundo interior que no es más que el reflejo de todo lo que absorbemos por nuestras experiencias, la intuición y ese laberinto en el cual nos sumergimos por el simple hecho de existir.

Vencido ya su antiguo temor a la muerte, Bergman nos dejó, con una muerte apacible mientras dormía. Como el mismo dijo: ‘La muerte es un arreglo muy, muy acertado. Como una vela que se apaga. No hay mucho sobre que discutir.’

Desde aquí nuestro humilde homenaje a un grande. Descanse en paz.

Edward St. John Gorey, los grises cuentos para pequeños

"if you're doing nonsense it has to be rather awful,

because there'd be no point.

I'm trying to think if there's sunny nonsense.

Sunny, funny nonsense for children

oh, how boring, boring, boring."

Edward Gorey

El obrar de volver pesadillas oscuras y fantasías macabras, historias grises en cuentos infantiles, inocentes como los espectadores a los cuales va dirigida; pero si uno logra hundirse en ellos (como hice) su niño interior arderá en miedo e intriga, asi considero la obra de Edward St. John Gorey
Nacido un 22 de febrero de un 1925 en Chicago, su infancia transcurrió en diversas escuelas primarias, para luego desembocar en el Francis W. Parker School como sede de su estancia en la secundaria, en 1946 después de servir al ejercito por un tiempo ingresó a Harvard, donde compartió habitación y lo mas probable, ideas, argumentos, situaciones y maldiciones con Frank O´Hara, poeta por supuesto
En 1943 estudio un semestre en Chicago Art institute, un tiempo que Gorey consideraba perdido, desde el 53 hasta el 60 residió en new york trabajando para el “departamento de arte de Doubleday anchor” ilustrando portadas de libros
El estilo de Gorey fue el uso de ambientes clasicos de epocas victorianas, oscuros personajes estilizados a la manera de la época ya mencionada además de la publicación de libros a veces sin ni una sola palabra, para que si sus historias se daban en la mente del lector (o en este caso observador) al unir las imágenes,
A pesar de que la obra de Gorey es de tal calidad que se lo considera de culto se hizo conocido recién por su trabajo en la animación de entrada de la serie MISTERY! de la cadena americana PBS así como sus diseños de vestuario para la obra de broadway DRACULA con la cual se hizo merecedor de un Tony award.
Incursiono en el teatro con su libreto para "The white canoe" una opera de marionetas basada en la leyenda de la dama del lago (personaje que aparece en la leyenda del rey Arturo desempeñando diversos roles), la cual fue estrenada después de su deceso en el año 2000, y con su obra “lost shoelaces” estrenada en 1987, Gorey escribió el libreto de una película muda llamada “the black doll” que nunca llego a ser producida.
Adicto al ballet y a los gatos, asceta por elección, frió e indiferente, posible asexual, amable a la vista, solitario por excelencia, algunos lo llaman un escritor que dibujaba, otros un dibujantes que escribía, cuentos para niños apreciados por adultos pero tal vez no completamente entendidos, cuenta con un repertorio mayor a las 100 libros de los cuales la mayoria son muy difíciles de conseguir, aunque existen 4 libros recopilatorios publicados (amphigorey, amphigorey too, amphigorey also y amphigorey again)
Aquí les dejo una animación basada en The Gashlycrumb Tinies obra de gorey, la cual es mi favorita, les invito a investigar y buscar más sobre este genial dibujante, narrador y artista

Alphaville - Jean-Luc Godard

"¿Sabe lo que transforma la noche en luz? La poesía".

La maravillosa respuesta del agente Lemmy Caution ante el interrogatorio de Alpha 60, en Alphaville.

Un mundo matemáticamente perfecto, donde todo acto esta orientado a predecir el futuro, donde nuestras leyes básicas de acción reacción, dejaron de ser naturales y pasaron a ser tan solo un mero calculo lógico para evitar el desequilibrio en cualquier plano. Acciones y personas programadas, predecibles hasta hacerse insoportables. La voluptibilidad, la emoción, el arte, el sentimiento, son aplacados, cual peste destructora del equilibrio mental, real y mecánico.

Tal es el mundo futurista y a la vez subliminalmente real, que nos pinta con magistralidad eximia Jean-luc Godard, en Alphaville, la extraña aventura de Lemmy Caution. Dirigida y escrita por el mismo Godard, Alphaville (1965), es un film completo, una combinación de ciencia ficción, con cine negro, la fotografía y duración precisas, además el guión extraordinario, así como las actuaciones de Eddie Constantine y Anna Karina, hacen de este, un film completo en todo sentido e imprescindible para cualquier cinéfilo incurable, así también como para aquellos que como el que escribe somos filósofos constantes del día a día.

Godard, no nos plantea en Alphaville un futuro lleno de naves espaciales, robots, alienígenas, sofisticados efectos espaciales o tecnología de punta. Sino se basa en hacer ciencia ficción con los medios mínimos de los que disponía. Nos sugiere mas bien un futuro, muy parecido a la realidad del contexto actual en el cual se filmo, idéntico al de una ciudad francesa de los años 60´s, edificios convencionales, gente incluso vestida de acuerdo a la época, la película es rodada, en una ciudad cualquiera, que no parece nada del futuro, mas la trama así como el excelente montaje de Godard, no nos hacen dudar un segundo de que estamos viendo una gran metrópolis del futuro muy lejano.

Bajo el nombre en clave de Mr. Jhonson, el agente secreto enviado de los mundos exteriores, Lemmy Caution, viaja en su Ford Galaxi, cientos de años luz hacia Alpahaville, con la misión de encontrar y si es posible acabar con el doctor, Von Braun, creador del sistema de represión mas perfecto concebido jamás. Tarea en la que será ayudado por la hija del doctor, Natasha Von Braun, interpretada por la hermosa Anna Karina.

Lemmy Caution llega a Alphaville y se encuentra con una realidad oscura, una ciudad sombría y triste, donde todo es mecánicamente controlado, donde cada movimiento, cada palabra es producto de una ecuación o un adoctrinamiento feroz. Todo acto y toda persona en la ciudad es controlado por el superordenador inteligente creado por el profesor Von Braun, Alpha 60, una suerte de precursor para lo que más tarde seria el Hal 9000 de Kubrick en odisea en el espacio.

Los ciudadanos de Alphaville se comportan como maquinas, de forma automática, desconocen el significado de la palabra "conciencia" la curiosidad se ha reducido a cero, dicen "no" cuando en realidad quieren decir "sí", y un libro llamado “la Biblia”, el cual no es mas que un diccionario de palabras permitidas o prohibidas creado por alpha 60, es su refugio cuando no entienden algo. Mostrar sus verdaderos sentimientos o pensar contra el sistema se castiga con la muerte, llorar es delito.

Es una sociedad aparentemente apacible y feliz, mas en donde la conciencia y el libre albedrío forman parte de las palabras prohibidas, aparentemente la sociedad perfecta, según su creador, donde nada esta fuera de lugar, donde todo es predecible y funciona como las piezas de engranaje de un reloj, donde los pocos que se resisten y sienten y piensan, son ejecutados o inducidos al suicidio, dónde a menudo tras algún indicio de manifestación emocional han de tomar tranquilizantes y demás pastillas para mantener la cordura. Y tras la máquina, un "científico loco" que juega a ser dios.

Todo esto salpicado con juegos y diálogos propios de la nouvelle vague. Cuando cuatro policías están a punto de detener a Lemmy, Natacha, se pone a contar un chiste entre los hombres. Solo a Godard se le puede ocurrir romper la coherencia de la escena de esa manera.

La fotografía y el manejo de la cámara son excelentes, entretenidos planos secuencia, otros en cambio fijos dejando que la acción haga el resto, blanco y negro de cómic, incluso los propios actores juegan con las luces de la escena... Un gran trabajo por parte del fotógrafo Raoul Coutard.

Un hito de la ciencia ficción que reflejaba el futuro y que refleja ahora la realidad actual. Godard, nos muestra en Alphaville, como una suerte de profeta, el nefasto futuro que le espera a la humanidad, de continuar viviendo a la sombra de grandes entidades oscuras e innombrables.

Una película imperdible, que posiblemente sirvió de inspiración para otros dos grandes del cine, como lo fueron posteriormente odisea en el espacio y Blade Runner. He aquí a Godard en todo su esplendor.

Adagio - A band in upperworld

Adagio, banda francesa de metal progresivo, es notoria la técnica y virtuosidad de sus integrantes, en consecuencia la calidad musical de esta banda es única, la utilización de estilo tanto sinfónico como clásico, además de el toque de metal, el juego y cambio de ritmos además de la explosiva y melodiosa guitarra de Forte, capaz de crear atmosferas de sonido embelazantes como es el caso del primer riff en “the stringless violin” , uso de tanto teclado como piano de una forma excelente, en resumen una banda muy completa que seguro complacerá no solo a los fanáticos del metal sino también a cualquier oído gustoso de música progresiva y melodías clásicas, este cd del concierto en Paris es el primero en vivo y tercero de su carrera, contando en su repertorio con canciones tanto de su primer cd “sanctus ignis” como de su segundo “underworld”

Adagio-A band in upperworld

- Alineación:

Gus Monsanto-vocal

Franck Hermanny-bajo

Kevin Codfert-teclado, piano

Stephan Forte-guitarra

Eric Lebailles-bateria

Ulrich Schnauss

Ulrich Schnauss es un pionero de la música electrónica ambiental, el shoegazing y esta fusión recientemente conocida como indietronic. Nació en Kiel, ciudad porteña al norte de Alemania, en 1977.

Es también productor y ha trabajado con artistas como Depeche Mode, Airiel, Howling Bells, Mojave 3 y la anterior miembro de Slowdive, Rachel Goswell. Con sólo 30 años y una gran carrera se ha ganado el respeto de la escena musical mundial y llegado a comparársele a otros grandes en su tiempo como Phil Spector o Robin Guthrie.

Posee grandes influencias de My Bloody Valentine, Tangerine Dream, Cocteau Twins y Christian Fennesz. Muchos de sus trabajos han sido lanzados también bajo seudónimos como View to the Future o Ethereal 77.

En el 2001 apareció ‘Far Away Trains Passing By’, producción que, según palabras del propio músico, le devolvió la confianza sobre su trabajo. Dos años más tarde publica ‘A Strangely Isolated Place’ y a inicios del presente sale a la venta uno de los mejores trabajos del año: ‘Goodbye’. Estos tres discos, más armoniosos que experimentales, conforman a mi parecer una trilogía que muestran la madurez alcanzada por Schnauss.

Según información extraoficial pero bastante confiable, Ulrich estaría por Lima en noviembre de este año. Esperemos que realmente nos visite pues se trataría de una presentación de lujo. Estaré confirmando apenas tenga noticias. Mientras, los dejo con unos enlaces de descarga para los tres álbumes mencionados anteriormente:

Far Away Trains Passing By (2001)

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A Strangely Isolated Place (2003)

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Goodbye (2007)
















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Gracias a Eduardo Lenti por los discos.

David Lynch, laberinto onírico

El sentimiento, los sueños, pesadillas, crímenes, misterios, erotismo y tantos otros ingredientes, son los que conforman el surrealista mundo de David Lynch. Tan amado como odiado y muchas veces incomprendido, es sin lugar a dudas uno de los directores más influyentes de la actualidad.

Nació en 1946 y empezó su carrera desde muy joven. Se desempeño también como actor y pintor. A los 20 años realizó su primer cortometraje llamado ‘Six Men Getting Sick (Six Times)’ o ‘Seis hombres enfermándose (seis veces)’. Consistía en una serie de dibujos realizados por el propio Lynch en una secuencia de un minuto, repetida seis veces. Es un trabajo claramente experimental, que nos da una idea de su capacidad de imaginación y experimentación. Aquí un extracto:

Este corto sería incluido posteriormente en un DVD que recopila algunos de sus trabajos. Se puede decir que su primer mediano éxito fue ‘Eraserhead’ (Cabeza borradora). Esta película narra la historia de un hombre abandonado por su mujer junto a su hijo, una criatura indescriptible y monstruosa. Él vive en un pequeño departamento y se ve envuelto en situaciones bizarras y surrealistas. La película ha sido foco de diversas interpretaciones, como muchas de las películas del director, quien como es costumbre, prefiere dejarlas al criterio del espectador. El genial Stanley Kubrick se refirió a esta película como una de sus favoritas de todos los tiempos.

Tres años más tarde, en 1980, salió a la luz su siguiente proyecto: ‘The Elephant Man’ (El hombre elefante). Nos habla de John Merrick, un joven que vivió en el siglo XIX y sufría una severa deformación en la mitad de su cuerpo, especialmente en la cabeza. El filme cuenta con la participación del gran actor Anthony Hopkins. Esta cinta lo hizo acreedor a una nominación como mejor director y otra a mejor guión adaptado en los premios de la Academia. Incluso Lynch, después de este éxito, recibió la propuesta por parte de George Lucas de dirigir la última parte de su trilogía de Star Wars: The Return of The Jedi (El regreso del Jedi), oferta que él rechazó por temor a que la película tuviese una visión más personal por parte de Lucas.

Posteriormente se asoció al productor italiano Dino de Laurentiis quien financiaría dos películas: la primera fue ‘Dune’, en 1986, un fracaso estrepitoso. Sin embargo, dos años después realizaría ‘Blue Velvet’ (Terciopelo azul), una de sus películas más aclamadas y por la que más fama consiguió. Cuenta la historia de un joven que por curiosidad e imprudencia, se ve inmiscuido en una serie de crímenes y hechos ocultos en un pequeño pueblo de los Estados Unidos. Participan tres de sus actores más convocados: Kyle MacLachlan, Laura Dern e Isabella Rossellini, aunque cabe mencionar la destacada aparición de Dennis Hopper. Lynch obtuvo su segunda nominación al Oscar gracias a este trabajo.

Tiempo después Lynch trabajó en una serie de televisión llamada ‘Twin Peaks’ (Picos gemelos) un conjunto de historias de suspenso y misterios en una localidad de Washington. Entre sus proyectos por esa época figura la controversial ‘Wild at Heart’ (Corazón salvaje) que recibió una distinción en Cannes, pero que debido a su crudeza fue recibida tibiamente por la crítica y la afición. En 1997 estrena la no-lineal ‘Lost Highway’ (Carretera perdida) con influencias del film noir y de thrillers psicológicos.

En 2001, un proyecto televisivo terminó por convertirse en largometraje: ‘Mulholland Drive’ (Camino de los sueños), otra historia inextricable cuyos fanáticos aclaman por su belleza visual y emocional, y también por la posibilidad de darle variadas interpretaciones. Esta cinta relata el lado más oscuro de Hollywood y de sus protagonistas, que de un momento a otro, cambian de personalidad para terminar en una complicada trama. Lynch fue nominado por tercera vez por la Academia y compartió la Palma de Oro de Cannes como Mejor Director con Joel Coen por ‘The Man Who Wasn’t There’ (El hombre que nunca estuvo).

En septiembre último, Lynch lanzó ‘INLAND EMPIRE’ su más reciente trabajo que cuenta con la colaboracón de Laura Dern, Naomi Watts y Justin Theroux. Esperamos con ansias su llegada a las salas limeñas o al menos en edición de mercado negro ante la ineptitud de las empresas que traen producciones tan mediocres a nuestros cines.

Realmente recomiendo seguir a Lynch. Es un director complicado, que juega más a la interpretación de las personas y busca llegar a su psicología. Sin embargo, nada de eso resta méritos a su calidad. Hay que prestarle atención, entrar a su mundo, y como él mismo recomienda, ver sus películas de corrido, sin interrupciones. Para terminar los dejo con ‘Lumière: Premonitions Following An Evil Deed’ (Lumiere: Premoniciones tras una semilla maligna) realizado en 1995 e incluido en el filme ‘Lumière et compagnie’ (Lumière y compañía) trabajo en el cual 40 directores se reunieron para filmar con el cinematógrafo original.

Espero disfruten y se animen a ingresar en el intrincado mundo de este magnífico cineasta. Vale la pena.

Robert Smith y Steven Morrissey

Es increíble que el motivo principal por el que me alejo del blog sea el arte y la cultura, cuando son estos los dos principales círculos en donde se desarrolla nuestro humilde portal. Entre el placer de leer y escribir, el deleite de ver una buena película, saciar mis oídos ávidos de música y tantas otras cosas , me fue imposible redactar acerca de algún tema.

Pero bueno, debo confesar que pensé mucho antes de publicar el siguiente artículo. Tal vez tenga una dosis de morbo o características de tabloide, pero al tratarse de dos figuras referentes dentro de la música de mi agrado, decidí su publicación.

En la historia de la música se han hablado de muchas rivalidades: Axl Rose y Kurt Cobain, la falsa enemistad de los Beatles con los Stones e incluso la agria relación entre Chopin y Liszt que llegó hasta la disputa de una mujer, la también famosa George Sand. La rivalidad en cuestión el día de hoy será la de dos grandes representantes de la música de los ochenta. Hablo de Robert Smith, el mítico vocalista de la banda The Cure, y el líder de los Smiths, el siempre polémico Morrissey.

Nadie sabe ciertamente cuando ni como se origina esta disputa. The Cure salió a la luz en el año 1979 y se mantiene hasta la actualidad como un grupo legendario en su género y una gran influencia para muchas otras bandas. La misma fuerza fue producida por The Smiths, que si bien es cierto, tuvieron una corta duración (1982 – 1987) su legado perdura y Morrissey como solista sigue activo hasta estas épocas.

Se dice que The Smiths habría sido la banda más importante de su década si no se hubiese visto acechado por la sombra de Smith y compañía. Podríamos decir que si bien son diferentes, sus estilos no difieren del todo. Muchos fanáticos de The Cure gustan de la música de los de Manchester; en cambio estos últimos se muestran reacios a los intérpretes de ‘Boys Don´t Cry’, en una posición contagiada de la arrogancia de su ídolo Morrissey.

A lo largo de este tiempo diversas puyas han salido de un bando a otro. Como bien sabemos, Morrissey es vegetariano (un disco de The Smiths es titulado Meat is Murder) y es sabido que en una entrevista, Robert Smith dijo que si Morrissey no come carne, el comería carne pues odia a Morrissey. Por otra parte, Morrissey ha hecho constantes alusiones al sobrepeso de Smith y a su curiosa cabellera. En los últimos años se ha podido percibir cierta diplomacia entre ambos cantantes, pero aún así su relación se mantiene distanciada y tensa.

Particularmente los dos me parecen extraordinarios exponentes y me extraña este tipo de enemistades. Quizá sea uno más de esos caprichos que tenemos que perdonarles a grandes como ellos. ¿Difícil ponerse de un lado verdad?

Blade Runner y el Ajedrez

"Yo he visto cosas que ustedes no creerían: atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto Rayos-C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir".

El texto que antecede es parte del discurso final de Roy Batty, el replicante (androide) de Blade Runner. Más ágil, más fuerte, más inteligente y más humano que los propios humanos, y tan desdichado como ellos ante la fatal perspectiva de la muerte. Sólo que en su caso la muerte es a plazo fijo.

En su búsqueda desesperada de respuestas, en su intento de ganar algo de tiempo, el ajedrez le prestará la excusa que le permitirá acceder a su creador.

Batty, el replicante mas perfecto, está en casa de J.F. Sebastian, un genetista de la Tyrell Corporation, la empresa que creó los androides, buscando la forma de entrevistarse con su creador, el Dr. Eldon Tyrrell. Un tablero de ajedrez llama su atención y después de observar brevemente la posición hace una jugada:
SEBASTIAN
― No. El rey come a la reina, ¿lo ve? Un fallo.
Batty no le da demasiada importancia pero poco después pregunta:
BATTY
―¿Es bueno?
SEBASTIAN
―¿Quién?
BATTY:
― Su oponente.
SEBASTIAN
―Ah, ¿el doctor Tyrell? Sólo le he ganado una vez al ajedrez. Es un genio. Él les diseñó.
Batty intuye que el ajedrez puede ser la llave de entrada a Tyrell y se encamina hacia su casa
TYRELL
―Qué desea usted, Sebastian?
SEBASTIAN
―Reina a alfil 6. Jaque.
TYRELL
―Tonterías. Espere un momento. Reina a alfil 6; ridículo. Reina a alfil 6. Hum... Caballo por reina. ¿Qué pasa, Sebastian? ¿En qué está pensando?
BATTY
―Alfil a rey 7. Jaque.
SEBASTIAN
―Alfil a rey 7. Jaque mate.
TYRELL
―Se le ha iluminado el cerebro, ¿eh? La leche y los pasteles le mantienen despierto, ¿eh? Vamos a discutir esto. Será mejor que suba, Sebastian.

Y las puertas se abren para que Batty se enfrente a su creador. Lo que pasa a continuación ya lo saben ustedes. De la conversación transcrita se ha deducido que la partida que sirvió de inspiración a los guionistas de Blade Runner fue “La Inmortal”. A continuación una breve reseña historica de dicha partida:

"La Inmortal" (partida de ajedrez original)

Blancas: Adolf Anderssen - Negras: Lionel Kieseritzky, Londres 1851

Adolf Anderssen era uno de los mejores jugadores de su época, y considerado por muchos campeón del mundo tras su victoria en el torneo de Londres de 1851. Lionel Kieseritzky vivió en Francia la mayor parte de su vida, país en el que daba clases de ajedrez y jugaba partidas por cinco francos la hora en el Café de la Regence de París. Kieseritzky era conocido por su capacidad de derrotar a jugadores más débiles, aún concediéndoles ventaja - por ejemplo, jugando sin dama.

La partida inmortal fue una partida informal, jugada entre estos dos jugadores en Londres. Tras el final de la partida, el derrotado Kieseritzky estaba impresionado y telegrafió las jugadas a su club de ajedrez parisino. La revista de ajedrez La Regence publicó la partida en julio de 1851 bajo El nombre de "partida inmortal"

Es habitual que la crítica considere que la partida de ajedrez simboliza la rebelión del androide contra su creador y su ansia de inmortalidad, en el sobrenombre con que es conocida esta partida entre los aficionados encuentra un argumento adicional. Y luego se suele divagar sobre la capacidad de los peones de transmutarse en otra pieza al alcanzar la octava fila alcanzando una suerte de renacimiento.

Que, desde el punto de vista dramático, la partida simbolice el enfrentamiento hombre máquina no me cabe la menor duda. Otra cosa son las divagaciones sobre la inmortalidad. Batty no quiere la inmortalidad, quiere ganar tiempo a la muerte.

Eisenstein, El genio del montaje II

Después de terminar Octubre, Eisenstein volvio a un proyecto que había estado desarrollando antes, una película llamada “The general line”, Eisenstein siempre se caracterizó por utilizar muchísimas tomas para sus películas lo que le daba una gama mayor de recursos en el editado, sin embargo Stalin “propuso” (mejor dicho impuso) cambios radicales en su forma de filmar, quería películas simples y con mensaje, nada mas, como si quisiera ahogar el espiritu critico, conclusiones se los dejo a los lectores, eisenstein decidió viajar por Europa para investigar el nuevo recurso cinematográfico recién aparecido, el sonido, acompañado de sus colaboradores Eduard Tisse y Grigori Aleksandrov, en la ausencia de el su película fue estrenada bajo un nuevo titulo “Old and new”

A cada país que Eisenstein llegaba era aclamado, en especial por universitarios e intelectuales muchos de los cuales simpatizaban con la revolución (Europa del oste pertenecía al bloque capitalista), conoció a figuras como Joyce, Gance, Cocteau, Einstein, Marinetti, Stein, etc los cuales mostraron mucho entusiasmo por su trabajo y su estilo, fue en su estadía en Francia cuando Jesse Louis Lasky lo invito a viajar a los Estados Unidos para realizar un proyecto junto con “Paramount Pictures”, Eisenstein llego a América el 13 de mayo de 1930.
Una vez en América Eisenstein propuso realizar una película biográfica sobre el traficante de armas griego Sir Basil Zaharoff, y una adaptación para el cine de la comedia “Arms and the Man” de George Shaw. Paramount no se mostraba en lo absoluto impresionado y aun menos convencido por estas propuestas (de por si se sentian muy incomodos por las ideas de Eisenstein, en especial tras ver “The general line” estrenada en América poco antes de que Eisenstein viajara), después de estos fallidos intentos propuso la adaptación cinematografica de el libro “An Américan tragedy” de Theodore Dreiser, Paramount aceptó y Eisenstein comenzó a trabajar en el guión, el cual completó en octubre de 1930, Paramount rechazó el guión seriamente presionado por la campaña “anti eisenstein” armada por Major Pease, director del Hollywood Technical Director's Institute (organización anti comunista y tambien considera anti semita, con muy notorias tendencias fascistas, entre los años 20 y 30), este atacaba a eisenstein acusandolo de contaminar el cine con propaganda comunista, usando slogans como “eisenstein, el mensajero del infierno en hollywood”, eisenstein era acusado con diversos crímenes supuestamente cometidos por los bolcheviques, la campaña e investigación de Major Pease lograron que el comité Fish actuara en contra de eisenstein y su película, Eisenstein y Paramount pictures rompieron su contrato al poco tiempo.

La estancia en América no fue muy agradable para eisenstein, tuvo que acoplarse a las leyes americanas y las costumbres americanas, se vio obligado a quitarse so gorra tipica y a afeitarse la barba, se hizo muy amigo del conocido comediante Charles Chaplin, quien seria el nexo entre eisenstein y Upton Sinclair, un autor americano de ideas socialistas, fue el el que le propuso viajar a Mexico para realizar una película que seria producida por sinclair, su esposa, y otros tres accionistas (fueron organizados como el “Mexican Film Trust) Eisenstein acepto la propuesta y firmo el contrato el 24 de noviembre de 1930, con las condiciones de que seria libre completamente de filmar como a el mejor la parezca y vea adecuado.

Eisenstein no tenia aun una idea clara del tema en si al cual se iba a avocar su película (habia aceptado la condicion de realizar una película ajena al tema politico) decidió que no utilizaria actores profesionales ni guiones, ni sonido, implementaria un realismo a su cine al filmar a los mismos nativos en situaciones diversas que se adecuen a la trama que aun no estaba totalmente desarrollada, el titulo “¡que viva México!” iba siendo aceptado, el contrato estipulaba que tenia que tener su película lista para finales de abril de 1931, sin embargo para mediados de ese mes solo había logrado desarrollar un borrador de lo que podría se el concepto general de la película.
El 5 de febrero de 1932, Upton sinclair recibió un telegrama donde se le ordenaba a eisenstein que regresara a la U.R.S.S, tras su larga ausencia, una vez vuelto a la unión soviética empezaron los problemas, eisenstein culpaba a la producción de los sinclairs (culpaba a Hunter Kimbrough, hermano menor de la esposa de sinclair) por la demora de la película, tras diversas querellas e incluso presiones del gobierno sovietico sinclair retiró los fondos para la película y cerró la producción, le fue ordenado a kimbrough regresar a U.S.A con los 60.000 metros de película hasta ese momento filmada, sinclair prometio a eisenstein que enviaria el film a la union sovietica para su editado pero esta aceptaba este hecho solo con la condición de que el Mexican Flim Trust pagara por el duplicado de los negativos y traslado de estos, esta propuesta fue rechazada por el Trust que ya se encontraba desintegrado, Sinclair termino el “proyecto” en U.S.A con ayuda de Sol Lesser, quien superviso la post producción de este, “thunder over mexico”, “eisenstein en mexico”, y “death day” fueron los resultados, los cuales fueron estrenados en U.S.A entre 1933 y principios de 1934 sin lograr mucho éxito.
Ya vuelto en la unión soviética, bajo la mirada vigilante de la elite stalinista que lo consideraba un enemigo potencial sino un traidor, y tras superar un cuadro depresivo del cual fue victima, y a la vez gestor comenzó a ejercer la docencia en la escuela de cine de Moscú, en 1935 recibió la autorización para comenzar su primer proyecto sonoro, “Bezhin Meadow”, en este proyecto eisenstein eligió contar la historia de un joven comunista que delató a su padre y al final es asesinado por los sus mismos familiares (el tema del deber patriótico y civil antes que la familia era muy común en el cine soviético y alemán de la época) , el porque de la elección de este tema por eisenstein nunca fue aclarado, pero lo que si se tiene por seguridad es que el resultado no fue del agrado del regimen stalinista, que dio por finalizado el proyecto y destruyo la cinta.
Tal vez en un intento para agradar al régimen, o en un hipócrita acto de supervivencia (cabe decir que pueden ser considerado similares) decidió embarcarse en un nuevo proyecto, un drama historico, lo que seria su primera pelicula sonora.

“Alexander Nevsky” (un principe ruso del siglo 13 que peleo valientemente contra las hordas germanas) es tal vez la película mas “hollywoodense” que hizo en su carrera, usando actores profesionales y un guión mas que nada impuesto, eisenstein se alejo del montaje intelectual dio paso a el montaje vertical ademas de los estimulos visuales por la grandiosidad de los escenarios y la indumentaria, esto sin embargo no fue una decisión personal, sino un mandato impuesto a la fuerza,esta película fue una especie de advertencia, así como de critica hacia las emergentes fuerzas nazis alemanas, esta película comenzó su distribución en 1938 y fue un éxito tanto en la unión soviética como en el extranjero, fue por esta película que recibió la “orden de lenin” el primero de febrero de 1939.
Consolidada su posición y asegurada su seguridad en el regimen de stalin, decidió embarcarse en un siguiente proyecto, “the great fergana canal” una película de corte épico sin embargo el proyecto fue cancelado antes de comenzar, lo que sigue fue la firma del pacto de no agresión entre Alemania y la unión soviética, el cual perjudica mucho a la película de eisenstein, “Alexander nevsky” fue sacado de distribución.
Una vez roto el pacto de no agresión por el ataque aleman, la película fue puesta de nuevo en distribución.
En 1941 Eisenstein comenzó el proyecto que resultaria en Ivan, el terrible, la trilogía, la primera parte presentaba a un heroe nacional, brillante y justo, y se gano la aprobación de stalin, asi como “la orden de stalin”, fue la segunda parte la que desperto la furia de este, ya que presentaba a un zar voluble, sanguinario y tirano, alegoria a stalin, esta cinta fue censurada y no fue estrenada hasta 1958.
En Ivan el Terrible Eisenstein utilizo y jugo mucho con las sombras y los colores, utilizaba las sombras para denotar situaciones y estados asi como los travelings y los primerisimos planos, ademas resaltan el uso de símbolos representativos de la iglesia ortodoxa, y alegorias a la religión, los personajes principales son presentados como animales, mediante el juego de luces y sombra, Ivan es presentado como una ave majestuosa, logro jugar con la fisonomia de Nikolai Cherkasov a su favor, denotando en momentos fragilidad y el subito cambio a un ave de presa lista a atacar, Efrosinia (la tía de Ivan) es presentada como una serpiente vestida de negro (denotando su naturaleza vil), siempre se le enfoca saliendo desde el suelo, cual serpiente reptante, mientras que Alexei (hombre de confianza de Ivan) es presentado como un perro, representando la fidelidad.
Fue en pleno desarrollo de la tercera parte, a la edad de 50 años cuando eisenstein abandona este mundo gracias a una hemorragia.

Un genio como pocos vivió fiel a sus ideas y aun escondido en la formalidad logro hacerse destacar, jugo con el cine cual arte volátil y plasmo en el un legado completamente admirable.

Nietzsche - "El Superhombre"

Hombre nuevo que aparece tras la “muerte de Dios”. Nietzsche lo concibe como el individuo fiel a los valores de la vida, al “sentido de la tierra”.

En “Así habló Zaratustra” Nietzsche nos cuenta tres transformaciones del espíritu: cómo el espíritu se transforma en camello, el camello en león y, finalmente, el león en niño. El camello representa el momento de la humanidad que sobreviene con el platonismo y que llega hasta finales de la modernidad; su característica básica es la humildad, el sometimiento, el saber soportar con paciencia las pesadas cargas, la carga de la moral del resentimiento hacia la vida.

El león representa al hombre como crítico, como nihilista activo que destruye los valores establecidos, toda la cultura y estilo vital occidental. Y el niño representa al hombre que sabe de la inocencia del devenir, que inventa valores, que toma la vida como juego, como afirmación, es el sí radical al mundo dionisíaco. Es la metáfora del hombre del futuro, del superhombre.

“Mas ahora decidme, hermanos míos: ¿qué es capaz de hacer el niño, que ni siquiera el león haya podido hacer? ¿Para qué, pues habría de convertirse en niño el león carnicero? Sí, hermanos míos, para el juego divino del crear se necesita un santo decir “sí”: el espíritu lucha ahora por su voluntad propia, el que se retiró del mundo conquista ahora su mundo.”

“Los débiles y malogrados deben perecer: artículo primero de nuestro amor a los hombres. Y además se debe ayudarlos a perecer” (“El anticristo”)

“Debéis buscar vuestro enemigo y hacer vuestra guerra. Debéis amar la paz como medio para nuevas guerras, y la paz de corta duración más que la larga. Decís que es la bondad de la causa la que santifica la guerra; yo digo: es la bondad de la guerra lo que santifica toda causa”. “¿Quién alcanzará algo grande si no tiene la fuerza y la voluntad de infligir grandes sufrimientos? Saber sufrir es poco: hay mujeres y esclavos que han destacado como maestros en este arte. Pero no sucumbir ante los ataques de la angustia íntima y de la duda turbadora cuando se causa un gran dolor y se oye el grito de este dolor, esto sí es grande”. “El hombre superior se distingue del inferior por la intrepidez con que provoca la desgracia”

El hombre al que hay que superar es el que se somete a los valores tradicionales, a la “moral del rebaño”, a la moral basada en la creencia de una realidad trascendente que fomenta el desprecio por la vida, la corporeidad y la diferencia entre las personas. El superhombre sólo es posible cuando se prescinda absolutamente de la creencia en Dios, cuando se realice hasta el final la “muerte de Dios”

El superhombre no se puede identificar con una clase social con privilegios que le puedan venir por la tradición o que descansen en su poder social (con la aristocracia, por ejemplo), ni con un grupo definido biológicamente (con una raza) pues los genes no son una garantía de excelencia. Pero lo podemos reconocer a partir de su conducta moral:

1. Rechaza la moral de esclavos: la humildad, la mansedumbre, la prudencia que esconde cobardía, la castidad, la obediencia como sometimiento a una regla exterior, la paciencia consecuencia del sometimiento a un destino o a un mandato, el servilismo, la mezquindad, el rencor.

2. Rechaza la conducta gregaria: detesta la moral del rebaño, la conducta de los que siguen a la mayoría, de los que siguen normas morales ya establecidas; como consecuencia de su capacidad y determinación para crear valores, no los toma prestados de los que la sociedad le ofrece, por lo que su conducta será distinta a la de los demás.

3. Crea valores: los valores morales no existen en mundo trascendente, son invenciones de los seres humanos; pero no todos los hombres los crean, muchos –la mayoría– se encuentran con los valores ya creados por otros, siguen las modas, los estilos vitales vigentes; el primer rasgo del superhombre es precisamente éste: inventa las normas morales a las que él mismo se somete; pero este rasgo no es suficiente para definir al superhombre, pues no vale que cree o invente cualquier valor, además ha de crear valores que sean fieles al mundo de la vida y que le permitan expresar adecuadamente su peculiaridad, su propia personalidad y riqueza.

4. Vive en la finitud: no cree en ninguna realidad trascendente, ni en Dios ni en un destino privilegiado para los seres humanos, una raza, una nación, o un grupo; no cree que la vida tenga un sentido, como no sea el que él mismo le ha dado; acepta la vida en su limitación, no se oculta las dimensiones terribles de la existencia (el sufrimiento, la enfermedad, la muerte), es dionisíaco.

5. Le gusta el riesgo: las nuevas experiencias, los caminos no frecuentados, el enfrentamiento, las pruebas difíciles; no está preocupado ni por el placer ni por el dolor, ni propio ni ajeno, pues pone por encima de ellos el desarrollo de su voluntad y de su espíritu; es duro consigo mismo y con los demás, es valiente, no huye del dolor ni de ninguna forma de sufrimiento: sabe que de estas experiencias puede salir enriquecido, puede crecer.

6. Es contrario al igualitarismo: ama la exuberancia de la vida, le gusta desarrollar en él mismo y en los demás aquello que les es más propio; no tiene miedo a la diferencia.

7. Ama la intensidad de la vida: la alegría, el entusiasmo, la salud, el amor sexual, la belleza corporal y espiritual; puede ser magnánimo, generoso, como una muestra de la riqueza de su voluntad.

En conclusión: el superhombre es la afirmación enérgica de la vida y el creador y dueño de sí mismo y de su vida, es un espíritu libre.

Rob Gonsalves... ¡Inquietantemente increible!

Rob Gonsalves "Realismo Mágico"

Haciendo un breve paseo por uno de los grandes medios de información, la Internet, me tope con una maravilla artística que me llevo al estupor profundo, una técnica extremadamente exquisita, unos efectos deliberadamente asombrosos, llenos de ilusiones visuales; en definitiva, la calidad perfecta para una obra de arte.
Aquel autor que dormitaba mi atención es el talentoso incursionador; del denominado Realismo Mágico, Rob Gonsalves.

Nació en Toronto – Canadá en 1959; desde muy niño desarrollo un cierto interés en el dibujo de la imaginación usando varios medios.

Influenciado por uno de los artistas más relevantes del surrealismo, Salvador Dalí, Gonsalves comenzó sus primeras pinturas surrealistas. El acercamiento del “realismo mágico” de otro grande, como lo es Magritte, juntos con las ilusiones exactas de la perspectiva de Escher, fueron tomados de importantes influencias en su trabajo futuro.

Trabajando a tiempo completo como arquitecto, y sumándose a innumerables participaciones en exposiciones, fue que, en 1990 tras la respuesta entusiasta en la exposición de arte al aire libre de Toronto, Gonsalves se dedico a la pintura a tiempo completo.

Aunque el trabajo de Gonsalves se categoríza a menudo como surrealista, debido al hecho de que las imágenes están planeadas deliberadamente, resultando además del pensamiento consciente. Las ideas son generadas en gran parte por el mundo externo e implican actividades humanas reconocibles, usando además los dispositivos cuidadosamente previsto de la ilusión; Gonsalves inyecta un sentido de la magia en escenas realistas, siendo consecuentemente, el término “realismo mágico” el único que describe su trabajo exactamente.

Sin lugar a dudas, sus obras son un camino a la ilusión y a la quimera, en el que persisten los mundos que solemos ver en sueños, las pesadillas que a veces se nos antojaría vivir; dejándonos llevar por la perfección, es así como Rob Gonsalves genera en sus obras, mágicas estampas de colección; estampas que nos motivan contemplar una y otra vez hasta embriagarse en una naturaleza que solo existe en la imagen.

Algunas obras de mayor relevancia.

Félix Nadar

Nadar fue el apelativo que tomó desde muy niño Gaspard Félix Tournachon y fue también la firma que lo colocaría imperecedero en la historia de la fotografía. Nacido en París en 1820, provino de una familia muy pobre pero aún así pudo seguir estudios de medicina.

A pesar de su profesión como médico, trabajó como caricaturista en algunos diarios y revistas como Le Charivari, con lo que se ganaba la vida y al mismo tiempo adquirió cierta fama. Posteriormente se desempeñaría como periodista e incluso escribió algunas novelas.

No es sino cuando descubre su vocación por la fotografía que comenzaría su ascenso. Su anterior trabajo con caricaturas lo ayudó a poder captar lo que quería expresar con sus fotos. Se ocupó también de visitar las catacumbas para plasmar lo que no se había visto antes.

Sin embargo su círculo empezó a cerrarse alrededor de la elite artística e intelectual francesa de la época, con nombres como Víctor Hugo, Verne o Baudelaire, quienes lo buscaban para ser retratados. Este trabajo de captar a las personas retratadas por medio de una cámara fotográfica era dejado a otras artes como la pintura, por lo que se considera a Nadar como un innovador en lo que es esta rama.

Nadar fue incluso inventor y llegó a construir, junto con el apoyo de su amigo Julio Verne, un globo aerostático, llamado Le Géant, desde el cual realizó tomas aéreas que no se habían hecho nunca antes. Fue uno de los primeros en usar luz artificial y también se vio inmerso en el campo de la fotografía erótica.

Por todo esto, Nadar es considerado un pionero en muchos sentidos y su legado es aún muy fuerte en los fotógrafos de la actualidad. Una de sus fotografías más impresionantes es la que tomó en 1885 junto al lecho del recién fallecido Víctor Hugo. En la imagen que coloco a continuación se puede observar claramente la forma en que es atrapada la situación, con un estupendo juego de sombras y la toma, hábilmente colocada desde el perfil del escritor, lo que nos brinda un sentimiento de nostalgia y mucha paz.

Nadar falleció en 1910 y dejó gran cantidad de retratos de los personajes más destacados de la época. El arte se observa en la naturalidad con la que posan los protagonistas, producto de la amistad y la confianza por parte del artista al cual hago mención. Él mismo lo dijo en una famosa frase: “El retrato que mejor hago, es el de la persona que mejor conozco.”

Dejo para su apreciación algunas de sus fotografías más destacadas. Espero sean de su agrado.

Nirvana (El nombre lo dice todo)

Nirvana, voz sanscrita que se traduce en el estado resultante de la liberación de los deseos, de la conciencia individual y de la reencarnación, que se alcanza mediante la meditación e iluminación.

Nirvana, voz del lenguaje universal, grupo de rock que se traduce en descarnados gritos, húmeda melancolía y rápida incineración. Nirvana puede adquirir diferentes significados como bálsamo para el espiritu, detonante rabioso, nostálgica liberación o demencial incoherencia, coherencia, razón y sinrazón en el uno-todo. Nirvana esta concebido para aquel sabio y orate, que cansando de las vergüenzas del mundo ha tomado la inteligente resolucion de volverse loco.

Esta banda no necesita más presentación que el mismo nombre, el cual ampliamente a sobrepasado el significado original de la palabra alrededor el globo. Kurt Cobain, Krist Novoselic y Dave Grhol, los tres de Seattle que se convirtieron en la voz de la Genración X, en el himno del Grunge y en una banda que prefirió incinerarse en un segundo que quemarse lentamente. Justo como los grandes artistas que cual tragedia griega hallaron el fin de la mano de un destino cruel, final que los inmortaliza en los anales de la historia de la humanidad, dejando de ser músicos para convertirse en esperanza.

No ahondare en la historia de la banda, pues de seguro ustedes incurables melómanos, como el que escribe, la conocen ya algunos de memoria y otros a grandes rasgos, además nos es prescindible cuando la obra es de un arte tal que la historia jamás la opacaría en lo mas mínimo. Van Gogh regalaba orejas a las prostitutas, Verlaine tenía sífilis y Cobain consumía heroína. Defectos que se reducen a una mera insignificancia comparado con la grandeza de su obra.

A continuación una breve reseña y comentario de los álbumes mas importantes de Nirvana, aquellos ante los cuales parecíamos reflejarnos en un espejo, pues era el rostro, la voz y el sufrimiento de Kurt, el mismo que habitaba en nuestras almas pugnando por salir.

Bleach, fue el álbum debut de la banda. Junio de 1989.

'Bleach' fue grabado en los estudios Reciprocal Recording de Seattle, Washington, por $606.17 dólares y un sandwich al sonidista. Los temas de las canciones están basados en la vida de la clase trabajadora de Aberdeen, Washington, donde Kurt nació y creció. El álbum esta influenciado principalmente por tres corrientes paradójicamente muy distintas. Bleach cuenta con influencia, según el mismo Kurt Cobain, de los trabajos tempranos de Black Sabbath, bandas de Hard Rock, como Mudhoney y The Melvins, además señala que durante el proceso de grabación y gira, la banda escucho los trabajos de la banda sueca de Black Metal, Celtic Frost y que los Beatles fueron de inspiración para Bleach. Como se puede apreciar aquí ya desde temprano Nirvana se convertía en el delta de todas las corrientes musicales de la época. Con este álbum se iniciaba la historia de Nirvana, siendo el preámbulo para el trabajo con que escribirían su nombre en el gran libro de la música.

Lista de canciones

1. Blew

2. Floyd The Barber
3. About a Girl

4. School

5. Love Buzz

6. Paper Cuts
7. Negative Creep

8. Scoff
9. Swap Meet
10. Mr. Moustache
11. Sifting
12. Big Cheese
13. Downer


Nevermind, Hito musical del siglo XX, Septiembre de 1991

Nermind, fue el álbum que catapulto a Nirvana a la fama mundial, superando a sus contemporáneos de Pearl Jam o Soundgarden y consolidando el movimiento grunge. Este es uno de aquellos álbumes que llamamos místicos, como el “Jimmy Hendrix Experience”, el “Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band” o el “American Prayer” de The Doors, pues llevan consigo un alma propia que sobrevivirá a travez del tiempo y el espacio, del ir y venir de incontables grupos musicales, mas estas obras inmortales son de aquellas que perduran cual diamante, para siempre. El Nervermind es un trabajo marcado por guitarras distorsionadas, la bateríadestructiva, el bajo retumbante y la voz caótica de la banda en un álbum diseñado para amplias audiencias, que colocó un estándar para la música rock de los '90s. El Kurt Cobain expresaría posteriormente que no estaba satisfecho con la producción por ser "ligero" y "amigable a la radio", pero también admitió en la biografía de la banda, Come as You Are, que al escuchar al álbum lloraba.

Este espectacular álbum, se posiciono nº1 en todas las listas habidas y por haber de la época. La famosísima portada fue nombrada la tercera mejor de todos los tiempos por la revista Rolling Stone y hasta hoy es emblema de una época de amaneceres perdidos. Nevermind es un álbum, cargado, sentimental, melancólico y furioso, justo como Kurt, justo como aquella generación, justo como nosotros.

Lista de canciones

1. Smells Like Teen Spirit
2. In Bloom
3. Come as You Are

4. Breed
5. Lithium

6. Polly

7. Territorial Pissings

8. Drain You

9. Lounge Act

10. Stay Away
11. On a Plain
12. Something in the Way

13. Endless, Nameless (10 minutos después)

In Utero, El lado oscuro de Nirvana, Septiembre de 1993

El último álbum estudio de la banda. Nirvana decidió “retornar a sus raíces”, retomando en este álbum el sonido rustico, las influencias indie, punk e incluso algunos rasgos psicodelicos. La grabación duro una semana, y según Cobain, fue el álbum mas fácil de Nirvana, de fácil realización y composición, mas sin embargo cargado de fuerza, ironía, un sentimiento de autodestrucción y critica social, como la que hace Kurt al aborto en “Rape me”, a las drogas en “Dumb” o al éxito comercial en “Radio friendly unit Shifter”. El álbum alcanzo los nº1 en cuanto salio y el éxito fue inexorable. La controvertida portada de un ángel anatómico en gestación, causo que en algunos estados americanos así como en algunos países fuese reemplazada por un diseño alternativo. Las líricas cada vez mas metafóricas y confusas de canciones como “Dumb” “Pennyroyal tea” o “Heart Shaped Box" consolidaban a Kurt Cobain como Compositor, además de cómo diseñador de portada, fotografía y dirección de arte. Con In Utero terminan los discos de estudio de Nirvana y sirve de preámbulo para el álbum que a mi parecer es casi tan bueno como el Nevermind.

Lista de canciones

1.Serve the Servants
2.Scentless Apprentice
3.Heart-Shaped Box

4.Rape Me

5.Frances Farmer Will Have Her Revenge
6.Dumb

7.Very Ape
8.Milk It
9.Pennyroyal Tea

10.Radio Friendly Unit Shifter
11.tourette's
12.All Apologies


Nirvana, Mtv Unplugged in New York, Noviembre de 1993

El Unplugged, mi álbum favorito de Nirvana, y el Segundo mejor después del Nevermind. En este disco Nirvana nos demuestra como pueden trascender en la historia de la música, librándose de los sonidos indie-punk, suavizándolos de manera magistral, grabando un unplugged que sentó precedentes y que definitivamente resulta en el más recordado y el mejor, pues como ya sabemos innumerables bandas han grabado ya sus respectivos unplugged, pero jamás como Nirvana. Este álbum esta compuesto por temas de de los tres albumes estudio además de algunos covers de David Bowie, The man who sold the World, Meat Puppets Lake of fire, Plateau, Oh me, The Vaselines Jesús doesn´t want me for the sunbeam, y Leadbelly where did you sleep last night. Podemos resaltar los aspectos especialmente en los "íntimos" y "menos ruidosos" arreglos, como el acompañamiento de cuerdas en varias canciones así como la batería de Dave Grohl que era más suave en comparación con su usual forma destructiva de tocar, permitieron que las excelentes habilidades para escribir e interpretar canciones de Kurt brillaran en todo el concierto. Este álbum es memorable e irrepetible, otro de aquellos que pasa a formar parte del olimpo musical del siglo XX. El Unplugged es tristemente recordado pues marca el preámbulo del fin, y el comienzo de la inmortalidad.

Lista de canciones

1.About a Girl
2.Come As You Are
3.Jesus Doesn't Want Me for a Sunbeam

4.The Man Who Sold the World
5.Pennyroyal Tea
6.Dumb
7.Polly
8.On a Plain
9.Something in the Way
10.Plateau

11.Oh, Me

12.Lake Of Fire

13.All Apologies
14.Where Did You Sleep Last Night?


El resto de la historia todos ustedes ya la conocen y no se las escribiré esta vez, pues me resulta irremediablemente doloroso, mas les diré solamente que el fin de la vida, no es el final del camino y que algunos hombres nacen para perdurar en la eternidad.

Hay un lugar donde no hay tierra, ni agua ni fuego ni aire: Donde se comparten los espacios infinitos. No es este mundo ni es otro, ni ambos. No hay sol ni luna. No puedes quedarte en el ni abandonarlo. Ni naces, ni mueres. No estas fijo ni móvil. No esta fundado en nada. Se llama Nirvana, y de hecho es el fin del camino.

Kurt Cobain - “Es mejor quemarse que disolverse lentamente”


Curiosidades Nirvana

La version de polly que se escucha en el Nevermind es en realidad un demo de abril del 90, grabado con una guitarra acustica destruida de solo 5 cuerdas, que cabían nunca afinaba del todo. Con esa misma guitarra se grabo something in the way. Como siempre se intento grabarla con toda la banda alk mismo tiempo, pero no resulto. Cobain salio del estudio bastante molesto, se sento en un sillon y empezo a tocar y a cantar el tema el solo. El productor, Butch Vig, cerro con llave el control, puso dos micrófonos, y asi grabo la version que se escucha en Nevermind.

La intro del tema territorial pissings es la voz de krist novoselic grabada a travez del micrófono de una de las guitarras de cobain, una fender jazzmaster, cantando un verso del tema “get together” de youngblood.

El Nombre De La Cancion About A Girl Lo Dio Chad Channing Antiguo Baterista, Cuando Cobain Le Pidio Un Nombre, El Dialogo Fue Asi: Cobain: "What Should I Name This?", Channing: "What's Is About?", Cobain Respondio: "A Girl", Channing Dijo: "About A Girl"

El Idolo De La Infancia De Cobain Fue Evil Kenevil y John Lennon.

Los Tipos De Nirvana Fueron Expulsados De La Fiesta Del Lanzamiento De Nevermind Por Iniciar Una Guerra De Comida.

El Video Sliver Fue Grabado En El Garage De Cobain.

La 1ra Cancion Que Cobain Aprendio A Tocar Fue Back In Black De ACDC.

El Telefono Del Apartamento De Cobain En Olympia Era 352-0992.

Hay Catorce Palabras En La Cancion School.

Cobain Y Love Se Anotaban En Los Hoteles Con El Sr Y La Sra Simon Ritchie, El Nombre Verdadero De Sid Vicious, Bajista De The Sex Pistols.

Cobain Se Hizo Su Tatuaje "K" El Mismo. Grohl Tambien Tiene Varios Tatuajes Hecho En Casa.

El Mono En La Parte De Atras De Nevermind Se Llama Chim Chim. El Verdadero Chim Chim Esta En La Caricatura Favorita De Cobain, Meteoro.

El Conserje En El Video Smells Like Teen Spirit Es Un Conserje De Verdad.

Cobain Trabajo De Barrendero En Su Escuela Por 8 Meses Y De Salvavidas Por Un Verano.

Nirvana Estará Elegible Para El Salon De La Fama De Rock En El 2014, Porque Una De Las Reglas Es Que Tienen Que Pasar 25 Anos Despues Del Lanzamiento Del 1er Album, En Este Caso Bleach.

En Un Episodio De La Mejor Serie De TV: Married With Children, Peg Dijo: Al, Vamos A Ver El Mejor Show Del Mundo. Y Kelly Dijo: Nirvana?

Nirvana No Toco Smells Like Teen Spirit En Argentina, Como Castigo Para El Publico Por Burlarse De Las Teloneras Amigas De La Banda.

Rarezas Nirvana

Nirvana - Twist and Shout (Beatles)
Nirvana - Mrs. Robinson (Simon and Garfunkel)
Nirvana - Moist Vagina
Nirvana - I hate myself and i want to die
Nirvana - Sappy
Nirvana - Cocaine Girl
Nirvana - Seasons in the sun
Nirvana - Chorus verse, chorus verse