Li Po - El Poeta Inmortal

Li Po nace posiblemente en Suige, Asia Central en el 700 y fallece en Dangtu, China en el 762. Es conocido como el “Poeta Inmortal” y se encuentra entre los poetas más respetados de la historia de la literatura china.

Li Po ha sido, está considerado como uno de los más grandes poetas chinos junto con Tu Fu. Por otro lado constituye una de las figuras más excepcionales de la historia de la literatura china, por su carácter, su estilo de vida, su espíritu libre y su genio poético. Cuando el poeta Chin-chang lo conoció, lo llamó "Un Inmortal exiliado en la tierra", a los veintisiete años dejó su provincia natal, y viajó por el país.

Estudió y entrenó con varios maestros taoístas, y llegó a ser un gran adepto. Su dedicación al Taoísmo aumentó aún más su espíritu de libertad. Llegó a ser también un gran maestro en el arte de la espada, y viajó por China como caballero errante, durante largo tiempo.

Una vez fue condenado a muerte y estuvo tres veces bajo arresto. Se casó con una joven de una prominente familia, lo que lo retuvo a las orillas del lago Tung Tin durante un tiempo. En el año 742 fue llevado a la corte, y allí gozó de gran privilegio. Sin embargo, la envidia de sus adversarios hizo que lograran desacreditarlo implicándolo en la rebelión de An Lu-shan, y consiguieron que se lo desterrara a Ye-lang en Yün-nan. Pero la sentencia se abolió antes de que llegara a destino.

Fue un gran bebedor, y se jactaba de "comer como un tigre, y beber trescientas copas en una sentada". En una ocasión, un enviado del emperador lo fue a buscar a las montañas para pedirle que acudiera a la corte. Li Po estaba en una posada, profundamente borracho. Ante el pedido del emisario, rehusó la invitación diciendo: "Dígale a su majestad que su servidor es un dios del vino". Una leyenda dice que murió en una noche de borrachera tratando de abrazar la luna en el río Yangtze, en China no se lo considera como a un humano, sino como a alguien que alcanzó el estado de inmortal.

Aquí les dejo uno de sus mas famosos poemas

Bebiendo solo a la luz de la luna

Entre las flores, un tazón de vino
bebo solo, ningún amigo está cerca.
Levanto mi Copa, invito a la Luna
y a mi sombra, y ahora somos tres.

Mas la Luna nada sabe de bebidas
y mi sombra se limita a imitarme,
pero así y todo, Luna y sombra
serán mi compañía.

La primavera es época propicia para el goce.
Canto y la Luna prolonga su presencia,
bailo y mi sombra se enreda.

Mientras me mantengo sobrio, somos alegres juntos,
cuando me embriago, cada uno marcha por su lado
jurando encontrarnos en el Río de Plata de los Cielos.

Eisenstein, El genio del montaje

Rusia lo que fue una vez la URSS, madre de la revolucion bolchevique tambien fue madre de este extraordinario director, he dividido esta reseña sobre el y su obra en dos partes, la primera que viene a continuación relatara sus primeras peliculas, la segunda contará su viaje a América y su vuelta a la URSS

Serguéi Mijáilovich Eisenstéin fue, es y seguirá siendo uno de los directores mas importantes y mas influyentes de la historia del cine, nació un 23 de enero de 1898, en su juventud decidió convertirse en ingeniero , en 1915 se mudo a Petrograd para continuar sus estudios en el Instituto de Ingeniería Civil, a la par de sus estudios el dibujaba caricaturas políticas, las cuales recién fueron vendidas después de la revolución de 1917, en 1918 fue voluntario en el “ejercito rojo”, en 1920 dejo el ejercito y se dedico al teatro, empezó siendo diseñador de vestuario en el “primer teatro de trabajadores de Proletcult”, después fue enrolado en el proyecto de teatro experimental de Meyerhold (quien era su ídolo) a la par que en otros proyectos, todos los cuales compartían la idea de que se debía destruir el arte convencional para crear uno nuevo, uno “democrático”, su obra teatral debía educar a las masas y crearles un espíritu comunista, en 1923 su puesta en escena de “the sage” o “el sabio” fue un gran éxito tanto como propaganda que como entretenimiento, lo resaltante de esta obra fue la estructura que utilizo, la cual fue la base para su teoría del montaje, que en sus siguientes producciones seria desarrollada mas a fondo, en base a esta obra teatral Eisenstein filmo una corto de 4 minutos llamado Dnevnik Gloumova (en esta película el héroe metamorfoseaba en algunas escenas, vaticinando lo que haría en su siguiente película, “La huelga”)

“The Strike” o “La huelga” fue la segunda película de Eisenstein, la cual fue una total critica al régimen el zar, en esta película se aprecio por primera vez en toda su magnitud el resultado de las investigaciones de Eisenstein (estudio las técnica de otro director ruso, Lev Kuleshov sobre el montaje yuxtapuesto así como las películas de Griffith, además eisenstein utilizo a los haikus como modelo para su teoria) el cual seria el “montaje dialéctico”, el montaje dialéctico es la presentación de dos situaciones paralelas para crear 3 respuestas, la primera seria la asimilación y entendimiento de la primera situación, la segunda seria la asimilación y entendimiento de la segunda situación, y la tercera seria una comparación entre la primera y segunda situación lo cual genera un reflexión y crea un espíritu critico, para ejemplificar, en “La huelga” cuando a los obreros son masacrados por las tropas, se presentan imágenes de reces siendo asesinadas en el matadero, la reflexión lograda en base a la relación seria “mueren cual animales para alimentar la voracidad el régimen zarista”, jugaban con la emotividad de los espectadores de forma sublime demostrando que aquel cine de propaganda era un arma muy poderosa en pro a la revolución.

La siguiente película de Eisenstein seria “Battleship Potemkin” o “Acorazado Potemkin” basado en el levantamiento de los marineros del acorazado potemkin contra sus oficiales en 1905, esta película es tal vez una de las mas aclamadas mundialmente, la película esta dividida en 5 episodios “Men and the Maggots” en donde se presenta el conflicto inicial por darles carne en mal estado a los marineros, “Drama at the Harbor” es cuando los marineros (liderados por Vakulinchuk) deciden actuar ante la prepotencia de sus oficiales, al final de este capitulo Vakulinchuk es asesinado de un balazo en la cabeza por uno de los suboficiales, la escena de el rescate de su cadáver es (a mi parecer) una muestra de la hermandad que existío o debió haber existido entre hermanos de la revolución, “A dead man calls for justice” en donde los marineros colocan el cadáver de su líder en el puerto con el siguiente cartel “Este es Vakulinchuk quien fue brutalmente asesinado por un oficial por un plato de sopa”, el pueblo de Odessa observa el cadáver, el cual poco a poco va generando un sentimiento colectivo de repudio al régimen opresor zarista, una escena muy peculiar en este capitulo es cuando un hombre vestido como todo un burgués en plena euforia colectiva grita “Muerte a los judíos”, en ese momento muchos voltean hacia el individuo y los muelen a golpes, se denota el sentido unificador y anti racista que eisenstein plasmo a la revolución, “The Odessa Staircase” en este capitulo se encuentra tal vez una de las escenas mas famosas en la historia del cine, y de la cual se han escrito extensos textos, la escena de las escaleras de Odessa en donde un grupo de soldados masacran al pueblo que se encontraba reunido saludando a los marineros del Potemkin, una sublime escena que logra crear en el espectador un sentimiento completo de repudio hacia el totalitarismo y opresión del zar, y el ultimo capitulo es “The Rendez-Vous with a squadron” en donde un escuadron naval cerca al acorazado, y lo que supuestamente iba a ser un enfrentamiento termina en un saludo de los otros barcos hacia el potemkin, denotando la union existente entre los miembros del pueblo ruso.

Aqui les dejo la escena de las escaleras de Onessa

Su siguiente película seria "Octubre" en la cual se narra el asalto al palacio de invierno en 1917 durante la revolucion bolchevique, en esta película Eisenstein utilizo lo que el denomina como “montaje intelectual” sucesión de imágenes que al parecer no tienen nada en común pero estimula al espectador a analizarlas y buscarles un nexo, ejemplo cuando muestra diversas imágenes de ídolos de diversas religiones, esta película tuvo que ser retrasada 5 meses ya que Leon Trotsky, uno de los gestores de la revolución fue expulsado por Stalin de la URSS y por orden de este mismo Eisenstein tenia que sacar todo rastro de Trotsky de su película.

Sigur Rós

Sin lugar a dudas una de mis bandas favoritas de la actualidad es Sigur Rós. Los escuché hace dos años ya y no les tomé demasiada importancia; sin embargo hace un par de meses me vi en la siempre agradable tarea de repasar mi lista de discos y me encontré con una frescura realmente inusitada proveniente de las melodías de estos fantásticos islandeses.

La banda se formó en 1994 y toma el nombre de la hermana menor de Jónsi, vocalista y líder, quien nació el mismo día de la reunión de los miembros de la agrupación. Desde que fueron un grupo en ciernes se destacaron por aquella ‘mediática independencia’ que los convierten en artistas de culto, poco observados por las grandes maquinarias musicales, pero con una vasta cantidad de seguidores y una crítica que le otorga bien merecidos elogios.

"Leit ad lifi"



Su primer disco titulado "Von" (Hope/Esperanza) fue poco entendido por su sonido profundamente experimental y su calidad de disco-concepto. No fue sino hasta noviembre de 1999, terminando el milenio, que lanzaron su famoso disco “Ágætis Byrjun” (A good beginning/Un buen comienzo) y los catapultó a la fama mundial, tanto así que muchos lo proclamaron uno de los mejores álbumes de la década. Es quizá el trabajo que mejor refleja las características de la banda, su minimalismo y sonidos etéreos que los hacen inconfudibles.

"Olsen olsen"



Tres años después sale a la luz el disco sencillamente titulado “( )”, cuyas canciones carecían de títulos y las letras eran cantadas en Hopelandic, una lengua inventada por el grupo que solo consiste en la voz usada como un instrumento más. La historia de este disco es extensa y curiosa por lo que no la citaré acá y razón por la cual dejo los enlaces a la reseña de cada disco.

"Untitled #4" (Njósnavélin)



Su cuarto álbum, “Takk” (Thanks/Gracias), publicado en 2004 presenta un sonido más rockero, con guitarras ligeramente más corrosivas, se convirtió en su disco más vendido, gracias a la popularidad que ya habían adquirido con sus precedentes trabajos.

"Hoppípolla"



Sigur Rós se ha ganado el respeto de artistas del calibre de David Bowie, Radiohead, Brian Molko de Placebo, Björk, Moby, Meg White, Metallica, Silverchair y una infinidad de seguidores conscientes de la maestría de los escandinavos. Además, suelen acompañar su excelencia musical con una consecuente calidad y minuciosidad en la realización de videoclips que plasman aquella nostalgia de estos modernos bonzos de la profundidad lírica.

He dejado una canción por cada uno de sus discos para que disfruten de su música y algunos enlaces hacia sus mejores videos. Asimismo, el clip “Untitled #1” (Vaka) que los hizo acreedores al premio de video del año en MTV Music Awards, distinción pocas veces otorgada a verdaderos artistas de calidad.



Videos:

Glósóli

Hoppípolla

Vidrar vel til loftarasa

Svefn-g-englar

Espero lo disfruten.

Saludos otra vez

Por fin. Se acabó el ciclo. Y con él los engendros, los viajes en transporte público (suerte de amor-odio), los cobradores (cuyas madres podrán ser santas, pero ellos son unos hijos-de-puta... disculpen la bilis), las clases intrascendentes y tantas otras cosas que me mantuvieron alejado esta última semana del blog que con tanto empeño nos hemos propuesto edificar.

Espero poder redactar artículos en cantidades industriales para el deleite de nuestros lectores (¿lectores?, jajaja) y poder compartir cultura, polémicas y todo cuanto nos desarrolle intelectualmente y, por que no, nos entretenga.

Sin más que decir sino disculpar el pequeño período de ausencia por parte mía y de mis compañeros, mañana será un nuevo día y nuestras plumas no se detendrán a pesar de la indiferencia, los vituperios y los ataques alienígenas. El arte y la cultura nunca mueren y nuestro ánimo por extenderlos tampoco.

Good night and good luck.

Christian Fennesz y Ryuichi Sakamoto - "Cendre"

Christian Fennesz es uno de los representantes más radicales de la electrónica mundial. De origen austríaco, a mediados de los noventa conformó una banda marcadamente influenciada por bandas de atmósferas cargadas como Sonic Youth y My Bloody Valentine. Posteriormente se dedicó a la experimentación y es ahora uno de los miembros más destacados de la vanguardia en su país y el resto del mundo.

Por su parte, Ryuichi Sakamoto es un compositor iniciado en la movida New Wave japonesa, la cual influenció mucho a las corrientes europeas, especialmente a la inglesa. Ha elaborado las bandas sonoras de muchas películas y su estilo frente al piano se puede definir como clasicista y depurado.

Cendre es un disco publicado este año y cuya belleza se deja apreciar desde la primera escucha. Sakamoto toca el piano de manera magistral colocándonos en un vacío con esos maravillosos silencios, muy bien aprovechados por la guitarra y el sintetizador de Fennesz quien nos envuelve en una energía estilo Karlheinz Stockhausen, y nos lanza a una aventura extremadamente placentera. Temas como ‘Trace’, que logran estremecer al oyente que aunque no sea asiduo a este género, disfrutará por tratarse de un disco de calidad.

Uno de los mejores trabajos que he escuchado este año, recomiendo que se le preste atención pues no creo que decepcione ni al más radical.

Descargar "Cendre"

H. P. Lovecraft - El visitante de Yuggoth

Howard Phillips Lovecraft, el solo nombre nos remite a recuerdos no vividos de míticas deidades, criaturas terribles, vórtices dimensionales, ciclópeas y oníricas ciudades, donde se ocultan las verdades universales y donde nosotros los humanos no somos mas que un segundo en el reloj implacable del tiempo y el espacio. Actualmente curso estudios de ciencias de la comunicación, en la universidad de Miscatonic, en Arkham. Desde aquí me dirijo a ustedes lectores apacibles, hombres de ciencia que venderían su alma para alcanzar el conocimiento absoluto, que viajarían mas allá de Yuggoth, el noveno planeta, a desentrañar los misterios que se esconden mas allá de las puertas que resguardan los Perros de Tíndalo, a ustedes lectores hábidos del buen leer permítanme introducirlos al universo de un hombre que veía el mundo desde los insondables abismos de la onírica ciudad de Kadath, maravillosa y terrible.

Biografía de H.P Lovecraft por Jorge Luis Borges:

Howard Phillips Lovecraft (1890-1937) nació en Providence, Rhode Island. Muy sensible y de salud delicada, fue educado por su madre viuda y sus tías. Gustaba, como Hawthorne, de la soledad y aunque trabajaba de día lo hacía con las persianas bajas.

En 1924 se casó y fijó su residencia en Brooklyn; en 1919 se divorció y volvió a Providence, donde retomó su vida de soledad. Murió de cáncer. Detestaba el presente y profesaba el culto del siglo XVIII.

Lo atraía la ciencia; su primer artículo trataba de astronomía. En vida publicó un solo libro; después de su muerte, sus amigos reunieron en volúmenes su obra considerable, antes dispersa en antologías y revistas. En sus relatos hay seres de remotos planetas y de épocas antiguas o futuras que moran en cuerpos humanos para estudiar el universo o, inversamente, almas de nuestro tiempo que, durante el sueño, exploran mundos monstruosos, lejanos en el tiempo y en el espacio. Entre sus obras recordaremos The Colour Out of Space (El color que cayó del cielo), The Dunwich Horror (El horror de Dunwich), The Rats in the Wall (Las ratas en la pared).

Más sobre la vida de Lovecraft:

Los datos biográficos de Loveraft, los remitiré a breves pero concisas frases y extractos de las mejores biografías que he hallado en la red además de ciertos prólogos de considerables libros del autor que a mi haber cuento ya leídos.

Howard Phillips Lovecraft nació en Providence, capital de Rhode Island, el 20 de Agosto de 1890. Era hijo de Winfield Scott Lovecraft, negociante, putero y sifilítico, y de Sarah Susan Phillips, mujer prognata como los reyes de la casa de Habsburgo, pero a diferencia de éstos proclive al sufragismo. En una fotografía de 1891, el niño H. P. L., vestido y peinado como una niña, aparece entre una madre de pelo recogido y mirada de institutriz histérica y un padre de ojos claros y mueca burlona que dos años más tarde sería recluido en un frenocomio. El 13 de marzo de 1919, Susan Phillips, que tocaba el piano, odiaba a su hijo y sabía francés, siguió los pasos de su marido.

La excesiva protección con la que el joven Lovecraft fue criado le llevó a padecer una precoz soledad y represión que sólo se veían aliviadas cuando representaba escenas imaginarias o históricas. Así, no es de extrañar su gusto por la lectura, afición que practicaba a menudo gracias a la magnífica biblioteca que había atesorado su abuelo materno.

A pesar de la cohorte de divinidades y cultos que desfilan a través del grueso
de su obra y de la conocida religiosidad de sus padres, Lovecraft siempre se manifestó ateo. Mientras que la mitología cristiana le resultaba estéril, su desbordante imaginación le empujaba a mundos más cercanos al de los cuentos de hadas y, en especial, a las Mil y una noches. A los seis años se entusiasmó con el paganismo grecolatino, lo que en un acto ciertamente sorprendente para un niño de su edad, le llevó a alzar como juego altares a Atenea, Apolo o Pan.

“Lovecraft, convencido de que “el conflicto era la única realidad ineludible de la vida”, escéptico, encerrado en el pesimismo de su soledad, consideraba que “el pensamiento humano era el espectáculo más divertido y más desalentador de la Tierra”. Sólo los sueños, que le proporcionaban un enorme placer estético, le ayudaban a escapar de su amargura y de su vida de represión y penuria económica.”

“Este hombre, contradictorio hasta lo imposible, que sentía verdadero amor por los gatos y odiaba con igual intensidad a los inmigrantes, se encontraba aterrado ante la sociedad pragmática de un país que apenas consideró suyo, ya que “él siempre sería británico”.

“En 1924, el autor que prefería la noche al día y los paseos solitarios se casó con Sonia Greene, empleada en la United Amateur Press Association, diez años mayor que él. Dos años después, el matrimonio se rompió. Durante los años treinta, se convirtió en un neurótico admirador de los incipientes fascismos europeos, a pesar de que era contrario a todo tipo de violencia y dictadura. En 1937, cuando contaba con cuarenta y siete años, murió de un extraño caso de cáncer intestinal en el Jane Brown Memorial Hospital de Providence.”

“La leyenda del “Maestro de Providence” adquirió proporciones desmesuradas y sus cada vez más numerosos lectores le hicieron sabedor de conocimientos ocultos, adorador de sus propios mitos, creador de una religión cargada de profetas, dogmas y libros en los que no sabemos a ciencia cierta si creyo o no, pero que sin duda lo imortalizaron y condenaron a descanzar en el panteón olímpico de los hombres universales.”

Análisis y Resumen de su obra:

La obra de H.P Lovecraft podemos clasificarla en tres grandes categorías:

Historias Macabras (1905–1920)

El ceremonial

Los amados muertos

Historia del Necronomicon

El extraño caserón en la niebla

El demonio de la peste

El terrible anciano

La llave de plata

El horror oculto

En la cripta

Legiones de la tumba

La lámpara de Alhazred
La Hermandad Negra, etc.

Historias Oníricas (1920–1927)

La nave blanca

Hypnos

El Libro Negro de Alsophocus

En busca de la Ciudad del Sol Poniente

Hongos de Yuggoth: poemas oníricos

La búsqueda de Iranon

Fragmentos: El descendiente

La búsqueda onírica de la misteriosa Kadath, etc.

Ciclo de Cthulhu (1925–1935)

La llamada de Cthulhu

El color que cayó del cielo

El horror de Dunwich

El que susurra en la oscuridad

Las montañas de la locura
La sombra sobre Innsmouth
El caos reptante
El superviviente
En la noche de los tiempos
Los sueños en la casa de la bruja
Fragmentos de Azathoth
La maldición que cayó sobre Sarnath, etc.

Las pesadillas, el paganismo y su profundo ateísmo fueron inspiración directa para su visión del mundo lleno de simbolismo, inconciencia y rasgos a veces de demencial misantropía. La literatura lovecraftiana esta construida en base a esta frase que el mismo acuño: “El miedo mas grande y mas intenso de la humanidad es el miedo a lo desconocido” Las fantasías enigmáticas y terribles en un mundo de ensueño, la supervivencia del antiguo mal, de entidades mas viejas que el planeta mismo, de creencias místicas en misterios ocultos, de deidades alienígenas extradimencionales y horrores caóticos y primigenios que se alimentan de la humanidad conforman en escueto resumen la obra del gran maestro creador de Cthulhu.

De igual modo que hizo Nietzsche, Lovecraft estaba sacando consecuencias de la muerte de Dios en la cultura occidental. Sus cuentos expresan la soledad y la pequeñez de lo humano en un universo infinito y amoral, azaroso y hostil, carente de significado y angustiosamente ajeno a nuestras preocupaciones y cavilaciones. El miedo ya no lo provoca el morboso encuentro con cadáveres o espíritus, sino la conciencia de nuestra situación en el mundo.

Espero que el breve recorrido sobre la vida y obra de H.P Lovecraft haya sido tan de su agrado, como fue para mí escribirlo. Los invito entonces a disfrutar del padre de Dagón, Los Primigenios, El Necronomicón, Kadath y Sona Nyl.

Suyo, por el Pilar de Pnath, R.R

Psicosis...en el umbral de un trastorno bipolar.

Psicosis
Comenzando con el género de más relevancia, a mi concepción, el terror, hacemos mención a una película que rompió barreras por su gran calidad y dedicación al ser producida.
Veamos pues parte de la realización de esta, y una apreciación propia.

Psicosis (1960) es una película dirigida y co -producida por Hitchcock (y la Paramount), con guión de Joseph Stefano; fotografía de John L. Rusell; música de Bernand Hermann; y el reparo lo componen: Anthony Perkins; Janet Leigh; Vera Miles; John Gavin; Martín Balsam.

Una película muy sintetizada y realizada, seguramente la más famosa de Alfred Hitchcock, es tambien a la percepción de innumerables espectadores, la más terrorífica de este director, aunque siendo de particular ironía, Hitchcock la calificaría como una comedia.

Es de saber, además, que la película fue recogida de los escritos de una novela publicada por un escritor apenas conocido, Robert Bloch. Pasando del anonimato a la fama cuando Hitchcock la leyó, llevándola al cine mas tarde, apostando firmemente en esta, la financió el mismo. Además del equipo poco conocido, actores con muy poca trayectoria cinematográfica, Hitchcock depuso toda su confiánza, filmando una película impresionante que rompería, sin lugar a dudas, taquillas y que, años mas tarde, se convertiría en una de las mejores películas del cine de terror.

Psicosis se caracteriza por su impresionismo, con el transcurso de las escenas deleita al espectador a seguir su secuencia y completa atención debido a su perturbador argumento.
Rodada en blanco y negro para aumentar el ambiente sombrío de la historia, Psicosis es una película pura, en la que el espectador no sólo queda aterrorizado por la historia y sus consecuencias, sino también maravillado por la música, fotografía e interpretaciones.
Objeto de muchas versiones, remakes e imitaciones, Psicosis ha sido siempre una película sumamente vanguardista que cambió, radicalmente, el cine de terror.

El film por excelencia del maestro Hitchcock se convirtió en su mayor éxito comercial, este se conserva hoy día como un hito en la historia del cine, casi en la misma medida que “Casablanca” o “Lo que el viento se llevó”, siendo todavía el motor de la filmografía de directores tan reputados como John Carpenter, Curtis Harringtono y Brian de Palma.

Psicosis es una película que se muestra en su estado más puro, en la que Hitchcock, sentó cátedra en el arte de dirigir y manipular las emociones del público, en un contínuo juego de pistas falsas, demostrando que incumpliendo todas las reglas clásicas y rompiendo con todos los convencionalismos, no sólo se podían fabricar obras maestras, sino que también clamorosos éxitos de taquilla.

En resumen, un clásico imperecedero que destila cine puro por los cuatro costados y con el que Hitchcock consiguió, a partir de una historia sencilla, unos personajes poco atractivos y un guión que hasta se podría clasificar de convencional, una apasionante obra visual, que alcanza las más altas cotas de emoción mediante el uso de la técnica exclusivamente y la inventiva visual que tanto caracterizó la carrera de uno de los directores, que más principios de narracion en la secuencia de terror, ha aportado en la historia de este.

Y aqui, una escena de esta fascinante producción.

Waclaw Wantuch - Desnudos Artísticos

Waclaw Wantuch nació en 1965 en Tuchów, Polonia. Se graduó en la “Escuela de Bellas Artes de Polonia” y trabaja como artista gráfico y fotógrafo de arte. Se especializa en desnudos artísticos a blanco y negro asi como en bodypaint. Su trabajo a sido reconocido ya en toda Europa y nos llegan luces ahora a los países latinoamericanos, Waclaw Wantuch nos presenta el cuerpo femenino como jamas lo hemos visto, atravez del lente de la camara captura el alma y la esencia de la criatura mas divina de la creación. La mujer.

He aquí sus trabajos mas importantes:

Kraków (Sepia Collection, Cracovia, 2001)

Akt (wyd. Bosz, Olszanica, 2003)

Kraków (wyd. Art Partner, Cracovia, 2003)

Akt 2 (wyd. Bosz, Olszanica 2006)

Los dejo ahora con este genio de la fotografia contemporanea, definitivamente el cuerpo femenino es la materia mas sublime sobre el planeta tierra, y Waclaw Wantuch, sabe plasmarlo solo como los dioses podrían. Disfrutad entonces lector, con la suprema voluptuosidad del placer de los ojos!

Elogio de la locura - Erasmo de Rotterdam

Se puede ser todo lo loco que se quiera con tal de tener la virtud de reconocerlo.

Es preciso reconocer, pues, que existen dos clases de locura: una es la que sube de los infiernos cada vez las Furias lanzan sus serpientes para despertar en los hombres la fiebre de la guerra, la sed del oro, el crimen del incesto, los amores sacrílegos, el parricidio y demás horrores por el estilo, o para clavar en su conciencia la saeta del remordimiento. Y la otra, bien distinta por cierto, es la que emana de mí, y que todos ansían disfrutar como un gran bien. Esta locura se manifiesta generalmente por un agradable extravío que libra al espíritu de sus preocupaciones y pesares y lo sumerge en un baño de delicias.

Es un profundo error creer que la felicidad humana depende de las cosas mismas, cuando lo cierto es que se basa únicamente en el concepto que de ellas nos formamos.

El sabio, enterrado entre sus infolios, no entiende más que de sutilezas, mientras que el orate se lanza al torbellino de la vida y de él extrae beneficios y progresos. Homero, aunque ciego, vio claramente esta cuestión, cuando dijo: “El necio aprende a su costa”. Para llegar a poseer la verdadera prudencia hay que vencer dos obstáculos: la timidez, que nubla las ideas, y el temor, que al magnificar los peligros, aleja de las empresas importantes. La locura es el mejor recurso para vencer esos obstáculos. Por desgracia, pocos son los que comprenden las ventajas de no sentir vergüenza y de lanzarse audazmente a todo. A los que creen que la prudencia es preferible a la irreflexión, les ruego que me escuchen con atención, pues quiero hacerles ver lo errados que están.

Es un profundo error creer que la felicidad humana depende de las cosas mismas, cuando lo cierto es que se basa únicamente en el concepto que de ellas nos formamos.

No hay diferencia entre los locos y los sabios, y si la hubiere sería a favor de los primeros, en primer lugar porque con cualquier cosa se conforman, bastándoles con pensar que son dueños de lo que imaginan, y en segundo, porque comparten su satisfacción con sus semejantes, y bien sabido es que no hay dicha completa si no se disfruta en compañía.

Cuanto más viejo se hace el hombre, más se manifiesta en él su parecido al niño; y así el anciano se va del mundo sin sentir la vida que deja y sin temer a la muerte.

Franz Liszt - Liebestraume

Franz Liszt

Liszt, Franz (1811-1886):

Otro gran compositor, es sin lugar a dudas el pianista Franz Liszt, a continuación algunos datos de su vida, y su memorable trascendencia musical.

Pianista y compositor de origen húngaro. Fue el precursor del recital para piano y, a través de sus numerosos discípulos, el pianista más influyente del siglo XIX.
Nació el 22 de octubre de 1811 en la localidad de Raiding, cerca de Sopron.

Comenzó a estudiar piano con su padre. En 1823 marchó a París, ciudad donde pronto se dio a conocer como pianista.

Su estancia en París, le permitió conocer a numerosas personalidades de la cultura, desde compositores como Hector Berlioz y Frédéric Chopin a novelistas y poetas como Victor Hugo, Alphonse de Lamartine, el alemán Heinrich Heine y el panfletista liberal Félicité Lamennais.

Este contacto con tan singulares figuras de la musica y la literatura, influyó de forma decisiva en su carrera, siendo una de las tantas influencias trascendenres para Liszt; los conciertos que ofrecía el virtuoso violinista Niccolò Paganini en París a principios de 1831, en donde despertaron el deseo de conseguir con el piano una técnica similar a la que había conseguido Paganini con el violín.

Desde 1848 a 1861 fue director musical en la corte ducal de Weimar, donde interpretó obras compuestas por Berlioz, Wagner y otros compositores, así como las suyas propias. En 1861 abandonó Weimar para irse a vivir durante 10 años a Roma, donde estudió teología y recibió las órdenes menores.

Murió en Bayreut, Alemania, el 31 de julio de 1886, durante el Festival Wagner que allí se celebraba.

Liszt fue una de las personalidades más importantes de su tiempo.
Compuso unas 350 obras y escribió o colaboró en ocho volúmenes en prosa, sin contar su correspondencia. Además realizó más de 200 paráfrasis y transcripciones de otros compositores para piano.

Fue uno de los innovadores de la armonía en el siglo XIX, sobre todo con el uso de complicados acordes cromáticos. También investigó nuevos procedimientos musicales con su técnica de variaciones temáticas, como se pude apreciar en la Sonata en si menor (1853); las sencillas notas del comienzo se van transformando para dotar a la obra del material temático necesario, comvirtiendolo asi en una sonata de apreciada armonía.

Entre sus composiciones para piano, se denota el gran requerimiento que liszt le brindaba; comvirtiendo este en una técnica difícil y revolucionaria que otorgó al instrumento un color y sonoridades completamente nuevas.

Obras en piano

Entre sus obras pianísticas destacan los doce Estudios de ejecución trascendental (1851), las veinte Rapsodias húngaras (1846-1885; nº 20 sin publicar), los Seis estudios sobre un tema de Paganini (1851), el Concierto nº 1 en mi bemol mayor (1849; revisado en 1853), el Concierto nº 2 en la mayor (1848; revisado en 1856-1861), y las piezas que forman los tres volúmenes de Años de peregrinación (1855, 1858, 1877).

Algunas de estas últimas anticipan el impresionismo del compositor francés Claude Debussy con su representación de escenas naturales. Las obras orquestales incluyen, aparte de las sinfonías Fausto y Dante (ambas de 1857), trece poemas sinfónicos, género que inventó Berlioz y que Liszt bautizó con ese nombre; Les préludes (1854), el más conocido, se basa en un poema de Lamartine.
Es de importante mención, que a pesar que no se conoce el número exacto de obras, su originalidad está fuera de toda duda. La armonía y forma que empleó en sus últimos trabajos anticiparon la música de algunos compositores del siglo XX, como el austríaco Arnold Schönberg (en la atonalidad de obras como la Bagatela sin tonalidad) y el húngaro Béla Bartók con sus primeras obras nacionalistas.

Obras indispensables

Como acabamos de comentar, son muchas las obras de este magínifico compositor, y todas ellas de una gran calidad. Sin embargo, si tuvieramos que elegir, cabria destacar las siguientes:

Preludio y fuga para órgano sobre el nombre de Bach.

Bach fue una gran fuente de inspiración para Listz, y como homenaje a este gran compositor, Listz nos legó este magistral trabajo. La utilización de las propiedades del organo en este tema son increibles. Ya desde un principio nos envuelve en una atmósfera muy lugrube inundada por una gran inquietud sin dejar a continuación que este estado decaiga durante todo el transcurso de la composición. Más de diez minutos de autentica genialidad.

Rapsodia húngara nº2.

Todas sus rapsodias merecerían figurar en esta lista, sin embargo, esta sea posiblemente una de las más representativas. Rápidamente nos introduce en un mundo irreal en el que sin descanso se suceden pasages de gran viveza seguidos por otros mucho más profundos y relajados siempre sin perder ese rasgo de alegria y vida que recorre toda la obra. Muy recomendable.

Rapsodia húngara nº5.

Al igual que la anterior se trata de una obra de gran calidad artística. Se trata en este caso de una composicion mucho más oscura que la anterior. Tras una primera parte en la que parece que la muerte se pasea entre nosotros, pasamos a una parte final en la que la melancolia inunda la composición de forma sobrecogedora. Una obra indispensable para almas que vagan en pena.

Concierto para piano y orquesta nº1.

Composición trepidante. Tras un inicio de lo más amenazante, pasajes cada vez más vivos se suceden para concluir de nuevo con un final apoteosico. Quizás no se encuentra a la altura de otras composiciones pero merece la pena.

Sueño de amor nº1 .

Amor supremo. Completamente distinta a las anteriores. Ideal para corazones románticos.

A continuacion; Arthur Rubinstein - Liebestraume (sueño de amor)

Un ángel cayo en la "COVIDA"

Hay veces que escapan al flujo común de la realidad, hay momentos diferentes con personajes peculiares que lo destacan, hay instantes rescatables e imágenes memorables, pocas existen pero las hay, y tal vez una experiencia que resalte entre tantas es la que me ocurrió hace pocos días, cuando tuve la suerte de conocer a tan lindo ser, cual divina criatura.
Acostumbrado a sentarme y rozar el frió acero de un pobre intento de asiento, rutina diaria, mirando al cielo buscando Ángeles en pleno descenso, expulsados del Edén
esperando la llegada a mi lugar de la misma criatura de todos los días, cual Caronte, demandando monedas a cambio de el viaje a mi destino
lanzando injurias y sonidos desagradables, semejantes a chirridos bestiales
molestando a otros seres q acompañan mi viaje, queriendo asfixiarnos, hacernos daño provocarnos, sentirse un poderoso capaz de mandar, lo único que cambiaba de este ente era la mascara que usaba para disfrazar su ignorancia, insectos nada mas digo yo, no merecen ni mi desprecio.
Acostumbrado a la rutina no espere, he ahí mi error, que la excepción al caso seria un regalo divino.
Un ángel con sonrisa de diosa y mirada de madre, se acerco cual mensajera de los dioses y poso su mirada en mi rostro, pidió una moneda como pago para el viaje
asombrado por la luminosidad de su rostro le brinde lo que me pedía
“Gracias” … un ángel me agradeció, me quede sin habla, con una sonrisa se retiro a seguir derramando bendiciones a los acompañantes en mi viaje con destino incierto
vi por la ventana un lugar que me pareció familiar y decidí bajar
furtivamente me escabullí, no tenia el valor de despedirme, me sentía tan impuro
su rostro taladraba mi mente, había visto un ángel, ¿se repetirá? ¿Podré ver al ángel de nuevo?compartí mis cavilaciones con ciertos escogidos, cofrades míos
lamentaban su suerte de no haber podido ver al ángel, y yo lamentaba mi decisión de haber escapado cual cobarde maleducado sin decirle un adiós
Acompañado de uno de ellos, “compañero ahí viene un vehiculo, tal vez nos puede llevar a algún lugar donde podamos seguir buscando lo que cada uno busca”
deposite mi cansada humanidad en un asiento, mi cuerpo se estremeció
no por el contacto con el frió de aquel remedo de silla, esta situación, “deja vu”
levante la mirada, el ángel se dirigía hacia mi, y con las mismas palabras me pidió una moneda me miraba como disculpándome, le devolví la sonrisa y le respondí, “gracias a usted”
tuve el atrevimiento de mirarle a los ojos, y ella me respondió con un parpadeo
mi cofrade sin habla observaba aquel ángel, ese espectáculo de perplejidad me era familiar
pero yo ya no estaba en ese estado, estaba contento
vivía buscando Ángeles en plena caida, siempre alzando la mirada
sin pensar nunca en que hay Ángeles en la tierra caminando con nosotros
vestidas en ropas humildes con cuerpo de mujer, con mirada de madre y sonrisas de diosas.

La Maldición de la Flor Dorada

Hace unos días tuve la suerte de toparme con una película de cine del mas alto calibre, se trata de “The Curse of the Golden Flower” el titulo en ingles. Es la ultima entrega de Zhang Yimou, director de películas como “Heroe” y “La casa de las dagas voladoras” Yimou nos tiene ya acostumbrados, para aquellos que han podido apreciar alguno de sus filmes anteiores, a mostrarnos siempre una estupendo despliegue visual, al igual que una estupenda calidad fotográfica.

Pero es con “La Maldición de la Flor Dorada” donde Zhang Yimou nos demuestra todo su potencial a la hora de descargar con la habilidad y estilo de un maestro oriental de caligrafía, el lenguaje cinematográfico en todo su esplendor, la calidad visual un tanto barroca y obsesiva hacen de este film un placer a los ojos, los escenarios magníficamente armados, asi como las batallas con ritmo marcado y cuidadoso tratamiento, por momentos dejan de parecernos una guerra y se transforman en delicadas danzas producto de un efectivo proceso de montaje y edición.

La fotografía personalmente es lo mas espectacular de la cinta, es cuidadosa, llena de planos complicados pero a la vez de gran calidad expresiva, lo que hace de la película un filme que mas que narrado por el guión esta contado magistralmente por el lente de la cámara, que nos ayuda a descifrar la intriga de un modo que las palabras no podrían.

La trama es otro de los puntos fuertes de de la cinta, podemos clasificarla con el término de “Intriga Palatina”, llena de misterio y delicada morbidez, no tiene nada que envidiarle a la tragedia griega mas terrible. Por último el nivel actoral es de la magnitud al que nos tienen acostumbrados actores como Chow Yun Fat y Gong Li los cuales en sus respectivos papeles protagónicos nos brindan una actuación impecable haciéndonos sentir su dolor en carne viva.

Detalles de la trama no les dejaré aun, pues deben de juzgar ustedes mismos esta estupenda cinta, y poder así compartir opiniones y futuras críticas, que dudo serán demasiadas, pues la cinta no deja mucho que picar al ojo inquisidor. Para concluir les dejo algunas imágenes del film, donde podrán apreciar la estupenda calidad visual de la que el ojo hábido de placer no podría prescindir.